Andujar Archive

riure #1 superioridad vs inferioritdad. Centre d’Art Lo Pati.

VIII Festival Strobe de Vídeo y Arte Digital. Centre d’Art Lo Pati

Fecha: del 7 de diciembre al 15 de febrero de 2014

Dossier Riure

Dossier Riure (castellà)

Uno de los efectos más sobrecogedores del acto de risa es el desmantelamiento de las relaciones jerárquicas que provoca. Muchas culturas han establecido periodos donde las distinciones de rango y estatus quedan suspensas y el humor tiene vía libre para atacar instituciones hasta entonces intocables: las saturnales romanas, la fiesta de locos medieval y los carnavales son ejemplos de esta momentánea inversión. El carácter huidizo y fulgurante de la carcajada fue intuido por Hobbes en su definición de humor como “gloria repentina”: “se puede concluir que el humor no es sino la gloria repentina derivada de una concepción fugaz de eminencia en nosotros mismos, en comparación con la debilidad de los otros, o con nuestra propia de antes.”

Riure #1 Superioridad Vs Inferioridad propone, en un momento donde los ánimos generales están por los suelos, contratacar la pesadumbre con dosis de humor a través de revisar el trabajos de algunos artistas de la escena contemopanea que trabajan con nuevos medios. Para hacerlo nos hemos preguntado que es lo que nos hace gracia, de que nos reímos? De la mano del escritor Xavier Zambrano hemos construido una tipología que nos servirá de guía durante este trayecto simpático que hemos diseñado en tres entregas.
En la presente edición empezaremos averiguando como el humor desarticula la relación de superioridad-inferioridad y se levanta como una herramienta potente y mortífera a la vez de desproveer de autoridad cualquier poder establecido. El sentido del humor, y más concretamente la sátira, son dinamita pura en la base de flotación de cualquier régimen inmovilista o recalcitrante.

Strobe 2013 se concreta en una exposición, un itinerario a través de la perspectiva de la arqueología de los medios, un concierto audiovisual, un taller y algún movimiento viral. Seguimos desde Strobe indagando en la coyuntura del trans-media y el new-media, también hoy denominado cross-media, muy atentos en obras que nos vienen de la remix culture y de una lógica transdisciplinar a la vez de vestir la propuesta artística. La programación se configura con obras de: Campanilla, Patricia Esquivias, Alberto González Vázquez, Gabinete de Crisis, Jesús Acevedo, Daniel G. Andujar, OAU!, The Yes Men y David Curto. 

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Artistas en la cuneta, ¿Dónde fueron las promesas?

[notas para  “El museo en futuro. Cruces y desvíos”, los días 6, 7 y 8 de noviembre, en Madrid y que organiza la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España (ADACE). El encuentro se centra en el futuro del museo en un momento de transformación radical como el actual y pretende ser un foro de intercambio y debate con el fin de poner en común cuestiones que afectan a las relaciones entre los públicos y las instituciones culturales. Además, estas jornadas quieren poner énfasis en la necesidad de impulsar nuevos modos de financiación, producción y distribución para las artes, así como redes de colaboración e intercambio.]

http://www.adace.es/uploads/El%20museo%20en%20futuro(5).pdf

Según ‘Art Review‘ en su lista de los 100 nombres más poderosos, o influyentes del mundo del arte contemporáneo, destacan galeristas, marchantes, curators, coleccionistas y ricos de todo tipo, directores de grandes instituciones y en ultima instancia, y escasamente, artistas. A pesar de esta y otras listas, sigo pensando que el artista –parecería lógico pensar– es el muro de carga sobre el que se debe impulsar el sistema del arte actual. Se relaciona directamente con todos los agentes del mismo y produce las obras que son interpretadas, mediatizadas, exhibidas o comercializadas por otros profesionales. Estas listas deberían reflejar de algún modo la seriedad y concreción de su trabajo, sin embargo, la realidad en la que se asienta su práctica refleja su debilidad en la distribución de fuerzas del “Sistema”. Lo que si que refleja es cómo la propia sinergia postcapitalista ha cambiado totalmente el contexto y los escenarios de la cultura. La pujanza financiera de los países del Golfo Pérsico, Kazajistán, Rusia o China ha reconvertido en franquicia y trata de clonar la tradicional hegemonía de Occidente: París, Roma, Londres, Berlín, Nueva York con la ayuda de proyectistas de notable influencia en el medio como Nouvel, Ando, Foster, Gehry, Pei, Hadid…, que paradójicamente no aparecen en esta lista. No es de extrañar, visto lo visto, que quien aparece en primer puesto sea la jequesa catarí Al Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al-Thani, una treintañera que a su corta edad cuenta con el mayor presupuesto anual conocido para comprar arte (770 mill. €), construir museos y patrocinar u organizar exposiciones. Preside la Autoridad Museística de Catar y es la hermana del actual jeque, Tamin bin Hamad Al-Thani. Dicen que desde veinteañera se ha gastado entre 1.500 y 2.000 millones de euros y se comenta que en las ferias de arte los galeristas se desloman con las genuflexiones y reverencias que le propinan. Entre los treinta primeros de esta lista apenas aparecen cuatro artistas, el primero en aparecer en el noveno puesto es Ai Weiwei, ¿qué decir? Es cierto que esta es sólo una lista subjetiva, marcadamente anglosajona, sesgada, banal y con el crédito que por tanto merece. Pero, también es cierto que dentro y fuera de esta lista la realidad sitúa al artista en un teatro dónde su papel e influencia queda relegado al último escalafón de la jerarquía establecida, dando a entender que esto del arte no es cosa de los artistas.

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Feria Internacional Ciudad Creativa en CentroCentro

Alicia Murría Artecontexto

imagen

Vista de el exposición. Cortesía: CentroCentro

Dentro de un amplio programa que tiene como eje la ciudad, el espacio CentroCentro (Palacio de Cibeles de Madrid) presenta la exposición Feria Internacional Ciudad Creativa. El título puede llevar a error al visitante, ya que juega de manera voluntaria con el equívoco pues presenta las producciones artísticas seleccionadas mediante un formato al estilo stand ferial, un modelo estándar que sirve para promocionar cualquier tipo de producto o servicio y que utiliza similares parámetros en cualquier lugar del mundo. Mostradores, cartelería, logos, pantallas, ordenadores que muestran su “oferta” de un modo llamativo y “seductor”. Pero aquí esa oferta tiene que ver con pensar la urbe actual y, fundamentalmente, la convivencia y las posibles formas de participación y control ciudadano respecto de las estructuras de poder, es decir: pensar la posibilidad de invertir los términos imperantes de vigilancia y nula participación.

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El museo en futuro. Cruces y desvíos. Encuentro ADACE 2013

El museo en futuro. Cruces y desvíos
Encuentro ADACE 2013
Madrid, 6, 7 y 8 de noviembre

Programa pdf

La Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España, creada en 2004, surge con el propósito de aglutinar a los profesionales de este sector de la cultura de cara a establecer un foro de reflexión acerca de los museos y centros de arte contemporáneo en nuestro país, sus funciones y objetivos, sus métodos y herramientas de trabajo, su dependencia y autonomía en la planificación de las actividades, sus fuentes de financiación; así como para disponer de una voz colectiva que se haga oír ante cuestiones que, por pertenecer al ámbito público de las artes y su servicio, puedan ser de interés general.

Como parte de ese objetivo, ADACE ha organizado dos Encuentros en los que, de la mano de profesionales del sector, se han debatido cuestiones fundamentales para entender el papel del museo y los desafíos a los que se enfrenta una institución que, a pesar de las dificultades actuales en cuestiones de financiación, ocupa una posición central en el ámbito económico, social y cultural. Tras los Encuentros celebrados en Baeza en 2006, 10.000 Francos de recompensa. El museo de Arte Contemporáneo vivo o muerto, y en 2008 en Cáceres, Inside the museums, infinity goes up on trial [Dentro del museo, el infinito a juicio], ADACE propone un tercer Encuentro centrado en los futuros del museo y su campo de posibilidades en un momento de transformación radical como el que estamos viviendo y el consecuente cambio de paradigma económico, social, político y cultural que se está produciendo.

El museo en futuro. Cruces y desvíos pretende ser un foro de intercambio y debate con el fin de poner en común cuestiones que afectan a las relaciones entre los públicos y las instituciones culturales en un presente marcado por la retirada del sector público en la financiación de la cultura y la necesaria redefinición de sus estructuras. Este tercer Encuentro quiere poner el énfasis en la necesidad de crear grupos de trabajo que piensen en nuevos modos de financiación, producción y distribución para las artes, así como redes de colaboración e intercambio, que permitan una trasmisión de los saberes y las narrativas con el fin de crear espacios de recepción y comentario adecuados a públicos diversos.

El museo constituye una institución fundamental como catalizador de experiencias y energías colectivas y es, además, una institución privilegiada en la construcción de bases comunes de sociabilidad con el fin de hacer ciudad. El museo de arte moderno y contemporáneo contribuye a articulaciones diversas en la economía real y simbólica de su contexto, posibilita el archivo y trabaja por la transmisión y el encuentro generacional, a la vez que favorece la difusión y el alcance de otras iniciativas ciudadanas dedicadas a las artes así como otros procesos de concentración de prácticas críticas. En relación con los sectores profesionales, pero también con la academia y los movimientos ciudadanos, ese lugar de extraterritorialidad que es el arte, y también el museo, permite el desarrollo de microestructuras de saber que generan efectos altamente positivos en su entorno. 

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TO THE READER. BAK. Utrecht

TO THE READER : OPENING 18 OCTOBER 17:00

WEDNESDAY, 30 OCTOBER – SUNDAY, 3 NOVEMBER 2013

TIME
13:00 – 18:00
WHERE
Lange Nieuwstraat 4 (BAK)

Opening: Friday 18 October 2013,  17:00h at BAK, Lange Nieuwstraat 4 (Utrecht)

Walk: Saturday 19 October, 14:00h
Talk: Saturday 2 November, 15:00h

Regular opening hours ‘To The Reader’: 19 Okt – 3 Nov | 13.00 – 18.00 (Closed on Mondays)

TO THE READER

‘you — hypocrite Reader — my double — my brother!’

– To The Reader, Charles Baudelaire (trans. Robert Lowell 1963)

‘Capital is not a thing, but a social relation between persons which is mediated through things’

– Capital Vol. 1, Karl Marx

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The exhibition To The Reader curated by Benjamin Fallon, Impakt Festival Utrecht

CC22-Impakt_Benjamin-Fallon_Capital-Reading-Group-1-570x734TIME
13:00 – 18:00
WHERE
Lange Nieuwstraat 4 (BAK)

Opening: Friday 18 October 2013,  17:00

TO THE READER

‘you — hypocrite Reader — my double — my brother!’

– To The Reader, Charles Baudelaire (trans. Robert Lowell 1963)

‘Capital is not a thing, but a social relation between persons which is mediated through things’

– Capital Vol. 1, Karl Marx

To The Reader emerges from the understanding that capitalism is, first and foremost, a social relation that defines our behaviour. The exhibition is grounded in our current historical period. The basis for capitalism as a mode of organization has never been weaker, but paradoxically has seen almost no credible articulations of dissent. Perhaps there have been some fairly weak moral pleas for it to behave more pleasantly, and vague ideas that a return to Fordism and Keynesianism might be a good idea.

In the art world, this has been echoed with a fetishization of the ideals of exodus and withdrawal and, more recently, a turn to the anti-politics of the object. The artists here alternatively opt, as theorist Donna Haraway would put it, to ‘stay with the trouble’. Instead of attempting to objectify capital to produce a critique from a safe ethical distance, the works rather inhabit and map the flows of the supposedly non-ideological system, making visible that which is hidden and complicating that which is presented to us as natural.

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Grupo Baja Mar. Giving Form to the Impatience of Liberty

Giving Form to the Impatience of Liberty

Ricardo Basbaum, Igor Vamos, Dale Yeo, Elisabeth Mc Lendon, Daniel García Andújar Cerrado - Estamos Vigilando – Ocup do (Closed – We are watching – Occup d), 1994 Video documentation of a threepart intervention with rakes at the beaches Playa de Gros and Playa de La Concha in San Sebastian in July 1994.

Ricardo Basbaum, Igor Vamos, Dale Yeo, Elisabeth Mc Lendon, Daniel García Andújar
Cerrado – Estamos Vigilando – Ocup do (Closed – We are watching – Occup d), 1994
Video documentation of a three part intervention with rakes at the beaches Playa de Gros and Playa de La Concha in San Sebastian in July 1994.

An exhibition by
Württembergischer Kunstverein Stuttgart

Curators
Iris Dressler, Hans D. Christ

Grupo Baja Mar
Ricardo Basbaum, Igor Vamos, Dale Yeo, Elisabeth Mc Lendon, Daniel García Andújar
Cerrado – Estamos Vigilando – Ocup do (Closed – We are watching – Occup d), 1994
Video documentation of a threepart intervention with rakes at the beaches Playa de Gros and Playa de La Concha in San Sebastian in July 1994.

 

In 1994, Spanish-American artist Antoni Muntadas was offered a solo show at the Arteleku art institute in San Sebastian. He instead suggested a workshop for art students, which finally led to the project Urban Intervention , runed by Muntadas and artists such as Hans Haacke and Krzysztof Wodiczko. Among the participants were Ricardo Basbaum, Igor Vamos (better known these days as The Yes Men), Dale Yeo, Elisabeth Mc Lendon and Daniel García Andújar, who together made up the Grupo Baja Mar (low tide). Their project consisted of three conceptual pieces done at the Gros and La Con – cha beaches. They used rakes to write three statements in the sand, one after the other, at low tide – cerrado (closed), estamos vigilando (we are watching), and ocup [ ] do (occup [ ] d). In each case, they left the sand slogans in place and documented the reactions of the public – from amazement to annoyance that the beach was closed or occu – pied. One person feels compelled to insert the missing “a” in ocup[a] do, another replaced the “closed” with the word for “open.” Others were indifferent to what was written in the sand; they simply laid their beach towels down over the writing. This is a project in which partici – pation can be understood as an act of disobedience.

 

1994 wurde der spanisch-US-amerikanische Künstler Antoni Mun – tadas zu einer Einzelausstellung in das Kunstinstitut Arteleku in San Sebastian eingeladen. Stattdessen schlug er einen Workshop für KunststudentInnen vor, der schließlich unter dem Titel Urban Inter – ventions stattfand und den er gemeinsam mit Künstlern wie Hans Haacke und Krzysztof Wodiczko durchführte. Zu den TeilnehmerIn – nen zählten unter anderem Ricardo Basbaum, Igor Vamos (heute eher unter dem Namen The Yes Men bekannt), Dale Yeo, Elisabeth Mc Lendon und Daniel García Andújar, die gemeinsam die Grupo Baja Mar bildeten. Ihr Projekt bestand aus drei Aktionen an der Pla – ya de Gros und Playa de La Concha. Nacheinander schrieben sie bei Ebbe mit Harken folgende Sprüche in den Sand: Cerrado (Gesperrt), Estamos Vigilando (Wir beobachten) und Ocup [ ] do (etwa: Bes [ ] tzt). Bei jeder Aktion überließen sie diese Markierungen sich selbst und dokumentierten die Reaktionen der Öffentlichkeit: etwa die Ver – wunderung oder das sich Echauffieren darüber, dass der Strand geschlossen oder besetzt sein soll. Eine Person kann anscheinend nicht anders, als das fehlende A von Ocup[a]do zu ergänzen, wäh – rend eine andere Person das Wort „Geschlossen“ durch „Geöffnet“ ersetzt. Wieder Andere kümmert es dagegen nicht, was da im Sand geschrieben steht. Sie legen einfach ihr Badetuch darüber. Es ist ein Projekt, das Partizipation als Akt des Ungehorsams verhandelt.

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EL TEATRO DEL ARTE. Colección “la Caixa”. Arte Contemporáneo

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Language (property), 1997
Website with trademarked sentences linked with URLs
www.irational.org/tttp/TM/trademark.html
Presented as wall installation

Centro de Arte Caja de Burgos
3 de octubre – 12 enero 2014

El teatro del arte es una exposición que reúne diecisiete obras realizadas por algunos de los autores más relevantes de la Colección de Arte Contemporáneo Fundación “la Caixa”, las cuales configuran un auténtico panóptico sobre algunas de las principales tendencias estéticas desde principios de los ochenta hasta la actualidad.

Instalaciones emblemáticas para la historia del arte, como las de Paul McCarthy, Juan Muñoz, Bruce Nauman o Allan McCollum, conviven junto a piezas de reputados artistas del panorama nacional e internacional, entre los cuales se encuentran Muntadas, Esther Ferrer y Hans-Peter Feldmann. Verdaderos clásicos de los años ochenta y noventa, por ejemplo Carlos Pazos, Katharina Fritsch y Stefan Hablützel, comparten espacio con trabajos muy representativos de la última década, según manifiestan las propuestas de Roni Horn, Jordi Colomer y Jessica Stockholder.

Finalmente, merece destacarse la presencia de artistas cuyas trayectorias empiezan a ser validadas por diversos museos de todo el mundo, como Sharon Lockhart y Daniel García Andújar, quienes muestran sus proyectos al lado de Robin Rhode e Ignacio Uriarte, autores muy jóvenes pero que, sin embargo, se hallan en plena efervescencia creativa.

El proyecto

El arte contemporáneo parece haber radicalizado esa idea, típica del Barroco, según la cual el mundo constituye un enorme teatro donde comedia y tragedia se dan la mano. No obstante, frente al fatalismo que entiende la vida como un monólogo escrito de antemano y, por tanto, irrebatible, numerosos artistas prefirieron elaborar sus propias representaciones, utilizando el museo a la manera de un escenario expandido, donde el espectador es empujado a abandonar su rol de figurante para tomar parte –y arte– de la actuación.

Y es que “The Show Must Go On”, es decir, la ceremonia debe continuar independientemente de cuál será su desenlace, ya venga mediante un lamento apesadumbrado o, por el contrario, después de una sonora carcajada.

Así, la presente exposición intenta rastrear los puntos de encuentro entre la teatralidad y la creación artística contemporánea, las maneras por las cuales los artistas fueron modulando escenografías, declamaciones y ejercicios coreográficos, convirtiendo los espacios expositivos en vastas plateas, insuflándole vida al teatro y teatro al arte.

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