FERRAN BONO – Valencia – 08/12/2002
El País

¿Es Valencia rancia? Sí, podría haber contestado un visitante ocasional de la ciudad a tenor de algunas informaciones publicadas en la última semana con letras muy grandes. Titulares que han dado cuenta de los sarpullidos religiosos provocados por la inclusión en un ciclo de la Mostra de València de películas como El último tango en París, de Bertolucci, La religiosa, de Rivette, o Yo te saludo María, de Godard, las dos primeras con más de 30 años. Varios colectivos católicos, el arzobispo de Valencia, Agustín García Gasco, y también el presidente de las Cámaras de Comercio, Arturo Virosque, han clamado al cielo por la “provocación” que ha “herido” sus creencias religiosas. Vista la proyección mediática que han tenido los intentos de censura disfrazados de petición ecuménica de respeto, el arzobispo ha reiterado sus críticas, dirigidas al Ayuntamiento de Valencia, gobernado por Rita Barberá, por ser el organizador del festival. Ante un foro de fieles y en relación a la polémica, García Gasco advirtió hace unos días de que a su Virgen no la toca nadie.

Alborch apunta que lo rancio aflora cuando gobierna la derecha

Ciscar dice que la burguesía valenciana no es rancia: es divertida y moderna

Parece, sin embargo, que la ciudadanía no se ha perturbado en exceso por este episodio que deja un sabor a rancio, como ese regusto que impregna a las cosas antiguas y a las personas apegadas a ellas. Quizá ese supuesto visitante ocasional se haya marchado de la ciudad con ese resabio. Pero ¿qué opinión tienen algunos artistas, políticos o críticos de su ciudad? ¿Es rancia Valencia? Preguntas formuladas a bote pronto que dan pie a comentarios de muy diversa índole.

“Valencia de força que té no es meneja”, responde, recurriendo al refranero popular, Daniel Nebot, Premio Nacional de Diseño y uno de los responsables de La Nave, el estudio de diseñadores que paseó por el mundo en los años ochenta una imagen de gran dinamismo y modernidad asociada a la ciudad. Nebot se explica: en Valencia hay talento para generar idea nuevas, pero no siempre “se sabe muy bien el significado de la palabra integridad. La cultura está al lado del poder”.

Sorolla es un símbolo y el artista valenciano más apreciado por los ciudadanos, de acuerdo con las múltiples exposiciones que se le dedican y al numeroso público que arrastra. “Ocurren cosas importantes fuera de tiempo. Nadie duda del espléndido pintor que fue Sorolla; poca gente maneja la luz como él; sólo pasa que cuando él trabaja Picasso está pintando Las señoritas de Avignon”, apostilla Nebot.

El ex director artístico del IVAM, un hito de la modernidad de Valencia, y próximo director de la Tate Modern de Londres, Vicent Todolí, dice que es demasiado. “Rancio deja un regusto desagradable, creo que es muy fuerte aplicarlo a Valencia. Me llegan noticias de la ciudad y claro que hay grupos rancios, posiblemente islotes, que intentan impregnar su olor insoportable a los demás. Recuerdan tiempos pasados. Pero Valencia tiene mucho flujos y reflujos. No es rancia”.

El pintor y directivo del Círculo de Bellas Artes, Álex Alemeny, considera que Valencia “no está mucho por el progreso”. “Es muy superficial”, añade, “y por otra parte muy autocrítica; las fallas no se podrían concebir sin ese sentido autocrítico. “Es muy difícil avanzar, no hay tampoco el chouvinismo de nuestros vecinos o primos, los catalanes”, añade.

“¿Rancia? Taxativa y tajantemente, no”, asevera el escultor Ramón de Soto. A su juicio, la ciudad “no se ajusta a la imagen de rancia: al contrario, es divertida, viva, babilónica, liberal, maravillosa, abierta y cosmopolita. Rancia podría ser la burguesía de Bilbao, que se muda los domingos, o la de Zamora”. Y agrega el también vicepresidente del Consell Valencià de Cultura: “Valencia y sus ciudadanos viven la contemporaneidad desde lo local”. Al respecto de la Mostra, defiende el respeto a todas las creencias.

Daniel G. Andújar ha creado un portal valenciano de discusión cultural que ha recibido más de 330.000 visitas en menos de un año. El artista multimedia utiliza el término cutre. “No se puede generalizar. La política cultural, por ejemplo, es desde luego tacaña con propuestas autónomas, ejerciendo un poder político excesivo sobre cualquier manifestación. El excesivo protagonismo personal y la capacidad de control de figuras políticas como Concuelo Ciscar dibujan el icono perfecto de esa cutrez cultural que ha acabado por anegarlo todo”. Sin embargo, Andújar ve que “el contexto está cambiando” y despierta “de la amnesia producida por la mercadotecnia política”.

Desde el lado de la moda, el crítico y periodista Josep Lozano anota de Valencia: “Rancia, por lo vieja, no llega a serlo; algunos lo quisieran, pero aquí los blasones no se exhiben. En el sentido más cutre, tampoco. Valencia ha sido es y será que una ciudad que tiene la mala costumbre de nadar en las aguas de la comodidad”. Lozano prefiere usar el adjetivo coent para referirse a la moda y a las personas.

El escritor Martí Domínguez evoca a Motserrat Roig y su definición de Joan Fuster como un Diderot de poble. “Pues Valencia está llena de Diderots de poble con proyectos enciclopédicos”, arguye. Pero hay muchas Valencias que batallan para definir un modelo y cada una de ellas vive aislada, explica al tiempo que subraya la existencia de numerosas revistas culturales valencianas de elevada calidad que convierten a la ciudad en un referente. Ya también hay un mundo muy kitsch y coent.

También la ex ministra socialista de Cultura y ex directora del IVAM, Carmen Alborch, destaca la multiplicidad de Valencias. “Hay una Valencia moderna y transgresora, mientras que la Valencia más rancia responde mucho a la época en que surge y aflora”, indica en relación al actual gobierno autonómico y municipal del PP.

“¿Rancia? En absoluto”, tercia la subsecretaria de Promoción Cultural, Consuelo Ciscar. “Valencia es moderna y abierta a las vanguardias. Es muy hospitalaria y arropa a la gente que viene. La burguesía es abierta y divertida, no es rancia, como la de otras ciudades”, concluye.

La presidenta del Palau de la Música, Mayrén Beneyto, constesta: “Creo que muchas veces va por delante la obra política, la gente que está creando la ciudad, a la sociedad. Tenemos que atraer a la sociedad para que se una a los numerosos proyectos a infraestructuras culturales, en los que somos número uno”. Beneyto no considera rancia la ciudad, pero insiste en que la punta de lanza son los políticos y los artistas, como Manuel Valdés o Miquel Navarro.

El candidato a la Generalitat del PP, Francisco Camps, rechaza también esa idea de rancia. “La ciudadanía es muy abierta, vanguardista y moderna”. Y sostiene que en los 12 años de gobierno del PP (contando el Ayuntamiento y en la Generalitat) se ha conseguido una infraestructura cultural de un alto nivel de modernidad para “tener una ciudad a la altura de sus ciudadanos”. Valencia es “plural y viva”, zanja la cuesitón.

El secretario general del PSPV, Joan Ignasi Pla, no ve Valencia rancia. Ve “determinada gente muy significativa rancia”, pero los ciudadanos son abiertos. Pero ese “sector anclado en el pasado” se manifiesta en la evolución de la Mostra, que ha perdido los elementos de modernidad de su origen y ahora sólo sirve de escaparate para lucir las mejores galas de los políticos de turno, añade.

El líder del EU, Joan Ribó, estima que la ciudad no es rancia, pero sí lo son García Gasco o Virosque, y otra “gente con poder”. La ciudadanía es abierta y moderna, pero el “sector hegemónico da alas a los más rancios”, concluye.

El presidente del Bloc, Pere Mayor, considera que Valencia “no está a la altura de las circunstancias; no hace valer que es la tercera capital del Estado” y abunda en el desconocimiento que hay de la ciudad y su falta de imagen.

José María Chiquillo, presidente de UV, dice que Valencia debe “asumir su papel de capital dentro de la comunidad y tener más empuje y protagonismo”.

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Aplicar criterios de carácter local, regional o nacional a la hora de seleccionar obras de net.art es una actitud reduccionista que carece de sentido en Internet…, sin embargo, todos los autores de esta muestra son latinos. Pero… ¿son latinos artistas que responden al nombre de Zayd Ibn Dawra, Brian Mackern, retroyou o Technologies to the People?, ¿y son latinas las webs del brasileño Bambozzi y de los españoles García Andujar, Bellonzi y Casacuberta, todas íntegramente en inglés? Lo son.
Claro que… también cabe preguntarse si todos estos creadores latinos comparten realmente una misma cultura: ¿qué tienen en común un cubano nacido en Miami y que vive en Los Ángeles (Antonio Mendoza) con un catalán que pasa la mayor parte del año en Marrakesh y cuyo hijo se llama Alí (Toni Serra, alias Zayd Ibn Dawra)? El imaginario común de la metacultura de la red.

Según David Ross, director del Moma de San Francisco, una de las 21 cualidades distintivas del net.art es la de ser un tipo arte “intrínsecamente global” (1). No añade nada más, pero quizás debamos recordar aquí que La Aldea Global fue el primer nombre que Marshall McLuhan dio a la Tierra en tanto que una sola comunidad de telecomunicaciones (2).

En la red ya no es posible continuar enfocando los discursos y la producción del arte latino -o de cualquier etnia, territorio o nación- bajo la bandera de su especificidad porque el net.art utiliza como soporte de creación y difusión un medio de comunicación global -Internet- que permite la construcción de una metacultura global. Las nociones de “tierra”, “nación” o “patria” resultan ajenas a este contexto.

Anglodependencia y lenguaje específico

La primera impronta de globalización se detecta en esos trabajos realizados íntegramente en inglés a los acabamos de hacer referencia. La elección de esa lengua obedece a una simple cuestión de difusión masiva; es decir, se trata de obras que no están orientadas específicamente a un público latino, sino a todo el público (que sea capaz de leer inglés, claro). Pero no nos equivoquemos: la iniciativa no sólo va dirigida a ingleses o estadounidenses, sino a holandeses, alemanes, rusos, eslovenos, japoneses…, a todos aquellos que también tienen sus páginas traducidas al inglés como segundo idioma. Como asegura Minerva Cuevas en su web, “su uso es casi un procedimiento básico para el intercambio de estrategias, ideas y comunicación en todo el mundo”. Así pues, el quid de la cuestión reside en determinar hasta qué punto los autores han escogido libremente esta opción o se ven obligados a hacerlo. A principios de 2000, el comisario y crítico António C. Pinto expresaba así sus dudas respecto a la conversión de este idioma en un ciberesperanto inevitable: “El problema interesante para los artistas y otros operadores culturales cuya lengua materna no es el inglés será el de saber si están o no condenados a traducir y a “localizar” permanentemente sus obras en función de los espacios geoculturales a los que pretenden llegar. Y en el caso de una respuesta afirmativa, ¿Qué consecuencias conllevará dicha situación? ¿Cuáles son las alternativas a la hegemonía anglosajona en el ciberespacio?” (3). Hoy en día, la colonización anglófona, en este y en otros campos, es un hecho en Internet y ya sólo podemos intentar calcular cual es el cambio que esa situación está produciendo en nuestra forma de percibir, pensar y comprender el mundo.

La lengua inglesa, sin embargo, no es el único condicionante que puede determinar la universalidad de las obras. En ocasiones, algunos autores deciden centrarse en el lenguaje específico de la programación, ése que algunos especialistas han catalogado como perteneciente a la “pura estética net” y que utiliza exclusivamente los elementos característicos del medio; es decir, el lenguaje y los códigos de la red. Dentro de esta peculiar estética, destaca el trabajo que los uruguayos Brian Mackern y @mp (Alcides Martínez Portillo) han desarrollado siguiendo las pautas que un día propusieran artistas como JODI cuando decidieron componer sus obras a partir de los errores de programación. En el CD Overflow (error de desbordamiento) los caracteres del lenguaje ASCII desbordan literalmente la pantalla de nuestro ordenador configurando un extraño idioma que posee el mismo significado en la pantalla de cualquier ordenador ubicado en cualquier parte del mundo. Este trabajo evidencia la inestabilidad del medio y de su lenguaje (la programación) utilizando sus mismos recursos mientras los cuestiona con ironía, juega a desorientar al usuario mediante sorprendentes relaciones aleatorias, y no desaprovecha la oportunidad de divertirse -nunca sabremos a ciencia cierta si “con” el usuario o “a costa” de él-. En cualquier caso, éste nunca podrá controlar por completo este caótico entorno concebido por quienes se dedican a “explorar la concatenación aleatoria de eventos a su vez aleatorios”.

Flujo bisentido y cultura glocal

A pesar del categórico condicionante del idioma, la cultura global de Internet se está construyendo día a día a partir de una peculiar bipolaridad: a partir de las aportaciones diferenciales de cada cultura y a partir de la apropiación y resignificación que cada cultura hace de todo aquello que encuentra en la red (4). En este medio, no sólo se ha dado el probado hecho de exportación y universalización de los modelos culturales de las sociedades avanzadas -y de EEUU en particular- al resto de culturas, también se ha conseguido andar simultáneamente el camino de vuelta; es decir, también se está volcando al magma de la red el imaginario específico de cada cultura, sus signos de identidad, de manera que la contaminación se está produciendo en ambos sentidos. Al colonialismo cultural anglosajón se le opone una resistencia que es inherente al propio funcionamiento de la red y que se resume en una simple máxima que los hackers conocen muy bien: cuando abres una puerta en Internet la comunicación fluye en los dos sentidos.

Y de la misma manera que el enlace de dos átomos de hidrógeno y uno de oxígeno dan como resultado una molécula de agua, la mezcla resultante de todas estas referencias culturales no se reduce a la suma de las partes, sino que se transforma algo mucho más complejo y “diferente”: deviene cultura glocal.

Quien fuera secretario personal de Marshall McLuhan y ahora el director del Programa McLuhan de Cultura y Tecnología en la Universidad de Toronto, Derrick de Kerkhove, escribe: “Una de las implicaciones más valiosas de la metáfora de aldea global es la noción de escala. Hay menos espacio para moverse en una aldea que en una ciudad. Las telecomunicaciones imponen una asociación forzosa: hemos sido empujados hacia una situación implosiva, y potencialmente explosiva. Las comunidades humanas viviendo a velocidades diferentes, con niveles muy distintos de pericia social, están siendo lanzadas unas sobre otras sin previo aviso o mediación alguna. No hay protocolos que nos preparen para estas desordenadas confrontaciones, ningún entrenamiento sobre comportamiento social o colectivo. A medida que aumenta nuestra conciencia global, más conscientes y celosos nos volvemos respecto a nuestras identidades locales y de ahí la paradoja de la aldea global. Lo hiperlocal se hace complemento necesario de lo hiperglobal” (5).

El lenguaje de los Pájaros [una leyenda oriental] (2000) es un personalísimo trabajo de Toni Serra -firmado por su alter nomine Zayd Ibn Dawra- que se constituye como una obra atemporal e insólita y que sólo se puede definir como poesía en estado puro. En este CD, los textos persas del siglo XI de Farid Ud-Din Attar y la música de Wu Tang Clan, combinados al azar con una serie de 300 fotografías realizadas por el autor a lo largo de los años y de los países -Brooklyn, El Jadida y Barcelona- nos transportan a un “no tiempo/no lugar” extrañamente próximo y conocido. Todo cobra sentido entonces, todo es coherente y reconocible…, aun a pesar de que las imágenes aparecen de forma aleatoria en nuestra pantalla, generando imprevisibles sentidos en cada nuevo recorrido.

Después de un trabajo tremendamente complejo y laborioso -el interactivo Interzona, realizado con cientos de imágenes, textos y audios procedentes en su mayor parte de Internet- Toni Serra decidió iniciar una “cura de desintoxicación” y sorprendernos con esta sencilla y atípica propuesta para recordarnos que el medio no predetermina el contenido de una obra, que la atemporalidad existe y que no importa qué exótica combinación tenga lugar entre país, época y soporte cuando la esencia de una obra posee la capacidad de hablarnos directamente al alma. En pocos trabajos, texto, imágenes y sonido se han mezclado de una manera tan insólita y han conseguido crear una armonía tan perfecta. Un trabajo con corazón.

La incorporación de textos persas del siglo XI a este medio tecnológico no supone una fractura, sino una complementación que se resuelve en este impactante híbrido. El lenguaje de los Pájaros [una leyenda oriental]es un trabajo que mantiene las señas de identidad de “lo autóctono” en medio de la vorágine anglófona y del imperialismo cultural estadounidense. Y no es que se resista a ello, simplemente se dedica a integrar, o mejor dicho, a (con)fundir unas referencias culturales -ajenas a él por nacimiento, pero no por sentimiento- en el flujo de la corriente multicultural del arte digital (6).

La idea de construcción de una cultura global a partir de las aportaciones locales queda reforzada en esta selección por un compendio de recursos de procedencia latina: el web-ring doble vínculo, y el libro y el software Hipercubo/OK. El primero se define como “una constelación latina de recursos de net.art” donde los 19 espacios que la componen fueron originalmente una selección propuesta por José Luis Brea con ocasión de III Jornadas de Arte y Medios Digitales en el Centro Cultural España en Córdoba (Argentina). Se trataba de una muestra que unió iniciativas independientes de casi todos los países de Latinoamérica, de España y de Portugal: aleph, artef@ctos_virtuales, arteuna, artistasdelanada, arts.zin, delete-tv, enconstruccion.org, esferapublica, findelmundo, hipercubo, [iberoamerica-act], interzona, mearte, Mejor Vida Corp., nettime_latino, sputnik, undo, unosunosyunosceros y virose. Este espacio contiene proyectos artísticos y proyectos independientes dedicados a la reflexión y a la investigación, y aunque en la práctica no haya sido verdaderamente operativo, originariamente fue constituido como un dispositivo de coalición: “La idea de doble_vínculo se refiere al modo en que los distintos sitios se reenvían mutua reciprocidad, formando un sistema comunicativo amplificado que pone en común recursos e ideas, construyendo así una especie de ensamblamiento en rizoma expansivo de pequeñas unidades celulares, una especie de constelación de microcomunidades que emerge como potencial dispositivo de coalición circunstancial, operando según una lógica relacional” (7). Integrando a doble_vínculo, además, Latinos se convierte en una metamuestra.

El otro aspecto interesante de este compendio de recursos radica en la selección de un libro en un contexto tan… ciberespacial. Se trata del libro Hipercubo/OK. Arte, ciencia y tecnología en contextos próximos, recientemente editado por los colombianos Andrés Burbano y Hernando Barragán y donde han colaborado con sus textos Rodrigo Alonso, José Luis Brea, Alejandro Duque, Gabriela Habich, Eduardo Kac, Rafael Lozano-Hemmer, Brian Mackern, Sergio Pineda, Tania Ruiz, Andrés Sicard y Francisco Varela. Resulta fundamental para comprender el espíritu del libro esta reflexión de Andrés Burbano: “Los cuestionamientos radicales y las transformaciones que hace el Web de la cultura, de la nuestra y de otras, es tan fuerte que nos ubica en un sistema intermedio en el cual empezamos a ver la relación dinámica y estimulante que existe entre nuestros sistemas políticos, nuestros problemas, y los sistemas políticos y los problemas del Web. A mi manera de ver, el trabajar a nivel experimental en el Web es una manera de desequilibrar la polaridad productor-consumidor de tecnología. Los países latinoamericanos que han sido generalmente consumidores de tecnología, incluso tardo consumidores, pueden encontrar en el Web una manera de producción distinta (esto opera de manera seria a las comunidades artísticas). Aprovechar las condiciones del Web para el trabajo artístico y experimental nos podría ubicar en un punto nuevo dentro del mundo globalizado, dentro de un planeta arte distinto…” (8). El libro va acompañado del CD Hiperlook 1.0 que contiene un navegador alternativo cuya misión es deconstruir las webs revelando los elementos que éstas contienen -códigos, imágenes y otros componentes básicos- y posibilitando una visión estructural de las páginas a través de su dinámica “matriz”.

Del anonimato artístico a la identidad corporativa

Para acabar de desbaratar esa idea de identidad nacional vinculada al arte, debemos incidir en las facilidades que proporciona el medio a la hora de mantener el anonimato. Muchos autores se amparan en un alias por diversas razones: en la mayoría de los casos sólo pretenden eludir su protagonismo de artista-estrella y hacer hincapié en la obra antes que en su persona. Para ello suelen utilizar nombres que designan a grupos -como Technologies to the People@, o Santo File-, aun cuando estos sean unipersonales. Esta actitud también responde a la voluntad de otorgar una mayor responsabilidad al espectador en su tarea de interpretación de la obra -“ce sont les regardeurs qui font les tableaux”, decía Duchamp-. En otros casos, se trata de adoptar una nueva identidad incontaminada que diluya las connotaciones nacionales, geográficas o culturales de su verdadero nombre y que les permita operar al margen de prejuicios y/o clasificaciones.

Con toda certeza, ninguna de estas intenciones logra eliminar definitivamente al autor, ni conseguir un verdadero anonimato, pero sus actitudes permanecen como testimonio de una postura ética que todavía cuestiona la noción de autoría vinculada al proceso de mitificación del artista.

Pero todavía hay un objetivo que va más allá de la pretensión de eludir el estrellato artístico o el encasillamiento geocultural: cuando los artistas asumen nombres (y estrategias) corporativas están tratando, además, de cuestionar mediante la emulación las estructuras especulativas y jurídicas de las empresas.

Minerva Cuevas nos recibe en su página con un parpadeante eslogan -“Yes, It’s FREE!”- que desafía el sistema económico de las corporaciones a la vez que subvierte la concepción mercantilista del arte; de hecho, ella misma define su web Mejor Vida Corp. como: “el resultado de la desconfianza en las utopías capitalistas, siendo la subversión una constante dentro de sus procedimientos”. Desde aquí distribuye gratuitamente una serie de productos -billetes del metro de la Ciudad de México, tarjetas de lotería, credenciales de estudiante, etiquetas de código de barras… – y oferta servicios -encuestas, cartas de recomendación, servicios de limpieza, donaciones públicas… -; su objetivo: parodiar las estrategias de difusión y consumo a través, precisamente, de una corporación. Este espacio también informa sobre las campañas mediáticas de carácter social y político que viene organizando a escala local e internacional: indigentes, turismo incontrolado, biotecnología, acceso a los medicamentos, Banco Mundial, etc… Los productos y servicios destinados a la Ciudad de México, donde la autora vive, se mezclan con otras propuestas más amplias que afectan a cualquier persona de cualquier parte del mundo.

Aparentemente este tipo de proyectos parece que pueden legitimarse al margen de la institución artística, que son autosuficientes y no necesitan su aval porque la relación directa con el usuario y la permanente difusión que le proporciona la red ya cubren sus objetivos y necesidades (9). Pero se trata de una ilusión. Minerva Cuevas está representada por una galería comercial y Daniel García Andujar -cabeza visible de Technologies To The People®,la otra propuesta de esta selección que también asume la ética y la estética empresarial- pasa la mayor parte del tiempo en festivales, encuentros, seminarios, talleres…; de hecho, sus presentaciones son una parte muy importante de su trabajo artístico. La paradoja tiene lugar al constatar que su ubicación en un contexto mediático (global) no es sustitutiva del contexto institucional artístico (local) porque la presencia pública, el mayor recurso de promoción y difusión del circuito artístico, sólo se consigue a través de su mediación. Entonces la estrategia consiste en…

…utilizar creativamente a la institución.

Y eso es precisamente lo que han hecho los miembros del colectivo portugués Zé dos Bois con la obra parole, que ha sido especialmente producida para esta ocasión. Inicialmente el proyecto nació en octubre de 2001 como una agencia de importación de ciudadanos norteamericanos interesados en formas de vida tan alternativas como emigrar a Portugal (!?).

En esta ocasión la obra asume el nombre de parole (que significa “admisión condicional” o “libertad bajo palabra”) y consta de una instalación/performance y una página web: en La Casa Encendida, el público asistente a la muestra está invitado a rellenar un formulario que proyecta una serie de mitos y estereotipos sobre la inmigración y cuyos datos serán posteriormente introducidos en su página de Internet, accesible a través de una gran pantalla en la instalación. La peculiaridad: la persona encargada de facilitar los formularios y la información es un inmigrante ilegal contratado expresamente para trabajar en esta exposición.

En la web de parole, la acción sucede en la Europa comunitaria donde se simula y especula de forma lúdica sobre las situaciones trágicas e ilegales de los trámites relacionados con la inmigración, y desde donde también se proporciona información útil sobre el proceso de legalización de inmigrantes en Portugal. Al igual que sucede en la mayoría de países europeos, la ley de inmigración portuguesa prevé que la permanencia legal de inmigrantes en su país dependa de la posesión de un contrato de trabajo, condicionante harto maquiavélico dado que su retorcido proceso de obtención suele alargarse un año entre idas y venidas burocráticas. Este trabajo desvela, pues, el sórdido pacto entre la indiferencia estatal y la inoperancia de las políticas burocráticas de los países del Primer Mundo respecto a los procesos migratorios del Tercero (10) y cuestiona un caduco concepto de ciudadanía relacionado con el lugar donde uno nace, no donde uno elige vivir (11).

De la apropiación al canibalismo

Por último, resulta imposible hablar de un arte autóctono cuando el elemento común a todos estos trabajos es la utilización del recurso de la apropiación…, que alguno de los autores (!?) lleva al extremo del canibalismo. Apropiación de imágenes, de textos y de sonidos de la más variada procedencia, de webs y de software ajenos, de logos corporativos, de estrategias comerciales, de formularios institucionales…, todos abordan la problemática del libre acceso a la información mientras arrasan con los derechos de la propiedad intelectual.

Comencemos por una obra que se centra en un interés compartido por todos los jóvenes del mundo oriental y occidental que tienen acceso a la tecnología: comencemos con un videojuego. En la serie retroYou r/c, Joan Leandre se ha dedicado a deconstruir completamente un videojuego de carreras de coches tipo Grand Prix. Su incursión en el mundo de los videojuegos no es más que una consecuencia lógica de la evolución natural de sus intereses y de su personal manera de enfrentarse a los medios tecnológicos, a menudo actuando como un depredador. En este caso, Leandre ha penetrado en los códigos del juego alterando sus características, de manera que el espectador se ve transportado a una especie de “dimensión desconocida” regida bajo unos parámetros siempre aleatorios y donde un sonido atronador -resultado del desbaratamiento de los archivos de audio- facilita, aún más si cabe, la inmersión del jugador en ese extraño mundo. ¿He dicho jugador? Perdón, quería decir voyeur. Porque a diferencia de las anteriores, en esta versión no existen periféricos terminales que permitan al usuario intervenir en el juego: no hay joystick, ni ratón, ni teclado, y por no haber no hay siquiera ordenador a la vista; sólo una gran pantalla que amplifica aún más su sensación de impotencia. La apariencia de los elementos y las leyes del juego han sido trastocadas para generar un entorno lo suficientemente reconocible como para incentivar la participación y lo suficientemente abstracto como para desbordar nuestras previsiones y nuestros sentidos. Pero no permite la interacción.

Si la condición sine qua non de cualquier juego es la previa asunción por parte del espectador de unas reglas conocidas, la desaparición de éstas destruye el juego. Como le pasara a la Alicia de Lewis Carroll, el usuario convencional situado en un terreno de juego que carece de reglas se ve perdido e incapaz de tomar decisiones. Y si además se le impide intervenir en él, la sensación de impotencia es total. Entonces, ¿qué es una carrera de coches sin competición? ¿qué es un videojuego sin mando de control y sin jugador? Pues un anti-videojuego, …o la posibilidad de hacer pedazos algo que tiene propiedad registrada.

En su trabajo G.U.N., Santo File atenta contra la cultura global mediatizada por la economía, apropiándose de tres tipos de memes (13): visuales -imágenes famosas del imaginario de los mass-media-, sonoros y textuales –citas célebres-, recombinándolos con el objetivo de perturbar definitivamente su significado. Además del acrónimo de “pistola”, G.U.N. son las siglas de Global United Network. Pero estas palabras, al igual que la mayoría de siglas y palabras que utilizan las corporaciones, no significan nada. Según Santo File, una parte importante de la jerga de la nueva economía, con expresiones como “teletrabajo”, “sociedad de la información” o “transculturalidad”, se utiliza como masturbación intelectual. Son nociones que se usan en un contexto donde se les priva de todo significado, convirtiéndose así en memes meramente formales, en expresiones que no transmiten ninguna información. Al descontextualizar estos memes a través de la red semántica de G.U.N., Santo File espera desautomatizar toda la carga de meme-consolador que tienen esos términos y conseguir que los visitantes reelaboren su gramática y su significado desde su propio punto de vista. Sólo nos dan un consejo: “Navega libremente por las páginas de G.U.N. y reinterpreta sus significados”.

Este es uno de los trabajos que mejor se adecua a la idea de arte global aquí desarrollada, pero que paradójicamente lo hace cuestionando el significado de una serie de expresiones (New Cultural Order, Corporation, Entertaiment, Teleworking, Teleartist, Globalization, Leisure, Service, Industry, Explotation…) e imágenes representativas de esa pretendida cultura global que ostentan las corporaciones de la sociedad de la información: todas se relacionan y mezclan entre sí en una intricada malla que nos recuerda el sinsentido de una imaginería -y una palabrería- al servicio de la nueva economía.

Antonio Mendoza todavía expresa más claramente su desprecio por la propiedad intelectual: “Utilizad lo que queráis y como queráis: el copyright es un ataque contra el pensamiento creativo“. Todas sus obras son una especie de metacollages realizados a partir de imágenes, sonidos y scripts pirateados de revistas, libros, CDs, y webs corporativas y pornográficas (una acertada combinación); consecuente con su método de trabajo y con su forma de concebir la red, él mismo alienta a cualquiera que aterrice en sus páginas a hacer algo similar.

Desde Disco se puede acceder a lara.worm.anime –un surrealista encuentro entre Anna Kournikova y Lara Croft-, a sex.sit –Hilary, Bill y Victoria Secrets; Sadam-Satán, ositos de peluche,…- y a la web principal Subculture que Mendoza define como “un paraíso autista repleto de información pero salteado de fastidiosos motivos repetitivos” y cuya navegación randomizada puede conducirnos a curiosas interferencias entre la imagen de Bin Laden y la bandera estadounidense. Quizás la forma más precisa de definir su trabajo sea a partir de sus propias palabras clave: war, underground, posthuman, ironic, interface, corporate, commercialization, browser abuse, audio, animation, robot, machine, desire, artificial life, sex, japanese comic, chaos, appropriation, collage, piracy, virus worship, anti-copyright, corporate logo sabotage, disinformation, spam art,… en cualquier caso, un cóctel epiléptico que aborda de la manera más ácida posible todas esas referencias y acontecimientos globales que inevitablemente afectan a nuestras vidas. Imposible eludir, por tanto, el acontecimiento global por excelencia, ese que fue utilizado localmente por el poder estadounidense para activar el “patriotismo” -léase “industria armamentística”-, pero de una repercusión política, económica y mediática sin precedentes.

¿Información “secreta” en Internet? Los límites de la legalidad y de la vigilancia

Precisamente uno de los de los desafortunados efectos colaterales del 9/11 ha sido el aumento de la vigilancia estatal en Internet. Amparados bajo la consigna del acoso y derribo del terrorismo, los gobiernos occidentales han recrudecido sus medidas de espionaje entre los usuarios de la red invadiendo impunemente su derecho a la privacidad. Como respuesta a ésta y otras muchas actitudes de vigilancia en Internet -Echelon, Enfopol, y Carnívore, pero también páginas corporativas que recogen información sobre nuestros datos personales y nuestros itinerarios de navegación-, Lucas Bambozzi ha creado meta4walls, el primero de una serie de proyectos on line -4 walls projects- que tratan sobre la vigilancia, la apropiación, la subversión, la privacidad, el poder y la resistencia. meta4walls simula una especie de meta-vigilancia en la red utilizando los mecanismos habituales que se emplean para recoger información personal y otro tipo de datos (formularios, cookies y cuestionarios). Bambozzi nos invita a visitar unos cuantos enlaces ilícitos y a acceder a información “secreta”, poniendo a prueba nuestra curiosidad y nuestra integridad –ofreciendo paswords, diplomas universitarios, fichas policiales-. Su intención es evidenciar la fragilidad de algunos sistemas, pero también sugerir que nuestra privacidad está en peligro.

Y también nos facilitan información secreta a través de Internet las propuestas de Technologies To The People®, y Gustavo Romano. Desde la primera, su representante Daniel García Andújar nos propone una arriesgada iniciativa: The Famous Art Power Database for ARTIST, un espacio que contiene informaciones y noticias útiles exclusivamente destinadas a los artistas que trabajan en Internet: todo lo que hay que saber para realizar su propia página web, pero también textos sobre todo tipo cuestiones legales e ilegales en la red. La web está dividida en varias secciones temáticas muy especializadas: Delito Informático y Propiedad Intelectual, Diccionario de Hackers y Glosario Linux, un sector dedicado a la difusión de herramientas de ataque y defensa, y un compendio de conocimientos básicos sobre actividades de dudosa legalidad y/o moralidad. Esta base de datos de armas informáticas (textos y programas) se encuentra al servicio de cualquier persona que decida hacer uso de ellas… y que sepa como utilizarla. Resguardado en el anonimato, un usuario neófito puede seguir las sencillas instrucciones que ofrece para introducirse en los ordenadores ajenos o infectar servidores. Cualquiera de estas operaciones es ilegal, y así lo advierten repetidos anuncios en la pantalla de nuestro ordenador -Technologies To The People, its members and Art Power Database’s contributors will in no case be held responsible for any misuse of the information provided. You do the crime, you do the time-, pero desde Technologies to The People han decidido confiar en el buen juicio y en el sentido de la responsabilidad del usuario. Que se pueda acceder libremente a la información no significa forzosamente que se deba hacer (mal)uso de ella… ¿o sí?

Algo similar propone Gustavo Romano en su nuevo proyecto: bajo la estética de un zoológico del ciberespacioCyberzoo nos permite, en la seguridad de nuestro PC, experimentar los más salvajes virus informáticos enjaulados en su servidor. Del mismo modo que los zoológicos tienen por objetivo la investigación, reproducción y conservación de especies amenazadas en peligro de extinción, CyberZoo está involucrado en programas internacionales de cría en cautividad de especies amenazadas de virus y participa en diferentes proyectos de recuperación y reintroducción de vida artificial. La web nos propone un tour por diferentes tipos de virus en cautividad, que en este entorno podemos observar en acción, tal y como se muestran en las pantallas de los ordenadores cuando viven en libertad. Para ayudar al crecimiento de la fauna salvaje en la red, la web también contiene una sección desde la cual los usuarios pueden enviar postales con virus y otra donde es posible hacer donaciones.
Los controvertidos proyectos de Lucas Bambozzi, Daniel García Andújar y Gustavo Romano nos plantean varias preguntas, la principal de ellas sobre las verdaderas intenciones de estos autores ¿Su objetivo es favorecer el conocimiento mediante la difusión de datos ilegales, peligrosos o restringidos?, ¿o es cuestionar el uso del libre acceso a una información que cualquier usuario puede manipular impunemente, resguardado tras el impersonal parapeto de su ordenador?

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Desde el espíritu integrador y pluricultural del trabajo de Zayb Ibn Dawra, desde la adopción de una estética y un lenguaje específico del medio propuesto por Brian Mackern y @mp, desde el pacto de coalición de doble_vínculo y desde la predisposición reflexiva e investigadora de Hiperlook, desde el desafío que Mejor Vida Corp lanza al sistema corporativo y al mercado del arte, desde el cuestionamiento del libre acceso a la información, la reivindicación del derecho a la privacidad o los límites de la legalidad que plantean Technologies to The People, Gustavo Romano y Lucas Bambozzi, desde la denuncia de una cultura global mediatizada por la economía de Santo File, desde el desprecio a la propiedad intelectual y a la propiedad registrada del que hacen alarde Antonio Mendoza y retroyou, y desde la crítica a la inoperancia de las políticas burocráticas de inmigración del Primer Mundo de Zé dos Bois…. Ya sea desde las propuestas más conciliadoras o desde la osadía de los proyectos más subversivos, todas las iniciativas críticas de estos autores trascienden la idea de territorio o la noción de patria para hablarnos de lo que está pasando aquí y ahora, en nuestra propia casa. En este planeta.

Laura Baigorri
noviembre de 2002

NOTAS
______________________________________

1. David Ross Net.art in the Age of Digital Reproduction http://switch.sjsu.edu/web/ross.html 2 de marzo, 1999. (VOLVER)

2. Marsahll McLuhan. The Global Village. Oxford University Press, 1989. (VOLVER)

3. António Cerveira Pinto Net.art y comunidades virtuales http://www.meiac.org/actividades/sat_1.html Seminario de Arte y Tecnología del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo de Badajoz. Enero de 2000. (VOLVER)

4. Gerardo Mosquera, en el II Foro Latinoamericano http://www.meiac.org/actividades/forolatino.html celebrado en el MEIAC de Badajoz en 1999, se refería a estos procesos que desde hace mucho más tiempo ya se vienen dando en la cultura urbana, de la siguiente manera: “Los elementos culturales del nuevo medio no sólo imponen, también se asumen, revirtiendo el esquema de poder mediante la deglución de los instrumentos hegemónicos. Se producen así orientaciones e invenciones de la metacultura global desde posiciones subalternas. Hoy hay mucha y muy diversa gente haciendo “incorrecta” y desembarazadamente la metacultura occidental a su propia manera, reconstruyéndola desde una pluralidad de perspectivas”. (VOLVER)

5. Derrick de Kerckhove, “La aldea global en la era neonacionalista” en La piel de la cultura. Investigando la nueva realidad electrónica. Gedisa, Barcelona, 1999. (1ª ed. The Skin of Culture. Somerville House Books llimited, Toronto, 1995). (VOLVER)

6. “El “arte digital” es el arte del “mundo global”. Y el “mundo global” es una forma totalmente nueva de hiperrealismo en red, de la representación del mundo confundida con su propia percepción, de la telepresencia constante, de la gran interactividad y de la promesa de una nueva democracia, que por ahora espera impacientemente su Montesquieu. Internet es, por así decirlo, el estado instantáneo y actual de esta mutación de la civilización. No sabemos dónde irá a parar esta magnífica y caótica red. Se sabe, por ahora, que es capaz de generar simultáneamente la globalización y la localización de las identidades y de la comunicación. Esta globalización local y localización global, por así llamarlo, es una realidad compleja y sobretodo exigente. Ignorarla significa ya una cierta forma de exclusión (o de auto-exclusión)”. António C Pinto. Ibídem (VOLVER)

7. Y José Luis Brea continúa: “Es obvia la dimensión política de tales ensamblamientos, y que ella es una de sus cualidades más importantes. Lejos de ser nuestra intención disimularla o ignorarla, nos planteamos al contrario trabajar sobre ella en el complejo contexto histórico de la globalización actual, en el que ciertas líneas de fortaleza económica o industrial van inevitablemente ligadas a otras de hegemonía cultural: nuestro objetivo no es tanto disponer de una línea cerrada de resistencia (o de defensa de una figurada identidad “latina”), como estimular el desarrollo de dispositivos de reflexión, resitencia y criticidad que puedan desplegarse como operativos de coalición alrededor de circunstanciales elementos de encuentro: el idioma común, eventuales afinidades culturales, electivas, cualesquiera efectos paralelos de identidad o de diferencia, cualesquiera rasgos en los que anudarlíneas, trazas, puntos o fugas…”. doble_vínculo#
http://www.aleph-arts.org/doble_vinculo/presentacion.html (VOLVER)

8 . Andrés Burbano en “Home Site Home. Parte II (Nuevas Formas)”, http://www.latinart.com/spanish/aiview.cfm?id=59 publicado en Latinart.com, mayo de 2001. Hiperlook 1.0 http://hipercubo.uniandes.edu.co/hiperlook/ (VOLVER)

9.“Al forjarse una identidad corporativa y escoger el espacio público para manifestarse y precisar su radio de acción (espacios de articulación urbana y espacios públicos de comunicación mediática), iniciativas como esta, a pesar de, o tal vez porque parten de una plataforma artística, ya no parecen requerir del aval de la institución artística en cuanto a su proceso de legitimación, (auto)colocación y difusión, sino que, por el contrario, consiguen replantear algunas de sus funciones, puesto que funcionan de manera autosuficiente dentro del propio contexto que las genera y las acoge. Así, instauran una red de intercambios que desafía los límites físicos y restringidos del marco institucional que le resta movilidad a las relaciones participativas que establecen con el espectador. El hecho de que estas manifestaciones artísticas opten por buscar otro tipo de estructuras que las alberguen, como es el caso de la red que funge como soporte y como medio interactivo de promoción y difusión en gestación y actualización constante, nos pone ante la evidencia de que ya no nos encontramos en una esfera de comunicación diferida, sino simultánea y expansible, en la que la información, mediante un comportamiento aparentemente autónomo, se erige como arquitectura despegable, fragmentable, transferible y propagable. En otras palabras, estas propuestas plantean un cuestionamiento implícito en los modos de acceso, comunicación e interacción con la obra dentro de los marcos del espacio institucional. Mientras que el espacio de exhibición aún parece requerir de instrumentos de mediación, estas piezas, al presentarse a manera de interfase, se dirigen e interpelan directamente al espectador, haciendo de él un usuario más que un consumidor pasivo”. Magali Arriola, “Razón social”, http://www.enconstruccion.org/razon_social.htm Simposio Internacional de Teoría de Arte Contemporáneo (SITAC), México DF, (VOLVER) 2002.

10. “Estos recién llegados vagan por las ciudades europeas sin documentos, se convierten en blanco de las redadas policiales, se hacinan en centros de deportación para ser posteriormente repatriados a su (Tercer) Mundo. La proliferación de personas de la periferia por todo el mundo no sólo se ha acelerado, sino que se ha hecho más brutal, desesperada e inhumana”. Václav Belohradský, “Globalización: toda la basura en una sola palabra”, en Brumaria. Prácticas artísticas estéticas y políticas n.1, Madrid, verano de 2002. (VOLVER)

11. VV.AA. Global Citizenship http://www.noborder.org/webjournal/sat_item.php?id=11, Webjournal del Make-World Festival http://make-world.org/, Munich, octubre 2001. (VOLVER)

12. meme: “idea contagiosa que se replica como un virus, propagándose a través de las redes de comunicación y entre las personas”. Dawkins, 1976. Richard Dawkins es autor, entre otros libros, de The Selfish Gene, Oxford University Press (1990) y The Meme Machine, Oxford University Press (2000). (VOLVER)

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La Ciudad rosa, llamada así por el color de sus edificios cubiertos de ladrillos, acoge hasta el 13 de octubre el Printemps de Septembre, un gran festival de fotografía y artes visuales con la participación de medio centenar de artistas internacionales.

Esta manifestación que se celebra por segunda vez, tiene la virtud de dinamizar toda la ciudad, con montajes y proyecciones de vídeos en edificios emblemáticos como el ayuntamiento y el bello convento de los Jacobinos y con exposiciones en lugares insólitos como un antiguo depósito de agua y una vieja fábrica de electricidad a orillas del río Garonne.
«El Printemps de Septembre es una prolongación de otro festival dedicado a la fotografía que se llamaba Le Printemps de Cahors.El año pasado decidimos trasladarlo a Toulouse para darle una nueva dimensión. La primera edición coincidió con la tragedia de la fábrica AZF y con el trasfondo del 11 de septiembre. A pesar de todo, decidimos celebrar el festival porque pensamos que la vida y la cultura han de seguir adelante», comenta Marie-Thérèse Perrin presidenta del evento.

Organizado por Marta Gili, -que durante un año ha dejado su cargo de responsable de fotografía en La Caixa- el festival tiene el título genérico de «Fragilidad», un concepto que según la comisaria «sintetiza esta idea de incertidumbre en la que se encuentra la sociedad, la de aquí por las secuelas de la tragedia que ha marcado la ciudad de Toulouse, y la del mundo en general después del 11 de septiembre. Muchas de las obras recogen esta sensación de que la realidad se nos escapa».

Así, la artista bilbaína que expone en el edificio de los Jacobinos, ha retratado a una serie de personajes atrapados por pequeños incidentes banales e imprevisibles. La francesa Matilde Ter Heijne analiza en un vídeo la fragilidad de la naturaleza humana, y el belga Hans Op De Beeck filma situaciones banales de personajes de la calle para mostrar lo patético que resultan a menudo nuestros gestos cotidianos.

El Printemps de Septembre permite ver propuestas sólidas de creadores poco conocidos junto con trabajos de artistas omnipresentes en las principales manifestaciones artísticas de los últimos años como Jean-Marc Bustamante, que no podía faltar, ya que es oriundo de Toulouse. En los Jacobinos presenta uno de sus grandes paisajes urbanos, en el que por primera vez ha introducido la presencia de un rostro humano.

En la Escuela de Bellas Artes llama la atención el trabajo de Chung-Li Kao, un artista que vive y trabaja en Tapei y que pudimos descubrir en la última feria de Arco. Combina el dibujo y el cine para crear una original instalación realizada con antiguos proyectores de 8 milímetros. El trabajo del español Daniel García Andújar, que intenta desarrollar un proyecto para llevar el uso de las nuevas tecnologías a países pobres.

El uso de los avances tecnológicos cautiva a muchos creadores como Daniel Canogar, que muestra en el curioso Museo de la Medicina su obra «Phylogenesis», una instalación interactiva realizada con fibra óptica. Es también el caso del chino Zhu Jia que ha integrado un montaje vídeo en el Espace EDF-Bazacle.

El Printemps de Septembre incluye además numerosos espectáculos y proyecciones nocturnas. En la céntrica plaza del Capitol el mejicano Rafael Lozano proyecta textos sobre la fachada del ayuntamiento, mientras el escenógrafo Laurent Fachard ha creado un escenario mágico en las orillas del río Garonne con una iluminación especial.

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Les premiers rendez-vous médiatiques du Printemps de Septembre auront dépassé largement le succès planifié: après un vernissage où se sont pressés beaucoup plus d’invités qu’il n’en était visiblement attendus, hier, le brunch organisé dans le petit restaurant « Les enfants gâtés » rue des Blanchers, pour réunir mécènes, artistes et journalistes a dû s’installer pour une bonne moitié dans la rue, faute de place à l’intérieur. Rançon d’un succès incontestable, le résultat était plutôt sympathique sous la lumière dorée de ce début d’automne, un soleil très apprécié par les artistes invités, surtout ceux qui sont venus d’un peu plus haut dans le nord. Dans cette ambiance informelle et décontractée on a beaucoup parlé images, ces images que le public allait découvrir ensuite, à la fois dans les lieux d’exposition et dans la rue.

Pour certains la confrontation avec le regard des Toulousains était particulièrement sensible, puisque leur travail porte sur Toulouse précisément. C’était le cas de Simone Decker (plasticienne, précise-t-elle, pas photographe), dont les impressions sur toile, barrant les rues comme de gigantesques rideaux, jouaient la surimpression, images de Toulouse se téléscopant, les factices sur les vraies, dans une sorte de puzzle où les rues s’amusent à changer de place. « J’ai sillonné la ville à vélo, se souvient Simone Decker. Et quand je voyais quelque chose à photographier, je revenais avec mon appareil… » Elle est ravie d’être là, au Printemps de Toulouse: « Il me reste encore quelque petites choses à voir, mais ce que j’ai vu est très intéressant, il y a surtout une grande cohérence dans l’ensemble ». L’espagnol Daniel Garcia Andujar, passionné de technologie, s’est, dit-il « intéressé à l’image que Toulouse peut donner à des gens qui n’y sont jamais venus et qui vivent loin d’ici. Comment peut s’interpréter la ville ». Résultat: sur Internet, deux jeunes filles, de Palestine et Nouvelle Zélande, et deux garçons de New-York et Mexico, livrent leur approche, à partir de données, trouvées elles aussi sur Internet, des travaux à voir à l’ecole des Beaux Arts, mais qu’il est aussi possible de consulter sur le site www.e-toulouse.org.

Extraits : Le Printemps affiche Toulouse TOULOUSE – IMAGES Les premiers rendez-vous médiatiques du Printemps de Septembre auront dépassé largement le succès planifié: après un vernissage où se sont pressés beaucoup plus d’invités qu’il n’en était visiblement attendus, hier, le brunch organisé dans le petit restaurant « Les enfants gâtés » rue des Blanchers, pour réunir mécènes, artistes et journalistes a dû s’installer pour une bonne moitié dans la rue, faute de place à l’intérieur.

Rançon d’un succès incontestable, le résultat était plutôt sympathique sous la lumière dorée de ce début d’automne, un soleil très apprécié par les artistes invités, surtout ceux qui sont venus d’un peu plus haut dans le nord.

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Rachel Baker, Anna Best, Heath Bunting, Adam Chodzko, Jeremy Deller, Honor Hager with Adam Hyde, Jodi, Nina Pope & Karen Guthrie, James Stevens, Technologies to the People/Daniel G Andujar, Stephen Willats.

Curated by Cardiff-based artist Simon Pope.

‘Art for Networks’ focuses on some of the most exciting international artists producing or using networks through their practice.

On first encounter, net.art seems to be defined by the internet, that most visible and newsworthy of networks. However, there are other networks that also figure in our lives: those of identity, kinship, sociability, authorship and communication.

Artists included in this exhibition investigate, implement or critique these networks, often working at the intersection between them:

RACHEL BAKER’s Platform, is a series of mobile phone SMS (simple messaging system) interventions onboard the Eurostar. The resulting texts reveal the narrative and social structures of this particular route between Paris and London.

ANNA BEST has developed a live art practice based on investigations into the local and specific. For ‘Art for Networks’ she has invited ice cream van owners to a number of meetings and events around the UK, and the documentation is shown in the gallery. In the future the piece will culminate in a mass ice cream van convention somewhere in the UK.

HEATH BUNTING short-circuits the postal network to provide personal courier services. Co-ordinated through a website, Courier will include local pick-ups and deliveries in its list of destinations.

ADAM CHODZKO’s Product Recall reveals a community drawn together by their common ownership of a particular style of Vivienne Westwood jacket. The invisible consumer network is revealed when Chodzko videos a party of proud wearers.

Ryosuke Cohen’s Braincell in an international mail art project that involves printing or pasting received stamps or stickers onto A3 sheets. Cohen then sends a sheet back with a list of addresses to each participant. Published at intervals of 8 – 10 days, the sheets include around 60 people at a time and the A3 posters will be added to during the course of the exhibition.

JEREMY DELLER will work with local prisons, inviting commumication between the general public and inmates through a messaging board system sited in a nearby public buiding.

RADIOQUALIA will show Free Radio Linux, an online and on-air radio station. The sound transmission consists of a computerised reading of the code used to create the operating system, Linux.

JODI map existing networks of artists, institutions and infrastructures to provide us with an online representation of the connections that define the structure of the networked artworld.

NINA POPE & KAREN GUTHRIE use text-based, multi-user software to build a community that collaboratively imagines and describes a virtual island. The artists interpret the online instructions and, at a number of events, can be seen constructing a scale model in the gallery.

JAMES STEVENS’s Talkaoke uses models that can be found in nightclubs, pubs, bars and at festivals. The talkaoke format is simple: a circular table with a compére in the middle with a microphone. Anybody can sit or stand around the table but once they take the mic, they’re the centre of attention. Talkaoke is not ordinary chat; it elicits revealing and unpredictable performances from its participants.

TECHNOLOGIES TO THE PEOPLE and Daniel G. Andujar in collaboration with the Art for Networks team, create an online portal where participants can browse the Art for Networks website; post comments in different languages; join forums; chat; propose new topics and send photos.

STEPHEN WILLATS uses computer network protocols to provide a formal language through which dissimilar groups of citizens may communicate. The exhibition includes photographic and textual documentation of previous works.

Preview: Fri 27 Sept

Chapter gallery is open from Tuesday to Sunday between 11am and 8pm. Admission is free.

Art for Networks will tour to a number of additional UK venues.

Chapter Gallery
Market Road, CF5 1QE
Cardiff

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Day 1 – Tuesday, August 13, 2002
Dataclouds and participatory environments

The first day focused on the theoretical aspects of participatory environments and dataclouds. Participatory environments enable the audience to access the web environment on a deeper level, they can add comments and objects; in some cases there is a possibility to re-configure the software. Not only does this include some interesting options; on a political or social level it also includes different approaches for the design of such a web application. Throughout the day the expert speakers highlighted several issues: data representation in dynamic systems, feedback mechanism, design and navigation in data spaces, audience involvement and editorial decisions.

Piet Vollaard presented the concept of DataWolk Hoeksche Waard (DataCloud1), an interactive platform for exchange and discussion created by Archined and V2_ in 1998. DataWolk HoekscheWaard is an experimental Internet site about the landscape design for the Hoeksche Waard (an island) in relation to the Randstad and the Rhine-Scheldt estuary. The site is aimed at designers, policy makers, administrators, inhabitants of the Rotterdam region and other interested parties. The data within the DataWolk HoekscheWaard is represented after a mixture of a knowledge map and a mental map. The participants were able to add comments, remarks, new associations between existing objects and new objects (images, text, sound, URLs) in the environment as a contribution to the discussion about the future development of the area they were living / working in, or designing for. Right now the DataWolk HoekscheWaard is stored as an archive, as the debate has been closed down.

Daniel Garcia Andujar presented a paper on the social debate platforms and independently developed platforms for artists. In his presentation the audience participation and awareness of the medium’s options was illustrated by work he has created with Technologies To The People.
Technologies To The People is involved in social debate platforms like http://www.e-valencia.org/. Technologies To The People has always developed, supported and designed platforms for artists based on a strict sense of independence. Their recent artist-oriented work, Manifesta-4, is another example of the important work carried out by the Technologies To The People Foundation in order to showcase aspects of contemporary life. Daniel Garcia Andujar showed recently developed projects like e-valencia.org and e-manifesta.org, which is an on-line infrastructure that will provide a framework for reflection on several of the issues proposed by artists and curators and is in fact a contribution to the overall Manifesta-4 debate, providing a first hand experience of manifesta discussion, critics and debate.

Maarten Handstede presented a paper on design issues for dynamic environments. The presentation approached dynamic environments from a designer’s perspective and the challenges this brings along. This presentation emphasized the conceptual design issues as well as the unpredictable elements, e.g. what to expect when users bring in their own data objects. The second version of the DataCloud project was used as a case study. DataCloud 2.0 is an information space containing a vast collection of media-objects. Each media-object is of a specific type – image, video, text, 3D model, sound file – and has its own characteristics. These characteristics (meta-data) are used for organizing and querying the information space. Users perceive the entire information space as a ‘cloud’ through which they can ‘fly’ and which they can reorganize as desired. After an examination of their meta-data, objects in the cloud can be viewed and added to personal collections and storylines. Authorized users can add, edit and delete objects. This functionality, combined with a newsgroup facility, makes DataCloud 2.0 an effective information tool that can support a community.

The technical framework on which DataCloud 2.0 is based will eventually be published as open-source software. It can therefore be used by other organizations and for other purposes. The options and implications that open source could have on design and artistic expression(s) were highlighted in the case study of DataCloud2.

These presentations provided input for a discussion among artists, designers, engineers, interaction designers and computer scientists who are interested in the conceptual and technical issues in the area of DataClouds, on line participatory environments and open source.

The first day was concluded with a critical discussion session, introduced by Anne Nigten, where questions of the audience were answered and a dialogue between the guest speakers, the makers, and the audience was encouraged.

Day 2 – Wednesday, August 14, 2002
Technical explanation and hands-on session

The theoretical part was followed by the second part of the workshop where the use of open source was explored by the DataCloud project and E-valencia as case studies. The makers elaborated their motivation to use open source and the expectations they have about the effects for future developments.

Open source
General introduction on open source and free software principles – how does it work, how can one contribute and what are the rules of the open source communities one should take in account. This was the focus on the first theoretical part where the lectures also exposed the advantages, options and disadvantages of open source and free software in the art and technology field. An overview of the applications we’re working with and those others which we consider of importance for creative purposes. Some of the software applications will be introduced briefly. (Several of the applications were installed for the participants of the second day, where some of the open source multimedia applications were demonstrated in a hands-on session.)

DataCloud 2 (work in progress)
Some of the software applications were introduced briefly. (Several of the applications were installed for the participants of the second day, where some of the open source multimedia applications were demonstrated in a hands-on session.)

E-Valencia
This session was followed with a run through, demonstration and instruction session of e-valencia. This session was used as an example and instruction for e- São Paulo as an optional future on line debate and exchange platform.

This workshop was produced by V2_Lab for Itaú Cultural 2002.

Workshop
August 13-14, 2002
International Symposium for Emoção Art.ficial, São Paolo, Brazil

Target participants:
artists, designers, engineers, interaction designers and computer scientists

People:

• Piet Vollaard (NL)
  Archined
• Maarten Handstede (NL)
  V2_Lab
• Ben Schouten (NL)
  Centre for Mathematics and Computer Science
• Daniel Garcia Andujar (ES)
  Technologies to the People
• Brigit Lichtenegger (NL)
  V2_Lab
• Anne Nigten (NL)
  V2_Lab

Related projects:

• DataWolk Hoeksche Waard
• DataCloud2

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F. B. – Valencia – 17/07/2002
El país

La propuesta puede desconcertar en un primer momento. Justo el tiempo que cuesta introducirse en el discurso. Entonces el conjunto cobra coherencia. No es trata de un exposición al uso, sino de un proyecto cultural. La sede: la Nau, antigua Universidad de Valencia. El título, Cultures d’arxiu: memòria, identitat, identificació.

Hay documentos de la Guerra Civil, de los masones, de la Valencia de principios del XX

Paneles a modo de muros recogen numerosas fotografías amarillentas por el paso del tiempo divididas en dos grupos: en uno, aparecen retratos de personas anónimas y también de algunos personajes históricos, en otro se muestran edificios valencianos de principios de siglo. Y entre medias, fotos de carnet, huellas dactilares, secuencias de ADN…..

En mitad de la sala se han dispuesto unos antiguos escritorios con monitores informáticos y de televisión. En los primeros, el visitante se puede conectar a Internet para realizar consultas. En los segundos, se puede elegir entre varias películas documentales de vídeo sobre temas diversos, desde la guerra de Vietnam a la crisis del 27. También hay un proyector que lanza imágenes de películas antiguas sobre la pared. Y vitrinas con libros y mesas de lectura.

En conjunto, una suerte de antiguo archivo del siglo XXI. Los documentos salen a la luz para relacionarse con otros documentos. La procedencia es múltiple: el Repertori Iconogràfic d’Art Espanyol (del MNAC), las imágenes de Valencia para la Exposición Universal de Barcelona de 1929, el Archivo General de la Guerra Civil Española, fotografías masónicas utilizadas en tiempos de la dictadura, del holocausto, tipologías científicas, inventarios del XIX, colecciones del Archivo Huguet, del Museo de Etnología de Barcelona, de la Universiad de Valencia.

‘La costumbre de clasificar está en la raíz de los movimientos de represión’, apunta Jorge Blasco, el director del proyecto de carácter historiográfico sobre un aspecto en el que incide el mismo. Las distintas formas de identificación de las personas están presentes a lo largo de esta singular, transgresora y reflexiva exposición, segunda edición (modificada) de la que se realizó el año 2000 en la Fundació Tàpies de Barcelona.

El propósito es reflexionar sobre el uso de las imágenes de la memoria y la relación que se establece cuando se cruzan las líneas del archivo y de la exposición, así como poner de manifiesto el papel que desempeña el control documental. Eugeni Bonet (videoteca), Nieves Berenguer (diseño gráfico), Daniel G. Andújar (a través del portal Culturas de archivo, proyecto en curso, de Technologies to the people), Joan Antoni Cebrián (asesor lingüístico) y Pedro G. Romero (que ha cedido un fragmento de su archivo de autor Arxiu FX) forman el equipo que participa en el proyecto cultural que se clausurará el 29 de septiembre.

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El espectador, la audiencia a la que va dirigido el trabajo del artista, está hoy más que nunca acostumbrada a técnicas de representación muy sofisticadas provenientes seguramente de medios como la publicidad y la televisión, pero sobre todo, de la transformación de los hábitos de consumo mediático que supone la aparición extensiva de Internet y la introducción sistemática del ordenador en el ámbito privado. Este es sin duda el contexto que muchos proyectos artísticos, culturales en general, pero también políticos y sociales han encontrado idóneo para su desarrollo, más allá de la mera experimentación formalista o la simple readaptación de formatos.

Analizar el curso de estas transformaciones y tratar de visualizar como han podido incidir en la práctica artística en el Estado Español es el objetivo primordial de este curso.

LUNES 15 DE JULIO

12’00-14’00 h.: Daniel G. Andujar. Artista.
17’00-19’00 h.: Manuel Olveira. Director de Hangar.
19’00-20’00 h.: Mesa redonda.

MARTES 16 DE JULIO
10’00-12’00 h.: Roberta Bosco. Periodista. Periódico del Arte y CiberPais
12’00-14’00 h.: Ricardo Iglesias. Artista .
17’00-19’00 h.: Esther Regueira. Co-directora de la revista y foro de centrodearte.com
19’00-20’00 h.: Mesa redonda.

MIÉRCOLES 17 DE JULIO
10’00-12’00 h.: Jorge Luis Marzo. Artista, curator, historiador
12’00-14’00 h.: Roc Parés. Profesor de la Facultad de Comunicación Audiovisual de Universitat Pompeu Fabra.
17’00-19’00 h.: Naxto Rodríguez. Artista. Profesor de la Facultad de BBAA del País Vasco.
19’00-20’00 h.: Mesa redonda.

JUEVES 18 DE JULIO
10’00-12’00 h.: Antoni Mercader. Profesor del Área de Comunicación Audiovisual de la Universidad de Barcelona, curator,
asesor Fundación La Caixa.
12’00-14’00 h.: María Dolores Dopico. Profesora de Bellas Artes en la Universidad de Pontevedra
17’00-19’00 h.: Santiago Eraso. Director de Arteleku – Donosti.
19’00-20’00 h.: Mesa redonda.

VIERNES 19 DE JULIO
10’00-11’00 h.: Antoni Muntadas. Artista.
11’00-12’00 h.: Eugeni Bonet. Profesor asociado en la facultad de Bellas Artes de la Universitat de Barcelona. Escritor.
12’00-13’00 h.: Valentín Roma. Cuaror. Profesor de Escuela Universitaria de Literatura e Historia del Arte en la Escuela Superior Elisava de Barcelona.
13’00-14’00 h.: Mesa redonda

Matrícula, inscripciones e información:

http://www.ua.es/univerano/univerano.html

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CIRO KRAUTHAUSEN – Berlín – 26/05/2002
El País

Dos semanas antes de que en Kassel (Alemania) se inaugure la más importante de las muestras internacionales de arte contemporáneo, la Documenta, en Francfort se abrieron el viernes las puertas de la Manifesta, una dinámica bienal en la que participan más de 80 artistas de toda Europa, en su inmensa mayoría ‘jóvenes’, ‘poco conocidos’ y ‘conectados con una realidad diversa’, según afirma la española Nuria Enguita Mayo (Madrid, 1967), que forma parte de la joven y femenina troika directora.

‘No quisimos limitar la selección a un tema muy estricto, aun-que sí nos han interesado sobre todo aquellas obras que se ocupan del contexto, no sólo político y social, sino también personal y mental’, afirma en conversación con este periódico la historiadora de arte, de 35 años, que también dirige la Fundación Antoni Tàpies, en Barcelona.

Dispersas por toda la ciudad -como también sucede en Kassel-, las obras expuestas hasta el 25 de agosto abarcan todo el espectro del arte contemporáneo: instalaciones, pinturas, dibujos, esculturas, fotografía, arquitectura… Y vídeos, por supuesto (‘más de los que quisiéramos’, dice Enguita Mayo). Los artistas -he aquí una diferencia no sólo con la Documenta, sino también con otras bienales- proceden exclusivamente de Europa. Las otras dos directoras de la muestra son la rusa Iara Boubnova (Moscú, 1961) y la francesa Stephanie Moisdon Trembley (1967).

Desde que fuera creada, a inicios de los años noventa, como un foro para nuevas e innovadoras expresiones del arte, la Manifesta ha cambiado cuatro veces de escenario: Rotterdam (1996), Luxemburgo (1998), Ljubljana (2000) y ahora Francfort. Dentro de dos años, en 2004, el turno por primera vez será para España: la muestra se trasladará a Donostia, según se ha conocido en estos días.
Artistas españoles

Los artistas españoles invitados a Franfort son cinco: Daniel García Andújar (Valencia, 1966), que ha diseñado el espacio de presentaciones y una página web de la muestra; Ibon Aranberri (Bilbao, 1969), con un pabellón propio a orillas del Meno en el que el visitante se encuentra con una reproducción virtual del Guernica; Bleda y Rosa (Valencia, 1969, y Albacete, 1970), fotógrafos con una serie sobre el paisaje y la memoria, basada en ciudades arqueológicas; Jon Mikel Euba (Bilbao, 1967), con un vídeo que, sutilmente, gira sobre una de sus obsesiones, la violencia; y Alonso Gil (Badajoz, 1966), con otro vídeo, que reflexiona sobre la relación entre los que dan y reciben limosna en las calles de Sevilla.

‘Se nos va a comparar con la Documenta, pero nuestro trasfondo financiero y temporal es completamente distinto’, dice Nuria Enguita Mayo, quien, junto a sus dos colegas, ha contado con un presupuesto de 2,1 millones de euros. La peregrinación de los críticos y amantes de arte a Kassel -a escasa hora y media en tren de Francfort- es una oportunidad de oro para conocer la Manifesta.

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