Individual Citizen Republic ProjectTM: El Sistema
Fechas: 13.12.2003 – 15.02.2004

Este proyecto se plantea como una reflexión crítica sobre la soberanía de las grandes corporaciones tecnológicas y sus valores simbólicos de persuasión y representación. Para ello se relacionan metafóricamente dos imaginarios antagónicos: uno arquetípico, estático y corporativo, con eslóganes que publicitan las bondades de los avances de la tecnología; otro descodificado, que constituye el reverso paródico de la anterior imagen y que es, asimismo, un lugar donde se comparten informaciones y procesos de trabajo.
En la zona de entrada a la exposición, dentro del entorno corporativo de Technologies To The People’s, se presenta el lanzamiento del producto X evian, un sistema operativo fácilmente instalable en cualquier ordenador, que no interfiere en el software preexistente y que permite al usuario trabajar con el programa gratuito Linux, el cual está liberado de todo tipo de protocolo empresarial pero que, sin embargo, ofrece idénticas prestaciones que otros programas de pago existentes en el mercado.
Oculto tras este primer ámbito mediante una barricada de mobiliario usado, pero en un lugar central de la instalación, aparece un espacio-taller equipado con numeroso material documental que informa sobre cuestiones técnicas referentes al uso alternativo de la tecnología, así como una red de ordenadores reciclados a los cuales se les reinstaló previamente el programa Linux. En este espacio tendrán lugar talleres formativos de aprendizaje informático no comercial, presentaciones de entidades y comunidades tecnológicas de la zona, como Olot Wireless, y conferencias dedicadas a la reflexión sobre la seguridad e identidad en Internet. Aparte de todas estas actividades, este lugar funciona como un medialab o club abierto a la participación de quienes deseen utilizarlo tanto para finalidades públicas – sesiones de trabajo, reuniones asociativas, etc. – como para un uso estrictamente personal – navegación en Internet, envíos de e-mail, etc.
Por último, en la sala dedicada a conferencias, el visitante puede acceder a una antología temática de presentaciones privadas realizadas en PowerPoint y rescatadas de la red y emitirlas mediante un vídeo-proyector, como si fuese un conferenciante genérico, ante una hipotética audiencia.

Valentín Roma
David Santaeulària

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Entre el público general e incluso entre una parte significativa de comisarios y críticos de arte se tiende a ver sospechosamente la conexión entre arte y política. El artivismo a menudo se ve como activismo político camuflado que en realidad no tiene ningún tipo de justificación estética. Algunos artivistas presumen, de hecho, de este fenómeno y afirman que se hacen llamar artistas simplemente para tener menos problemas legales cuando organizan una campaña. Paralelamente, el mundo de la política tiende cada vez más a apelar a valores estéticos y performances, dejando las ideologías y los mensajes en segundo plano.

En este artículo el autor intenta ir más allá de la justificación “desde Duchamp todo vale” y trata de entender la conexión entre el arte y la política en el caso del arte electrónico. Partiendo del motto wittgensteiniano de “enseñar diferencias” se intenta mostrar una serie de diferencias entre el arte y la política para analizar en qué contextos esta combinación queda justificada.

La tesis central resumida es que el compromiso entre el arte digital y la política debe entenderse principalmente como un compromiso ético del artista con las nuevas formas de comunicación electrónicas que hacen que ciertos discursos y posturas políticas sean comprensibles, de hecho deseables, en acciones puramente artísticas que dependan fuertemente de estructuras en red.

Introducción
Desde sus respectivos espacios de opinión en la prensa, Josep Ramoneda y Félix de Azúa se preguntaban por la relación entre el arte y la política. En un cierto momento de la polémica, Ramoneda planteaba que si transmitir mensajes políticos en estado puro era arte, entonces la gente que repartía octavillas contra Franco en los setenta también debían de estar haciendo arte, sin saberlo.

La paradoja, sin duda, está bien formulada. Instaurados en un siglo XXI eminentemente mediático, las propuestas artísticas se parecen cada vez más a los mítines políticos y los mítines políticos recuerdan cada vez más a malas performances artísticas. Así pues, ¿hay alguna diferencia entre, por ejemplo, determinadas acciones artísticas contra la guerra en Irak y las que desarrollaban los manifestantes? ¿Se ha politizado tanto el arte de este siglo que se ha vuelto indistinguible del activismo?

Una primera solución es apelar a Danto y su “muerte del arte” (Danto, 1981, 1998) –o en la versión europea al “Kant después de Duchamp”, de Thierry de Duve (Duve, 1996)–, es decir, postular que arte ha dejado de ser un término con significado objetivo y establecido –si es que alguna vez fue así– para convertirse en una entidad que se define en función de la voluntad del artista. Así, cuando Duchamp decidió que un urinario podía ser un objeto artístico, no hacía sino mostrar esta tesis de forma performativa.

Pero no tiemble, estimado lector o lectora. Éste no es un artículo más de urinarios duchampianos y artes muertas. De hecho, pienso que está claro que este tipo de solución no soluciona el problema que nos atañe aquí, por dos razones básicas:

1. En realidad no resuelve nada. Si, parafraseando a Dostoievski, decimos que “si Duchamp y Warhol existen, todo está permitido”, en realidad estamos negándole el derecho a Ramoneda –y a mucha otra gente que se hace la misma pregunta– a plantearse la relevancia de convertir la acción política en arte. Si todo está permitido, repartir octavillas es arte, obviamente, pues la misma definición así lo implica^[1].

2. Hay una intuición muy fuerte –que todo análisis filosófico serio debería respetar– en todos los hablantes del castellano o del inglés de que por muy borrosas que sean las fronteras entre arte y no arte, el término arte define una serie de prácticas muy específicas que no describen cualquier disciplina. Si bien durante el crepúsculo resulta muy difícil decidir si es de día o de noche, las doce del mediodía destacan lo bastante respecto a las doce de la noche como para establecer diferencias. Que haya productos artísticos de difícil clasificación no significa que el arte no se pueda diferenciar en nada de otro tipo de prácticas.

Resulta más razonable plantear otra metodología que nos ofrezca respuestas más interesantes. De ello nos ocupamos en la siguiente sección.
Enseñar diferencias

Buscando caracterizar su método de la manera más simple posible, Ludwig Wittgenstein decidió apropiarse de un motto del Rey Lear: “Os voy a enseñar diferencias”. Esta forma de trabajar queda especialmente clara en sus clases sobre Estética recogidas en Wittgenstein (1992). Aunque no vamos a tomar su modelo al completo, sí que me parece inspiradora la idea de mostrar diferencias: siguiendo el método wittgensteiniano iremos exponiendo situaciones y casos, comparándolos, observando las semejanzas de familia entre obras artísticas de carga política y reuniendo las diferencias que establecen con primas hermanas en el mundo del activismo.Para ser fieles a este método, el primer paso clave es olvidar el concepto arte como término unificador que permita un análisis con sentido. Los juegos de lenguaje detrás de una pintura de Tàpies son tan diferentes de una acción situacionista como para que un análisis así se quede en vaguedades.

Así pues, parto de una propuesta más sencilla y modesta; consideremos un elemento familiar dentro de la clase de los productos artísticos: el arte en Internet o net art. Una parte significativa de arte que se realiza en red actualmente se sitúa claramente en esa área gris que Ramoneda critica: la de repartir octavillas –en este caso, virtuales. En las páginas siguientes aplicaremos el método wittgensteniano de sacar a la luz diferencias para intentar establecer los límites entre el artivismo en Internet y el activismo político en sentido estricto.

Estas diferencias no pretenden en ningún momento distinguir entre arte bueno o malo, o auténtico e inauténtico. Simplemente queremos mostrar una diferencia entre formas de hacer arte en red. Nuestra intención es meramente descriptiva, notarial, destacar las diferencias existentes para entender mejor la idiosincrasia de cada concepto.

2.1.

Primera diferencia

0100101110101101. ORG versus Dark AvengerDark Avenger es una figura famosa del underground, autor de diferentes virus informáticos de conocido poder y de impecable factura técnica. Dark Avenger, además, tiene la costumbre de firmar sus virus y de incluir referencias a la cultura popular. Así, una de sus primeras creaciones (también conocida como Dark Avenger) está firmada –”This program was written in the city of Sofia, © 1988-1989, Dark Avenger”–y contiene una curiosa referencia a la mascota-monstruito del grupo de heavy metal Iron Maiden: “Eddie lives… somewhere in time”^[2]. Dark Avenger fue, de hecho, el primero de una serie de virus creados en Bulgaria, que mostraron con creces los grandes conocimientos de los programadores de este país.

Unos años más tarde, el colectivo de artistas digitales 0100101110101101 revolucionó la Bienal de Venecia de 2001 al presentar bienale.py, un virus desarrollado con el lenguaje de programación Python^[3]. La presentación incluía CD-ROM con el virus para coleccionistas o su código estampado en camisetas, así como la inevitable rueda de prensa para justificar su acción.

¿Qué diferencias hay entre las dos acciones desde un punto de vista estético? Si hemos de considerar la habilidad técnica, las “obras” de Dark Avenger son mucho más interesantes y creativas que bienale.py. Lo mismo podríamos decir de su habilidad para moverse por la Red. Si rascamos un poco, veremos aquí un caso más de “si Duchamp pudo, yo también”. Bienale.py es una obra de arte, mientras que Dark Avenger –el virus– no lo es por la forma y el contexto en que el producto está presentado. Aunque algunos puedan hablar de Dark Avenger –el autor– como un artista, debemos entender esta expresión en su sentido metafórico, del mismo modo que se dice que un cirujano es un artista por su habilidad con las manos.

2.2.
Segunda diferencia

JODI versus el museo virtual de Diego RiveraSe trata de dos ejemplos de arte en Internet. Las diferencias son múltiples y muy variadas, desde luego, pero ahora nos interesa una: el acercamiento de cada autor a Internet. Para el autor del museo virtual Diego Rivera, la Red es un instrumento, un medio para ofrecer un material. Así pues, la persona interesada en la obra de Diego Rivera, aunque por cuestiones de lejanía, discapacidad o simplemente falta de tiempo no tenga la posibilidad de visitar el museo real, puede acercarse al virtual.

El web de JODI también utiliza la estructura de Internet para acercar un contenido, pero no es menos cierto que hace algo más. Tal y como se argumenta en Schultz (2003), el tema de la obra de JODI es Internet: JODI reflexiona en sus piezas sobre la naturaleza de las interfaces, la forma en que se navega por la Red o la manera en que cierto futurismo ingenuo describía el arte electrónico en la década de los ochenta.

Afortunadamente, esta diferencia está bien asumida en el mundo de la crítica y la teoría del arte: aunque a mediados de los noventa proyectos de reflexión sobre la naturaleza de Internet como JODI y las galerías virtuales eran considerados de una misma tipología, ha quedado ya claro –también para gran parte del público– que hablamos de formas muy diferentes de entender el arte asociado a Internet.

2.3.
Tercera diferencia

Radical Software Group versus Kenneth Tin-Kin Hung Tanto Tin-Kin Hung como el Radical Software Group fueron premiados en la categoría net vision el pasado 2002 por el Ars Electronica Center. Sin embargo, sus proyectos no podían ser más diferentes: 60X1.com –el proyecto de Hung– es un psicodélico espacio en la Red donde uno puede ver estrambóticos collages que “combinan” la estética maoísta con el románico y que a veces rayan en el feísmo extravagante –como unos montajes de mal gusto con Bin Laden y George Bush. Por el contrario, Carnivore –el proyecto que permitió al Radical Software Group obtener el Golden Nica– era un proyecto que convertía un programa sniffer desarrollado por el FBI en una herramienta para hacer arte con implicaciones sociales.

Las diferencias son obvias, pero quizás por eso mismo algunos críticos se empeñaron en convertir 60X1 en un proyecto de crítica social, cuando lo que hay en este proyecto es –como mucho– un alto grado de sátira política: sin duda puede resultar divertido ver logos de McDonald’s saltando por encima de un collage de realismo maoísta, pero el interés político o activista de este proyecto no es para nada significativo.

No se quiera leer aquí una crítica al proyecto de Tin-Kin Hung por no ser político, más bien todo lo contrario. De algún tiempo a esta parte parece que el arte en Internet que no sea político no merece la consideración de los analistas, lo que me parece un error importante. El artivismo en Internet puede convivir –y de hecho convive fuera de los sesudos análisis de algunos comisarios– con manifestaciones más expresivas que simplemente buscan jugar con las posibilidades estilistas de los nuevos medios digitales. Empeñarse en buscar el grado de implicación social en cualquier proyecto artístico en red distorsiona las intenciones originales de los artistas y hace un flaco favor a aquellos proyectos que sí tienen un verdadero valor activista.

Imagen 1. Carnivore, de Radical Software Group
© Radical Software Group

2.4.
Cuarta diferencia

JODI versus la Domain Names CoalitionVamos a comentar otro proyecto de JODI, en este caso Wrong browser. Este proyecto de JODI arrancaba de un fenómeno que dicho colectivo había observado y que le resultaba preocupante: la especulación con los nombres de dominio. Según habían podido leer, todas las combinaciones posibles de hasta tres letras y la mayoría de cuatro letras estaban registradas en algún .com. Ello fue la idea seminal que condujo a este proyecto, Wrong browser, un navegador atípico que genera una secuencia aleatoria de cuatro letras, por ejemplo a123, e intenta conectarse a la web www.a123.com, ofreciendo una visión convenientemente filtrada y distorsionada de esas páginas según el estilo al que nos tienen acostumbrados JODI.

Esta cuestión también preocupaba al grupo de ciberderechos Computer Professionals for Social Responsibility, que veía con preocupación la manera en que la ICANN (los encargados de gestionar los nombres de dominio como .com y .org) permitía e incluso favorecía la especulación con los nombres de dominio, y decidió crear una coalición con otros grupos de ciberderechos: la Domain Names Coalition. Podéis consultar las críticas y peticiones dirigidas al ICANN en el siguiente PDF.

Claramente, Wrong browser es un proyecto artístico; no puede interpretarse de otro modo: la manera en que las imágenes son tratadas y el juego de convertir la navegación por Internet en una experiencia alternativa son marcas claras del estilo de JODI. De hecho, las diferentes aplicaciones Wrong browser (las hay para .com, .org., .nl, co.jp y co.kr) no tienen mucho sentido como navegadores para “buscar información” y sólo funcionan si se busca una experiencia lúdica y expresiva en Internet.

Y claramente también, la Domain Names Coalition sólo puede entenderse como una acción política, una acción de lobby que busca cambiar las políticas concretas del ICANN. No tendría sentido plantearla como una acción artística.

2.5.
Quinta diferencia

Muntadas versus la EFFThe file room está considerado como uno de los primeros proyectos de net art. En su formulación original, The file room combinaba una instalación en el “espacio real” y un sitio web (http://www.thefileroom.org). En los dos espacios se jugaba con la misma metáfora: una serie de archivadores que contienen casos de censura en el arte, que el usuario puede consultar libremente, a través de diversos criterios: año, tipo de medio, tema censurado y zona del mundo, así como un buscador con palabras clave.

Como en el caso del Wrong browser, de JODI, el origen de este proyecto es una experiencia específica, en este caso un documental sobre TVE que Muntadas realizó por encargo y que por razones no aclaradas nunca llegó a emitirse. Sin embargo, a diferencia de JODI, los elementos estéticos específicos están mucho menos marcados. El sitio web está hecho de manera elegante, pero su interfaz es estándar, no se busca experimentar con los lenguajes visuales y las interfaces de la Red, sino que la transmisión de información sobre las piezas censuradas es el objetivo central. Toda la parte estética está pensada para facilitar esta faceta transmisora.

A pesar de ello, siguen habiendo diferencias si lo comparamos con proyectos estrictamente políticos. Así, cuando otra organización de ciberderechos, la EFF, (Electronic Frontier Foundation) decidió enfrentarse con una ley de censura en Internet en Estados Unidos, la Communications Decency Act (o CDA) llevó a cabo una tarea similar a la de Muntadas: elaborar un catálogo de obras artísticas que serían censuradas en Internet por incluir elementos “no aptos para menores”, como desnudos parciales o expresiones obscenas. La EFF contiene una biblioteca de casos de censura, pero las razones y motivos son diferentes. En primer lugar, la acción de la EFF obedecía a una causa concreta –detener la CDA– y la referencia al arte era básicamente práctica: argumentar que una pintura clásica como El nacimiento de Venus ya no podría mostrarse en Internet si se aprobara la CDA es, sin duda, un elemento retórico clave. Ello contrasta con el objetivo más general de Muntadas de reflexionar acerca del arte y la censura de una forma más intemporal, y de la elección de la censura en el arte como un presupuesto vital y no simplemente como un ejercicio de retórica. Otro aspecto muy interesante del trabajo de Muntadas es su naturaleza colectiva: se va construyendo a partir de colaboraciones de artistas que conocen casos de censura y los suben a la web de The file room. El proyecto explota la naturaleza de Internet desde dos posiciones: en primer lugar temática, al hablar también de censura en Internet, y en segundo lugar metodológica, al usar una característica clave de Internet –la creación colectiva– para construir la obra.

Imagen 2. The file room, de Antoni Muntadas
© Antoni Muntadas

2.6.
Sexta diferencia

Mongrel versus KalmanEl diseñador Tibor Kalman es la inteligencia que hay detrás del poder de evocación y crítica social de los primeros números de la revista Colors de Benetton. En uno de sus números más celebrados, que trataba sobre el tema del racismo, Kalman modificó digitalmente las fotos de Juan Pablo II, la reina Isabel II de Inglaterra y Arnold Schwarzenegger para que tuvieran el aspecto de ser de otra raza diferente de la blanca.

Algunos años más tarde el colectivo de artistas digitales Mongrel lanzó un software que permitía hacer lo mismo con cualquier foto. El usuario podía bajarse el programa de Internet, tomar cualquier foto y aplicarle el software para conseguir que una cara famosa cualquiera de raza blanca adoptara la apariencia de una persona de raza negra.

Aunque el resultado final es similar y los dos productos se realizaron con ordenadores, está claro que sólo el proyecto de Mongrel puede considerarse arte en red, pues sólo ellos exploran realmente las posibilidades de Internet como sistema de creación colectiva. Las fotos de Kalman pueden encontrarse en Internet, pero ello no significa que, como en el caso de Diego Rivera, se trate de net art que realmente explota la naturaleza de Internet para un proyecto artístico, sino del uso de esta red de comunicación para distribuir mejor unas imágenes.

Imagen 3. Mongrel
© Mongrel
2.7.
Séptima diferencia

Technologies to the People versus Coca-ColaSi el lector visita la web promocional de Coca-Cola descubrirá su transformación en una comunidad o, más específicamente, en un “movimiento”. Con un tono que quiere ser activista, “esto se mueve si tú te mueves”, este sistema pretende construir una comunidad. Aunque sin duda es un potentísimo proyecto de marketing (el 17 de junio de 2003 la comunidad contaba con más de seiscientas mil almas y tenía más de cuatrocientas personas conectadas simultáneamente a las doce del mediodía), no tiene mucho sentido como proyecto comunitario en red. Más allá de chatear, bajarse juegos y descubrir lo maravillosa que es Coca-Cola, no hay ningún proyecto de comunidad (ni político ni de ningún otro tipo), y, sobre todo, las estructuras son totalmente top-down: el equipo combinado de marketing, publicidad y diseño de Coca-Cola ha creado todo el espacio y ha definido las reglas hasta el último detalle.

Ello contrasta claramente con e-barcelona , un portal para discutir sobre la cultura y el arte en esta ciudad, abierto a todo el mundo. El proyecto ha sido desarrollado por el artista Daniel García-Andújar dentro del proyecto Technologies to the People. Al contrario que en el proyecto de Coca-Cola, e-barcelona es una verdadera comunidad, construida por sus usuarios, con unas herramientas mínimas que se adaptan a las necesidades de los usuarios y con un proyecto comunitario y político claro, aunque –o precisamente por eso– las diferencias de opinión entre los usuarios sean significativas y den lugar a muchos matices interpretativos.

Cocacola.es tiene muchas más horas invertidas en diseño, programación, ilustración, etc. Es una herramienta mucho mejor programada y conceptualizada, y estéticamente mucho más atractiva. Sin embargo, cocacola.es no es una verdadera comunidad, por lo que pierde todo su valor como proyecto en red. Por el contrario, e-barcelona, con un diseño puramente funcional, es un proyecto artístico desde unas coordenadas similares a The file room: un espacio en el que se utilizan las características de la red de comunicación colectiva para reflexionar sobre la naturaleza del arte y sus implicaciones sociales y políticas.

Imagen 4. TTTP, de Daniel García-Andújar
© Daniel García-Andújar
3.
Discusión

Aunque no hemos resuelto ni mucho menos el gran problema de la ubicación del arte político en la actualidad, creo que hemos trazado un bosquejo de cómo debe entenderse el arte activista en Internet.Para entender el arte político en Internet es muy importante que no nos quedemos en la primera diferencia, ese bienale.py que es como un brillo-box de Internet. Hay que buscar una serie de características más allá de la mera voluntad del artista de convertir algo en arte. Pienso que en el caso del arte en red ello queda justificado, tal y como hemos venido argumentando en estas diferencias.

Los precursores del net art, JODI, nos han dado buena parte de las coordenadas maestras: la primera, que es posible desarrollar proyectos que transmitan ideas políticas y que al mismo tiempo se puedan considerar proyectos artísticos de pleno derecho (cuarta diferencia), y, la segunda, especialmente, que la forma más propia de entender el arte en red es como arte que reflexiona sobre la Red, un arte para el que Internet no sólo es medio de expresión, sino también el tema que se expresa. Internet es, a la vez, forma y contenido.

Así pues, proyectos artivistas clásicos en que el autor lanza un mensaje a la población creo que pueden ser descartados como genuino arte en red, tal y como hemos argumentado en la sexta diferencia. Si alguien, al estilo de Kalman, empieza a colgar fotomontajes con contenido político, no lo podemos considerar realmente arte en red en el sentido estricto que le estamos dando aquí, pues la concepción es similar a la del museo de Diego Rivera mencionado en la segunda diferencia. Cambia el contenido, pero no el acercamiento a Internet como un mero sistema de distribución de información.

En ese sentido, creo que el modelo paradigmático es precisamente uno de los primeros proyectos de arte en red, el ya mencionado The file room, de Muntadas. A pesar de su funcionalismo estético, The file room y, para el caso, e-barcelona son verdaderos proyectos de arte en red porque en lugar de quedarse en la superficie de los visuales cibernéticos y las estructuras 3D, toman como núcleo la esencia de lo que es Internet, un espacio colectivo de creación y participación. Lo hemos puesto ya de manifiesto en la séptima diferencia, al mostrar que e-barcelona tiene sentido como proyecto artístico, mientras que cocacola.es, no, aunque superficialmente cocacola.es tenga un diseño de interfaz cool y e-barcelona esté en las antípodas de lo que mucha gente cree que es el arte en red: ¿Dónde están esos gráficos vistosos? ¿Y los efectos de sonido? ¿Y las animaciones en Flash? ¿Dónde tenemos que pulsar para producir “interactividad”?

De hecho, podemos ir un poco más allá a partir de la tercera diferencia. Pienso que podemos cuestionarnos la significación artística de proyectos como 60X1.com, pero no por su falta de compromiso político en extenso. No hace falta que un proyecto contenga un mensaje político directo –las octavillas de Ramoneda– para que se pueda considerar arte en red, pero sí un compromiso con la naturaleza de la Red. Un compromiso político en intenso. Internet debería ser algo más que un museo del que colgamos las piezas artísticas. El artista cuidadoso debería respetar su naturaleza central: la de ser un espacio para la creación y la discusión colectivas. Más allá de transmitir mensajes políticos, el verdadero poder de Internet para hacer arte político está en piezas como The file room o e-barcelona: diseñar espacios democráticos en los que se discute libremente sobre la naturaleza y las funciones del arte y la cultura.

Desde este punto de vista es fácil ver las diferencias entre este artivismo –usando el término de moda– y el activismo político. Una primera característica la hemos recogido en la quinta diferencia, al mostrar la intemporalidad y el arte como planteamiento vital de discusión frente a la acción política de lobby con objetivos tácticos claros. El uso de elementos estéticos específicos como los de JODI ayudan, sin duda, a identificar la pieza artística, tal y como hemos señalado en la cuarta diferencia. Al faltar este criterio, espacios como e-barcelona están ya en la “zona de sombra” que separa el arte de la acción política, pero defiendo que el hecho de asumir la naturaleza de Internet como proceso colectivo de creación es suficiente carta de presentación para admitir un proyecto en la gran fiesta del arte.

Ello nos lleva a plantearnos una nueva diferencia, seguramente la más clave.
3.1.

e-barcelona versus EspiralEn http://www.lawebespiral.org se encuentra un espacio de debate denominado Espiral. La idea es muy similar a la de e-barcelona: crear un espacio colectivo de discusión y creación donde una serie de colectivos disconformes con la manera de hacer política actual puedan plantear alternativas.

Una primera diferencia entre e-barcelona y Espiral es la temática. Si La web espiral trata de política en general, e-barcelona tiene el arte y la cultura como tema. Desgraciadamente esta diferencia no es muy significativa, pues en e-barcelona se habla mucho de política y, de hecho, el motto del sitio es “democraticemos la democracia”. La diferencia clave –como en el caso de The file room– reside en una actitud vital del artista que, aunque no es lo mismo, se relaciona con el virus bienale.py de la primera diferencia. Como han demostrado a lo largo de todas sus obras, Muntadas o García-Andújar parten de una necesidad de comprender la función del artista en nuestra sociedad, de cuáles son o pueden ser sus compromisos sociales y de cómo hay que desarrollar un arte político consecuente con la naturaleza del arte y que, a la vez, respete la idiosincrasia de los medios digitales.<

3.2.
Novena diferencia

un@ artista digital versus una persona que reparte octavillas digitalesLa persona que reparte octavillas –aunque sean digitales– a menudo no entiende muy bien la naturaleza democrática y participativa de la Red. Al revés, tiende más a pensar en una verdad absoluta que hay que revelar a los demás. La construcción colectiva es secundaria a la hora de organizar el mensaje.

Por el contrario, un@ artista digital lo que busca es crear espacios de diálogo y participación. El camino es mucho más importante que la meta. De hecho, en la mayoría de casos no hay metas definidas, en el sentido de que no hay un mensaje específico que deba transmitirse. El artista digital busca crear el mensaje colectivamente. Distorsionando la fastidiosa cita de McLuhan, aquí el medio sí que es el mensaje.

La persona que reparte octavillas tiene una agenda concreta y una serie de procesos tácticos para conseguir unos objetivos a corto, medio y largo plazo. La acción artística, aunque también pueda contener esa agenda y objetivos, se diferencia en que el objetivo final no puede asimilarse a ningún logro específico (cambiar las reglas del ICANN, convertir la CDA en inconstitucional), sino en facilitar un proceso de diálogo en el que el arte y los artistas sean una pieza fundamental.

Enlaces relacionados:

0100101110101101.ORG: http://www.0100101110101101.org/ Cocacola.es: http://www.cocacola.es
Diego Rivera:http://www.diegorivera.com/

e-barcelona: http://www.e-barcelona.org EFF: http://www.eff.org/ JODI: http://www.jodi.org Irational: http://irational.org/tttp/ Mongrel: http://www.mongrelx.org/ La web espiral: http://www.lawebespiral.org/

Bibliografía:
DANTO, A.C. (1981). The transfiguration of the commonplace. Cambridge (Mass): Harvard University Press.
DANTO, A.C. (1998). After the end of art. Princeton: Princeton University Press.
DUVE, T. (1996). Kant after Duchamp. Londres: MIT Press.
SCHULTZ, P. (2003). “JODI as software culture”. En: BAUMGARTEN, T. (ed.). Install.exe. Basilea: Christoph Merian Verlag.
WITTGENSTEIN, L. (1992). Lecciones y conversaciones sobre ética, estética y creencia religiosa. Barcelona: Paidós.

Para citar este documento, puedes utilizar la siguiente referencia:

CASACUBERTA, David (2003). “Las relaciones entre política y arte en red: descubra las 9 diferencias”. Artnodes [artículo en línea]. UOC. [Fecha de consulta: dd/mm/aa].
<http://www.uoc.edu/artnodes/espai/esp/art/dcasacuberta1003/dcasacuberta1003.html>
ISSN 1695-5951

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La web e-valencia, un foro de discusión y un archivo de noticias culturales de ámbito valenciano, concebida por Daniel G. Andújar como proyecto artístico, fue desactivada junto con otros trabajos del creador alojados en el servidor del Museo de la Universidad de Alicante. “La desconexión de e-valencia y del resto de proyectos se debió al cambio de servidor desde el museo al Centro de Proceso de Datos de la universidad. También coincidió con una reestructuración de la filosofía del centro y del servicio que se presta a los artistas. Por las nuevas reglas, Andújar prefirió migrar sus proyectos”, dice la dirección del Museo.

Según Andújar: “El cierre se produjo sin previo aviso el 24 de septiembre y no he recibido de la universidad explicaciones que lo justifiquen. Sé que han habido presiones desde altas instancias. Es una preocupante forma de censura llevada a la práctica desde la prepotencia y el anonimato, un atentado contra la libertad de expresión y de creación”.

E-valencia aglutinaba las voces contrarias a la política cultural del gobierno del PP. En su primer año de vida desencadenó una protesta contra la conversión del Convento del Carmen, uno de los espacios emblemáticos del IVAM, hasta entonces dedicado al arte joven, en un museo de arte del siglo XIX.

La preocupación por el cierre queda reflejada por las adhesiones al manifiesto publicado en la web. “Trabajamos para recuperar los contenidos y restablecer el servicio. Nuestra intención es que los más de 2.500 visitantes sigan usando este espacio en libertad”, concluye Andújar.

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Como propuesta de libertad se constituyó progresivamente en un ejercicio de contestación ante la actuación de determinadas instituciones públicas y contra la creciente instrumentalización política de la cultura. Se suscitaron polémicas sobre la arbitrariedad de ciertas intervenciones en el patrimonio cultural, las carencias en la educación pública, la denuncia de los conflictos urbanísticos y la incoherencia de una política cultural volcada en la creación de infraestructuras sin contenido. Así pues, se denunciaron las paradojas del Encuentro Mundial de las Artes y la Bienal de Valencia, y se organizó la oposición al cierre del Centre del Carme mientras se denunciaba el deterioro de la programación del IVAM.

Tras la celebración de las jornadas de debate Realitats de la ciutat, organizadas por CIUTADANS PER UNA CULTURA DEMOCRÀTICA I PARTICIPATIVA, con el objetivo de plantear una crítica razonada hacia las políticas culturales de nuestra Comunidad, se inicia una campaña de presiones y de descalificaciones hacia quienes habían apoyado esta iniciativa. Los intentos de coacción llegan a afectar a diferentes instituciones artísticas y educativas de Valencia, Barcelona y Alicante, las cuales son interpeladas directamente desde altas instancias institucionales, entre ellas la dirección del IVAM. Unos meses después, coincidiendo con la clausura de la II Bienal de Valencia, las presiones se focalizan en el proyecto e-valencia.org y éstas se intensifican hasta conseguir la interrupción del servicio por parte de la Universidad de Alicante, decisión que pone en tela de juicio la autonomía de la institución universitaria y establece un grave precedente.

El cierre de e-valencia es la consecuencia de una acción imperativa ejecutada desde el más absoluto oscurantismo institucional, en una la línea de opacidad política convertida en norma de actuación por parte de las instituciones culturales valencianas. Esta forma de actuar evidencia un doble discurso del poder, aquél que habla públicamente de tolerancia, democracia y diálogo y el discurso oculto, coercitivo y que ejerce presiones para acallar cualquier discrepancia. Una actitud política que es necesario cambiar.

Como ciudadanos comprometidos con la cultura y la participación democrática en los asuntos públicos, consideramos que este cierre es una acción de gravísima responsabilidad social carente de cualquier legitimidad ética y que atenta a los derechos sobre la autoría artística, a la vez que trata de limitar el ejercicio libre del pensamiento que no puede existir de una manera real si la sociedad no facilita los canales para su comunicación.

Resulta absolutamente prioritario que la ciudadanía en general y la comunidad artística en particular nos movilicemos al unísono para conseguir preservar los pequeños espacios de libertad que garanticen la incipiente participación ciudadana en los asuntos públicos. La desaparición del proyecto artístico de Daniel G. Andújar no es sólo comparable a la destrucción de cualquier otra obra de arte en formato más convencional, sino que también supone una pérdida irreparable de carácter social al condenar al silencio a los más de 750.000 usuarios que han utilizado sus páginas para hacer oír su voz.

El desarrollo de la sociedad civil y la democracia exigen una libertad social que fomente la convivencia de racionalidades de signo contrario, la discrepancia, y el conflicto teórico, pues el progreso no es posible sin la mirada crítica sobre el presente.
Por todo ello, reclamamos al Sr. González Pons, Conseller de cultura de la CV, que cumpla sus promesas de promover la implantación y el desarrollo de las nuevas tecnologías, el cese inmediato de cualquier actividad coercitiva, el respeto a la autoría y al libre ejercicio de la creación y difusión del pensamiento y, en definitiva, le exigimos una transparencia sin sospecha en la política cultural que ejerza de aquí en adelante.

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La Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV) calificó ayer de “extremadamente preocupante” el cierre de la página web e-valencia.org por lo que supone, en opinión de este colectivo, de “censura de un proyecto artístico de carácter crítico abierto a la libre participación ciudadana”. La UAAV expresó en un comunicado que “se trata ya no de un caso de censura artística, sino de un atentado contra la libertad de expresión, contra un canal de debate y participación de amplios sectores sociales que han encontrado en e-valencia un espacio para hacer oír sus voces, debatir y criticar en libertad”.

La asociación criticó “la decisión del rector de la Universidad de Alicante de ordenar el cierre de la página web” -a la que se podía acceder a través de un link incluido en el servidor del museo de la institución académica- y, como consecuencia, “de otros proyectos de similar carácter impulsados por Technologies to the People”, a cargo del artista Daniel García Andújar.

La Unión de Artistas Visuales aseguró que el cierre de e-valencia se produce tras las “enormes presiones” ejercidas por la Generalitat Valenciana y por la dirección del IVAM, museo con el que había sido especialmente crítico el portal. Frente a esta “grave situación”, la UAAV exigió la “restitución inmediata” del servicio de www.e-valencia.org.

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FERRAN BONO 27/09/2003
El País

Enseñar deleitando, dice la máxima clásica. El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) ha editado un cómic destinado a los niños denominado Hipnotiz Art. Aventuras en el IVAM con el objeto de entretener, divertir, enseñar y dar a conocer el museo entre los visitantes más jóvenes. Una propuesta didáctica de curioso humor que cuenta con personajes de trazos identificables con los de algunos responsables del museo. En concreto, se pueden intuir los perfiles del propio director del IVAM, Kosme de Barañano, y el de la jefa de restauración, Maite Martínez, que resulta ser, además, la heroína. De hecho, es ella la que atiza con una conocida escultura de Julio González al Dr. Hypno desbaratando, con la ayuda de los niños, los planes del malo, un hipnotizador que pretendía robar y destruir las obras del museo. Tampoco él es del todo anónimo.

“¡Oh! es el dr Hypno, un antiguo amigo del IVAM, un artista que no fue reconocido y que la tiene tomada con el museo”. Así responde la heroína a la pregunta de un nano que se interesa por saber quién es ese “tío tan feo” que adquiere los caracteres de una especie de monstruito verde en este cómic de carácter didáctico. Un tío que no es difícil inscribir como uno de los miembros de Ex-Amics de l’IVAM, colectivo creado hace unos años para protestar por el cierre por parte de la Generalitat del IVAM Centre del Carme, subsede que albergó algunas de las exposiciones más experimentales. El citado colectivo, formado por artistas, galeristas y algunos vecinos del Carmen, encontró un vehículo de sus críticas a la gestión de Barañano en el portal de debate cultural e-valencia.org, ideado por Daniel Andújar, a su vez ‘ex-amic de l’IVAM’.

El citado portal fue cerrado el pasado miércoles por el Museo de la Universidad de Alicante (MUA) para reestructurar y renovar los enlaces de su servidor en Internet. Ex Amics de l’IVAM han sugerido que la dirección del museo ejerció presiones para su cierre llegando incluso a insinuar con denunciar al portal. Ambos extremos fueron desmentidos por la dirección del IVAM, mientras que fuentes del MUA insistieron en que la actual situación sólo obedecía a los trabajos de renovación del servidor.

También el IVAM ha querido renovar el cómic sobre la colección de Julio González y el museo que fue realizado en 1990 por Daniel Torres. Por eso aceptaron la propuesta de Cara-cola Animación. Según explicó ayer uno de sus fundadores, además de autor del cómic, Raúl G. Monaj, el joven estudio había realizado un proyecto para una serie de animación titulado MuseuM con el objeto de “acercar el arte contemporáneo a los adolescentes”.

Se dirigieron entonces al IVAM para solicitar una posible subvención. El museo contestó que no entraba entre sus competencias tal ayuda, pero sí mostró interés por el trabajo, añadió Monaj. De modo que se puso en marcha el desarrollo del cómic. “Hubo un par de reuniones con la dirección del IVAM para ver qué se podía hacer o qué no”, comentó el dibujante al respecto del guión, también obra suya. La idea era presentar el mundo de los museos de manera “divertida”, que “deparara sorpresas”, al tiempo que se iba enseñando el interior y los servicios del IVAM.

El jefe de Relaciones Externas del IVAM, Javier Molins, indicó ayer que el tratamiento que proponía Cara-cola les pareció interesante para “divertir y dar a conocer el museo”. “El guión nos gustó”, agregó. También consideraron como buena la idea de incluir “algunos guiños a gente del museo” en la historieta, “graciosa y atrevida”, que recibió el visto bueno “de todos los departamentos afectados”. El propósito es renovar Las historias en el IVAM cada año con nuevos episodios.

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La página de crítica y debate cultural e-valencia.org desapareció ayer de Internet debido a los actuales trabajos de renovación de los enlaces (links) incluidos en el servidor del Museo de la Universidad de Alicante (MUA), según señalaron fuentes de la institución académica. Creada por el artista alicantino Daniel Andújar, la página

ha ofrecido un espacio para la opinión de los internautas y se ha caracterizado por sus fuertes críticas a la actual gestión del IVAM, dirigido por Kosme de Barañano, y a la política cultural de la Generalitat. Junto a intervenciones y críticas razonadas se han publicado descalificaciones e insultos personales. En unos dos años, e-valencia.org ha tenido cientos de miles de visitas, trasladándose el modelo de debate a una página en Barcelona.

Tras resaltar el trabajo del MUA en Internet, Andújar comentó ayer desde Madrid que desconocía exactamente qué había pasado, si bien apuntó que “al parecer ha habido presiones de Barañano para cerrarla, llegando a amenazar con emprender acciones judiciales”. De modo más tajante se manifestaron otros miembros de Ex-Amics del IVAM. Fuentes del IVAM negaron que tuvieran “nada que ver”. “Hemos sufrido esta página como otros muchos. Se ha calumniado al director y a la institución, pero no se ha puesto ninguna denuncia ni ejercido presión”.

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La asociación cívica Ciutadans per una Cultura Democràtica i Participativa, nacida del grupo de artistas, galeristas y vecinos del centro histórico que integran el colectivo Ex Amics de l’IVAM, ha organizado las jornadas de reflexión y debate Realitats de la ciutat a modo de “reacción” a la Bienal de Valencia, que arranca el domingo bajo el título genérico de La ciudad ideal, según manifestaron ayer Daniel G. Andújar y Nacho París. Estos representantes de la plataforma incidieron en que el verdadero objetivo de la iniciativa de la Generalitat “no va más allá del estricto efecto publicitario” y de una operación de marketing, al igual que en la primera edición de la Bienal.

La asociación considera una contradicción que se hable de la ciudad ideal con numerosas intervenciones en los solares del centro histórico de Valencia, que califican de ornamentales, sin que se proponga ningún debate ni haya habido ningún contacto con los diferentes colectivos ciudadanos afectados por cuestiones urbanísticas. Además critican la fuerte inversión pública en “artistas paracaidistas” que no se implican en la realidad en que intervienen.

Así, las jornadas, que cuentan con el respaldo de Salvem el Cabanyal y Per l’Horta, y una pequeña ayuda de la Facultad de Bellas Artes y de la Universidad de Valencia, se desarrollan a partir de hoy en el Col.legi Major Rector Peset (20 horas) con una mesa redonda con dirigentes vecinales. Mañana (12 horas), Manuel Delgado impartirá una conferencia sobre los usos sociales y políticos de la cultura y por la tarde se realizará otra mesa redonda con el mismo tema. El domingo se ha organizado a mediodía una visita guiada por los puntos conflictivos de la ciudad.

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Eröffnung: Mi 14.05.03, 19 Uhr

Ausstellungsdauer: 15.05. – 24.08.2003

ZKM Lichthof 9

- > http://www.banquete.org

Die Ausstellung bankett. Metabolismus und Kommunikation nimmt den menschlichen Stoffwechsel zum Ausgangspunkt einer Untersuchung des Metabolismus unseres sozialen und ökologischen Systems. Das Potential der Globalisierung und die Politik der Informationsproduktion und -konsumption werden als globale Prozesse beschrieben, die den Stoffwechselprozessen des Körpers ähnlich sind. Die Analogie zwischen Metabolismus und Kommunikation soll hier zu einem tieferen Verständnis und zu einer kritischen Analyse des Informationsflusses in der heutigen Gesellschaft führen. Aus wissenschaftlicher Sicht bildet der Metabolismus ein dynamisches Netzwerk, in dem sich Material-, Informations- und Energieströme verwandeln und verbinden. Diese Ströme sind ihrerseits, so formuliert es der Soziologe Manuel Castells, »Ausdruck jener Prozesse, die unser wirtschaftliches, politisches und symbolisches Leben dominieren. [...] unsere Gesellschaft beruht auf Strömen: Kapitalströmen, Informationsströmen, Technologieströmen, Strömen der organisatorischen Interaktion, der Bilder, Töne und Symbole … Der Raum der Orte wird zu einem Raum der Ströme.«

»Bankett«, ein Begriff, den man von Alters her mit einem Forum des Austauschs und der Reflexion assoziiert, verweist in der Ausstellung auf die Frage nach dem Ort von Nahrungsaufnahme und Kommunikation. Mit der Etablierung einer Fast-Food Kultur und des Einzugs des Fernsehens in das private Leben rückte der Tisch, als ein Ort der gemeinsamen Mahlzeiten und des täglichen Gesprächs aus dem Mittelpunkt des sozialen Lebens. Die in der Ausstellung vertretenen Künstler reflektieren kritisch eben jenen Prozess der Abkehr von Jahrhunderte alten Kommunikationssituationen der Nähe, von der Nahrungsaufnahme als einem sozialen Akt der Kommunikation, zu Kommunikationsformen der Ferne, z.B. via Internet.

bankett formuliert die Analogie zwischen Metabolismus und Kommunikation im Sinne eines produktiven Mechanismus, der eine kritische Analyse jener mathematischen und kybernetischen Modelle und Instrumente erlaubt, die bisher unsere Vorstellungen bestimmen. Dabei zeigt die Ausstellung nicht nur einige der Symptome, wie Spannungen und Funktionsstörungen, die für den globalen Metabolismus bezeichnend sind, sondern auch Möglichkeiten, diesen Prozess zu charakterisieren.

bankett ist konzipiert als eine offene Konversation zwischen Kunst, Wissenschaft und Gesellschaft. In einer Gesellschaft, die von einer Ökonomie der Aufmerksamkeit bestimmt wird, versucht die Ausstellung das Bewusstsein auf die globalen Prozesse der Nahrungs- und Informationsdistribution und den Umgang mit natürlichen Ressourcen zu lenken. In einem Vergleich mit dem lokalen Prozess des menschlichen Metabolismus soll kritisch gegen einen homogenisierten Konsumenten mit gleichgeschalteten Bedürfnissen argumentiert werden.

bankett ist ein Gemeinschaftsprojekt zwischen dem Palau de la Virreina in Barcelona, dem Centro Cultural Conde Duque in Madrid und dem ZKM Karlsruhe. Im Sinne einer exhibition in flow realisiert jede Institution jeweils eine eigenständige Ausstellung, jedoch mit einigen gemeinsamen Projekten.

In Barcelona wurde die Ausstellung von Januar bis März 2003 gezeigt, auf die größte Ausstellungsstation Karlsruhe folgt Madrid (September bis November 2003). Anschließend erscheint ein gemeinsamer Katalog in Englisch und Spanisch, der auch die Beiträge der geplanten Vortragsreihen und der jeweils vor Ort entstandenen künstlerischen Arbeiten enthalten soll

Künstlerliste:

Artur Barrio [BR]
Joseph Beuys [D]
Marc Boswell [USA]
Patty Chang [USA]
Maureen Connor [USA]
Daniel Crooks [AUS]
Douglas Davis [USA]
Petko Dourmana + Pavel Kodjabashev [BR]
Juan Downey [RCH]
Bea Emsbach [D]
Peter Fend [USA]
Peter Foldès [CDN]
Jorge Furtado [BR]
Kit Galloway & Sherrie Rabinowitz [USA]
Daniel Garcia Andújar [E]
Martin Gostner [A]
Victor Grippo [RA]
Ramón Guardans [E]
Adolf Mathias [D]
Götz Dipper [D]
Martin Schüttler [D]
Mathias Gommel [D]
Renata Sas [D]
Ingo Günther [USA]
Mona Hatoum [GB]
Damien Hirst [GB]
Jenny Holzer [USA]
Zhang Huan [VRC/USA]
Infossil [D]
Arata Isozaki [J]
William Kentridge [ZA]
Kisho Kurokawa [J]
Atelier van Lieshout [NL]
Thomas Locher [D]
Margot Lovejoy [USA]
Hilla Lulu Lin [ISR]
Len Lye [NZ]
MAJIMA [J]
Piero Manzoni [I]
Theresa Margolles [MEX]
Lynn Margullis [USA]
César Martínez [MEX]
Gordon Matta-Clark [USA]
Paul McCarthy & Jason Rhoades [USA]
MVRDV [NL]
Josh On & Future Farmers [USA]
Nam June Paik [USA] und
Charlotte Moorman [USA]
Dan Peterman [USA]
Dieter Roth [D]
Zbigniew Rybcinski [PL]
Ira Schneider [USA]
Paul Sermon [GB]
Daniel Spoerri [CH]
Henrik Spohler [D]
Jana Sterbak [CDN]
Jiri Suruvka [CZ]
Sam Taylor-Wood [GB]
Minnette Vari [ZA]
Liu Wei [RC]
Peter Weibel [A]
Andreas Wegner [D]

Daniel García Andùjar / Technologies To The People
INDIVIDUAL – CITIZEN REPUBLIC PROJECT™, 2003
Internetprojekt, Hacklab
ca. 12 x 6 m
Courtesy Daniel Garcia Andujar / Technologies to the People
Ist es möglich, die individuellen Fähigkeiten von Bürgern durch neue Informations- und
Kommunikationstechnologien zu erweitern? Könnte sich solch eine erweiterte Kompetenz seitens der
Bürger zu einer neuen Vorstellung von Staatsbürgerschaft entwickeln, bei der die Ansichten und
Initiativen der Mitglieder die politischen, ökonomischen, kulturellen und sozialen Prozesse
beeinflussen würden? „Individual-Citizen Republic Project“, ist ein fortwährendes Projekt zur
Konstruktion und Erforschung eines neuen sozialen Prototypen eines autonomen Bürgers, der die
durch öffentliche Informationsquellen verfügbaren Ressourcen weiter befördert, anwendet und
entwickelt. Räumlich nimmt dieser Prozess die Gestalt einer Plattform an, die als genossenschaftlicher
Raum verstanden wird, der es ermöglicht, an der durch gemeinsame Initiativen, Hilfsmittel und
Handlungen ausgeführten Arbeit teilzuhaben, und damit ein breites Spektrum an Möglichkeiten der
kollektiven Intervention und Partizipation zu eröffnen.
Diese Plattform nutzt und entwickelt Technologien wie freie Software und offene Standards, die einen
höheren Grad an Unabhängigkeit und Autonomie bieten, und es für den übrigen Teil der Gesellschaft
ermöglichen, die kollektiv erwirtschafteten Ressourcen zu visualisieren.
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S’inaugura il 14 maggio allo ZKM di Kalrsruhe (D) la mostra b a n q u e t, Metabolism and Communication che prende il metabolismo umano come punto di partenza d’indagine dei più ampi e complessi meccanismi del ‘metabolismo’ sociale ed ecologico che ci circondano. Lo spazio di comunicazione sociale dato dal consumo di cibo è stato intaccato nel tempo dalla cultura del fast food e dall’invasione nello spazio domestico del mezzo televisivo. Fra le numerose installazioni ci sono le storiche performance in video di Marina Abramovic, una bizzarra storia segreta degli hamburger americani in ‘Ussa: Secret Manual Of The Soviet Politburger’ di Mark Boswell; le relazioni fra cibo, cristianesimo mediatico e televisione in ‘Food (For) Thought, (Three) Ingredients From The Mass Consumers Diet’ di Daniel Crooks; ‘The Last Nine Minutes’ di Douglas Davis, una delle prime performance con l’utilizzo di satelliti di comunicazioni dove l’artista è solo in uno studio comunicando a gesti con la sua invisibile audience. Questo concetto è ripreso qualche anno più tardi da Kit Galloway e Sherrie Rabinowitz in ‘Hole in Space’, dove un link pubblico satellitare stabilito fra New York e Los Angeles metteva in collegamento luoghi delle due città su grandi schermi, alterando la percezione di spazio e di tempo e creando una nuova dimensione nella topologia del media space. Presenti anche ‘Individual-Citizen Republic Project’ di Daniel García Andújar – Technologies To The People sul nuovo concetto di cittadinanza evoluto tramite le nuove tecnologie, ‘Minds of Concern: Breaking News‘ dei Knowbotic Research, il controverso lavoro che utilizza un Public Domain Scanner per analizzare la vulnerabilità dei network sottoposti, ‘Frontiers of Utopia’, un’installazione interattiva di Jill Scott che fa raccontare ad altrettante donne del novecento la loro esperienza negli USA, dall’immigrata russa di inizio secolo al computer engineer degli anni novanta, contestualizzando lo spazio e il tempo a cui ciscuna protagonista appartiene, ‘The tables turnes, Three Parts’ di Paul Sermon, una rappresentazione virtuale di un tavolo in cui tre persone dislocate nelle tre sedi della mostra (Barcelona, Karlsruhe e Madrid), possono comunicare in videoconferenza e ‘News’ di Jiri Suruvka, un programma fittizio di notizie televisive, parodia di news celebri mimate in costume da Batman e in cui l’unico suono è il masticare di patatine fritte del ‘giornalista’ che crea così una relazione a distanza con il passivo telespettatore.

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