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Valencia, del 23 al 25 de septiembrede 2008.

El proyecto expositivo Herramientas del arte. Relecturas quiere definir el concepto de herramienta en el arte contemporáneo planteándolo desde la noción de relectura, que aquí entendemos como aquello que volvemos a leer, pero que no es tanto revisionismo como cuestionamiento, de nuevo, del propio medio. La intención es ubicarse en la fina línea que separa el arte de un número importante de materias sociales a las que acude en busca de base teórica sólida, de información que le sirva como puente entre campos de conocimiento o, simplemente, que emplea como necesario distanciamiento de la mera representación.

Como cierre de este proyecto se presentan las jornadas de debate Todo para los artistas, pero con los artistas, durante los días 23, 24 y 25 de septiembre, en el Col•legi Major Rector Peset, de la Universitat de València. La intención de Herramientas del arte. Relecturas es emplear las diferentes herramientas de que dispone el entramado artístico contemporáneo para desarrollar opiniones. Como primer paso del proyecto se puso en marcha el blog www.herramientasdelarte.org, en noviembre de 2007, con la intención de ir llenando de contenido la labor procesual que se había iniciado algunos meses antes entre artistas y comisario. El Taller/Encuentro teórico/práctico impartido por Rogelio López Cuenca y Daniel G. Andújar en el Departamento de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de Valencia en marzo de 2008, supuso una primera presentación de intenciones de ambos artistas, que han trabajo en estrecha colaboración. Algunos de los conceptos tratados en ese contexto, tales como autoría, colectividad o archivo audiovisual se han desarrollado ampliamente en la muestra resultante.

La exposición propiamente dicha se inauguró el 24 de junio y concluye el 30 de septiembre, días después de la celebración de estas jornadas de debate. Un encuentro con Isidoro Valcárcel Medina y visitas comentadas in situ en la Sala Parpalló quisieron dejar constancia de la importancia de la palabra en este proyecto y, por derivación, de la importancia del comentario, el texto y el debate en el arte contemporáneo. Todo para los artistas, pero con los artistas hace alusión a la importancia que los artistas tienen en el entramado cultural y artístico y, en cierta forma, apuesta por que se cuente con sus opiniones de forma ejecutiva en la toma de decisiones de las políticas culturales. La intención de las mesas de debate que componen estas jornadas es hablar de tres aspectos determinantes en el proceso artístico: el oficio de artista hoy en día, en un momento de evidente hibridación de técnicas y prácticas artísticas; el entramado que conforman mercado, crítica e instituciones artísticas como elementos inseparables de la actividad creativa en las actuales industrias culturales; y los procesos de producción y difusión que los artistas proponen como actividad paralela a su quehacer artístico y que devienen modos alternativos a los oficiales.

PROGRAMA

Martes 23 de septiembre
Presentación de las Jornadas a cargo de Ana de Miguel, Directora de la Sala Parpalló, Diputació de València.

El oficio de artista
El concepto artista está definido en la actualidad más por un compendio de actividades, prácticas y expectativas alrededor de su trabajo que por la elaboración clásica de obras denominadas artísticas. La hibridación de técnicas ha llevado consigo también la hibridación de prácticas, poniendo en cuestión la definición de artista tal y como se conocía hasta hace unas décadas. Términos como precariedad o supervivencia siguen siendo, pese a la ampliación del parque museístico estatal, el talón de Aquiles de la normalización de su práctica profesional. Cómo viven los artistas hoy, los más consolidados y los emergentes; de qué autonomía profesional disfrutan; qué tácticas de pluriempleo utilizan para gestionar su profesión… son cuestiones que se debatirán en esta mesa, tras una breve presentación de la obra de cada uno/a de los/as artistas.

Intervienen: Chema López, pintor y profesor de BBAA, Virginia Villaplana, artista visual, escritora, productora cultural y profesora de la UV, Álex Francés, artista visual, Regina de Miguel, artista visual, Fermín Jiménez, artista visual.

Modera: Álvaro de los Ángeles, crítico de arte y comisario del proyecto Herramientas del arte. Relecturas.

Miércoles 24 de septiembre
El entorno del arte
Las galerías de arte y su vinculación con el mercado, los medios especializados donde se desarrolla la crítica, las instituciones públicas o privadas son, entre otros, elementos decisivos para difundir y promocionar el trabajo de los artistas. Pero ¿qué relación establecen unos con otros? ¿Hasta dónde llega la relación contractual y comienza la personal? ¿Siguen estando activos los elementos claves de la crítica, a saber, la empatía o no con lo criticado y la distancia crítica imprescindible con la obra y los artistas? ¿Qué espacio ocupa el público en el arte contemporáneo?

Intervienen: Ricard Huerta, educador artístico, Tomás March, galerista, Maite Ibáñez, doctora en Historia del Arte, José Luis Pérez Pont, crítico de arte y comisario independiente, Toño Barreiro, artista y profesor de la UPV.

Modera: Eva Caro, Gestión de proyectos Sala Parpalló, Diputació de València

Jueves 25 de septiembre
Modelos de producción y difusión artísticos
La aparición y empleo de nuevas herramientas de producción y difusión artísticas, con Internet a la cabeza de una transformación social de alcance todavía insospechado, ha traído consigo la posibilidad de generar plataformas activas manejadas con presupuestos mínimos por equipos reducidos, cuando no por el esfuerzo de una única persona. Sus acciones derivan tanto de la inconformidad ante la inoperancia contrastada de determinadas instituciones públicas y privadas de dar soluciones ajustadas a demandas concretas, como de la voluntad personal de generar nuevas vías de comunicación social y artística. Muchos de estas plataformas generadas en el ámbito artístico se han creado y se mantienen por el empeño de artistas inconformistas.

Intervienen: Lorenzo Sandoval, La Tejedora CCEC, Juan José Martín, Jujo-Otro Espacio, Rafael Tormo i Cuenca, artista, Nacho París, artista.

Modera: Johanna Moreno Caplliure, Crítico de arte y comisaria independiente, co-gestora de Pizpireta.

Lugar:
Col•legi Major Rector Peset, Universitat de València.

Fechas:
23, 24 y 25 de septiembre de 2008.

Horario:
de 19:00 a 21:00 horas.

Para más información:
www.salaparpallo.es

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JAVIER MARROQUÍ Artecontexto, Nº 19 / 2008 / 3

In Valencia we are always in the midst of a crisis, and I don’t mean an economic one; although that, too, although it will never be acknowledged-but a cultural one. For years we have been subjected to a situation in which the institutions have seized control not only of cultural management but also of creation. I begin this way because I regard it as necessary to align ourselves with the Herramientas del arte. Relecturas [Tools of Art: Re-readings] project curated by Alvaro de los Ángeles, with the firm proposition of re-reading and reflecting again upon on the players in the art world and the perennially problematic relations amongst them. This is a customary activity of several producers who (still) work from Valencia. A need seems to be felt to begin to criticise what is going to be done, before anything is done. I regard this more as an inevitable attitude than as an obligatory stance. And it is only to recall that Alvaro de los Ángeles has been faithful to this critical spirit for years.
The starting point for a reflection has given rise to a procedural project, or a “project like a living organism”, as its curator defines it. Open and unceasing dialogue amongst all participants -the artists Isidoro Valcarcel Medina, Rogelio Lopez Cuenca, and Daniel García, the institution’s manager Ana de Miguel, and the different critics-is one of the curator’s firm intentions to break in this way the customarily close relations between the parties and the challenge of a new type of authorship, that of the curator. The Herramientas del arte. Relecturas show, which remains open until next 30th September, is only one more phase of this open-ended initiative. Previously, a workshop/encounter with Rogelio Lopez Cuenca and Daniel Garcia Andujar was staged at the Valencia’s Polytechnic University, and a blog was launched: www. herramientasdelarte.org, giving online projection to the production of knowledge that has invariably been pursued, in opposition to the aesthetic-contemplative exhibition model. Likewise, a notebook has just been published with a variety of articles by the writers mentioned, and another by Ivan de la Nuez, which was originally entitled Intelectuales en la era de la imagen, [Intellectuals in the Age of the Image] and is now rechristened as En paracaidas o con paraguas. Arte, politica y supervivencia [With a parachute or an umbrella: art, politics and survival]. On the 26th an encounter was held with Isidoro Valcarcel Medina. And lastly, for the closure of the exhibition period; from 23rd26th September, a new series of round-table discussions with artists is to be held and a second publication will be produced with a variety of articles about the current situation of art with respect to the social sciences, in which writers belonging to different disciplines with reflect about the convergence of these social issues with the practice of art.
For Alvaro de los Angeles, the tools of art named in the title are “all the technical and conceptual possibilities that may be used to define and question our surroundings, from an instrumental viewpoint, and with an aesthetic aim”. Thus they include, on the one hand, the tool as technique, which allows us to analyse the infinite possibilities of today s technology and the use that the arts may put it to, a matter about which Garcia Andujar has a great deal to say. And, on the other hand they include, amongst the tools in the artist’s hands, the concept or the idea and the driving force of today’s artistic practice. And, tying in with this, special attention is paid to the huge body of social issues which art attempts, more or less decisively, to achieve a new -or renewed- position -certainly a privileged one-to understand and explain, but at the same time to intervene in, society.
This, possibly excessive, exercise in extension of the “tool” concept is in fact nothing more than an offshoot from one of the other main lines of this projects: the questioning of the very figure of the artist. In the exhibition, Rogelio Lopez Cuenca and Daniel Garcia Andújar, working together for the first time -and thus delivering another blow to the “author” concept-, have sent up an enormous installation comprising an audiovisual display ad hundred of still photographs extracted from the morass of images about artists made by the mass media. The capacity for summary that they offer is overwhelming. The multiplicity of posters, magazine pages, television commercials, scenes from well-known films, newspaper photographs, etc., concerning artists, museum’s and art professionals which, according to the artists themselves manage to convey the idea that society has of art and its practitioners. But it also shows, perhaps with even more irony, how society uses these images, how it takes advantage of the pantomime of its own creation.
Meanwhile, Isidoro Valcarcel Medina shows his S/T (Sobre el arte cultural) [S/T (on cultural art)], a project that began with the mailing of 500 letters to all Spain’s museums, arts centres, foundations, and similar institutions. The letters explain that Valcarcel’s installation was to consist of a huge stand of shelves holding a series of empty cardboard boxes to symbolise each of the institutions that received the letter. This representation would be made clear to the public by the inclusion of a label bearing the name of each one. Then the letters asked the manager or manageress to defray the cost of the cardboard box: six euros, though explaining that the box would be included even if the money were not paid. But a red stamp would distinguish those that had been paid for. The upshot was that only a small handful of boxes appear with the red stamp. Valcarcel Medina’s aim with this ironic game with art institutions was to speak of the present moment in the relations of art to art institutions, a relation that the artist believes is characterised by an increasing institutionalisation of art.
To carry on with the image of the project as a living organism, we might say that it is a highly developed creature, with a workshop, a blog, an exhibition (with a rich documentation zone), meetings, and publications that spawn many questions concerning the state of art today, the role of the artist, the tools of art, cultural policies, etc. It is a very complex form that may be studied from numerous viewpoints. But it is also true that this sort of project needs even more, especially with regard to its exhibition phase. The selection of the three artists is very striking, but for such a project to succeed in conveying all its complexity calls for more resources, I repeat, especially in the exhibition. Naturally, as we have said, it is a good go outside the centre and involve the university in the life of the city. But one would have welcomed a greater variety of artists and proposals.
At all event, it is a praiseworthy initiative, and the more so in staid Valencia, showing courage and ability to make an exhibition into a space that works on the two key tasks of cultural production today: one, to transform an exhibition project into a mechanism of production and knowledge, and two, the work of the artist as a researcher.

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Herramientas del arte, Comisario: A. de los Ángeles. Sala Parpalló. Alboraia, 5. Valencia. Hasta el 30 de septiembre.

¿Cómo hacer una exposición sobre el cuestionamiento de la relación entre artista, institución, obra y público? ¿Cómo poner sobre la mesa estos aspectos sin dejar de mostrarlos y, por lo tanto, representarlos en el espacio físico de un museo o un centro de arte? ¿Es el arte contemporáneo, con sus numerosas aportaciones y confluencias con materias sociales como la política, la sociología, la antropología o los medios de comunicación…, el vehículo idóneo para entender mejor la sociedad contemporánea? Estas son algunas preguntas a las que da vueltas el proyecto Herramientas del arte. Relecturas, ideado por Álvaro de los Ángeles, y en el que participan Isidoro Valcárcel, Rogelio López Cuenca y Daniel G. Andujar. El proyecto tiene la pretensión de ir más allá de una simple exposición y convertirse en un foro de debate. Y es que, efectivamente, son demasiadas preguntas para poder ser respondidas en una exposición.

El planteamiento de la muestra –según sus responsables– consiste en reflexionar sobre todos los agentes que intervienen en el proceso de creación, exposición y especulación artísticas. Para ello, los artistas se han puesto de acuerdo en la realización de una gran instalación en la que prácticamente se disuelve la autoría. Isidoro Valcárcel presenta S/T (Sobre el arte cultural) consistente en la instalación de diversos archivos en los que se registra cada una de las instituciones artísticas existentes en España. En torno a este trabajo, Rogelio López Cuenca y Daniel G. Andujar plantean un recorrido fotográfico en el que se documentan inauguraciones, visitas a exposiciones, portadas de revistas, etc., así como una proyección en la que el arte está en el punto de mira del cine y los medios de comunicación.

De ese modo, esta exposición trata de poner en cuestión la labor del artista, su papel en el entramado artístico y social, y sus relaciones con las instituciones culturales. La cuestión de la institucionalización del arte fue problemática central del arte ya en los setenta, tanto como la asunción de determinadas posiciones políticas. Proyectos como Incide (Centre of Guggenheim) de 1971 de Daniel Buren o Shapolsky et al. Manhattan Real Estate Holdings, a Real-Time Social System, as of May 1, 1971 de Hans Haacke, junto a otros muchos en aquellos legendarios años, demostraron el reto que suponía la concepción radical de que la información podía ser arte, así como la capacidad que todavía podía ofrecer el arte para desenmascarar sus vínculos con el poder, trabajando desde las tripas de la propia institución.

Desde entonces, siguiendo la estela del dadaísmo, numerosos artistas han tratado de producir obras indigestas para un estomago acostumbrado a asimilarlo todo. La cuestión es si se ha conseguido invertir una situación que se asienta en la definición misma de arte moderno, o si, como apuntaría Danto, de lo que se trata es del fin del arte, y de trabajar bajo otros parámetros que se llamarán arte o no. “La idea de modernidad –señala Gablik– ha agotado su período de duración. Su legado nos exige que miremos ateniéndonos a su propósito y no a su estilo, si queremos lograr que la concepción personal se transforme de nuevo en responsabilidad social. ¿Ha fracasado la modernidad? Puede que no podamos responder a esta pregunta mientras no rectifiquemos los parámetros con los que valoramos no sólo la felicidad y la desdicha, sino también el éxito y el fracaso”.

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La exposición ha sido inaugurada este martes y podrá visitarse hasta el 30 de septiembre

Imagen de la muestra inaugurada este martes en la Sala Parpalló de Valencia (Foto: BENITO PAJARES).

VALENCIA.- La Sala Parpalló de Valencia inaugura este martes la exposición ‘Relecturas. Herramientas del arte’, en la que Isidoro Valcárcel Medina, actual Premio Nacional de las Artes, el autor y poeta Rogelio López Cuenca, y el net-artista Daniel G. Andújar critican la “institucionalización y oficialización” del arte y se plantean su papel en el contexto tecnológico actual.

La muestra, que se podrá contemplar hasta el próximo 30 de septiembre, está comisariada por Álvaro de los Ángeles y se enmarca en un proyecto más amplio que se ha desarrollado a lo largo de un año y medio e incluye la celebración de talleres, la creación de un blog y la edición de un libro, entre otras propuestas.

El objetivo principal de esta iniciativa es “replantearse la función del arte contemporáneo y trazar redefiniciones de planteamientos artísticos“, explicó De los Ángeles.

Para ello, la selección, que está concebida como una “tormenta de ideas”, apuntó el especialista, recurre a recursos informáticos, fotografías, vídeos, CD-ROMS y otras nuevas tecnologías digitales para cuestionar los roles del artista y del propio arte contemporáneo con la sociedad y ofrecer una nueva relectura sobre la creatividad plástica.

Una de las premisas principales de la exhibición es la crítica hacia la “excesiva oficialización del arte contemporáneo, que al parecer de algunos es restrictiva y frustrante”, subrayó, por su parte, Isidoro Valcárcel. De hecho, la pieza central de la muestra, realizada por el Premio Nacional, consiste en una instalación compuesta por cera de 500 cajas vacías que representan cada una de ellas a los cientos de museos e instituciones culturales de España.

Hace unos meses, el artista envió a todos ellos una carta en la que les pedía que colaborarán con 6 euros y que, de hacerlo así, en su caja aparecería un distintivo para destacar su aportación al proyecto. Tan sólo una decena de entidades -entre ellas el Reina Sofía, la Fundació Tàpies y la propia Sala Parpalló, cuyas cajas están marcadas con una pequeña etiqueta roja- aceptaron esta original demanda.

Los artistas López Cuenca y Daniel G. Andújar coincidieron en señalar que el proyecto de la Parpalló “es una oportunidad para experimentar y poner en cuestión el rol de las instituciones, el estatuto del arte, el rol del artista -en lo que respecta a autorías, derechos de reproducción y copia-, que se ha desarrollado de manera procesual y el diálogo como herramienta básica”.

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Una exposición -compuesta por montajes de Isidoro Valcárcel, Rogelio López y Daniel Andújar, en la que se pone en cuestión la labor del artista contemporáneo y sus roles dentro del entramado artístico y de la sociedad- se puede contemplar desde hoy hasta el 30 de septiembre en la Sala Parpalló de Valencia.

La muestra ‘Herramientas del arte. Relecturas’, comisariada por Alvaro de los Angeles, que recurre a recursos informáticos, fotografías, vídeos, CD-ROMS y otras nuevas tecnologías digitales,trata de cuestionar el arte contemporáneo con la sociedad y ofrecer una nueva relectura sobre la creatividad plástica.

Así la ha descrito en una conferencia de prensa el diputado de Cultura, Salvador Enguix, al que acompañaba el comisario, Alvaro de los Angeles, los artistas Isidoro Valcárcer, Rogelio López y Daniel Andujar y la directora de la Sala, Ana de Miguel.

Salvador Enguix ha dicho que en la exposición se debaten los roles dentro del entramado artístico y de la sociedad, las relaciones con las instituciones culturales, el compromiso personal y la responsabilidad de la educación y el público.

‘El arte se convierte en esta forma en una herramienta del recorrido audiovisual y tecnológico que lo social pone al nuestro servicio’, ha señalado el diputado.

Por su parte, la directora de la sala, Ana de Miguel, ha dicho que ‘los autores plantean la función del arte contemporáneo desde la relectura, entendida no tanto como volver a leer para realizar una revisión sino como cuestionamiento del propio arte’.

El comisario de la muestra, Alvaro de los Angeles, ha precisado que ‘sobre los cimientos de renovación y cuestionamiento constantes los artistas Valcárcel, López Cuenca y Andújar pretenden emplear las herramientas que el arte pone al servicio de todos, siendo conscientes de las necesidades propias y las limitaciones del entorno’.

Ha dicho que la intención de la exposición es ubicarse en la fina línea que separa el arte de un número importante de materias sociales a las que acude entre campos de conocimiento o que simplemente emplea como motivo necesario que la distancie de la mera representación’.

El valenciano Daniel Andújar cuestiona en su montaje, mediante la ironía y la utilización de estrategias de presentación de las nuevas tecnologías de la comunicación, las promesas democráticas e igualitarias de estos medios y critica la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia.

Por su parte, el trabajo de Isidoro Valcárcel supone una actitud comprometida y alejada de los aspectos comerciales del arte, ya que éste sólo tiene sentido cuando hace conscientes y responsables de una realidad personal, normalmente a través del propio juego del arte.

Rogelio López utiliza distintos soportes y medios de expresión, como la música, performance y vídeo, y recursos del constructivismo, del dadaismo y del pop, para recrear imágenes que remiten a los medios de comunicación de masas.

Terra Actualidad – EFE

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Daniel G. Andújar: The practice of art, as I understand it, must also become a show of “resistance,” a model that obstinately wants to remain in a space of relationships which are more and more hierarchical, diffused, globalised, standardised… Those who direct the framework of cultural industries and the management of cultural institutions abandoned, decades ago, the processes of creating new contents and cultural production as a collective construction. Most of the professionals who run this framework are simply developing a personal power structure, climbing up the ladder to the most visible and media-friendly part of the public and private art institutions. They flaunt their power and reign over the reality of their little empire. The Art Institution has been absorbed as just another mechanism in the process of service production. It is an active part of the touristisation process in the urban context and participates in the complex re-adaptation of the new city’s infrastructures. Artists have been pushed out of the court to make way for a new elite of cultural managers who work in ivory towers, conceived more like mausoleums, on biennial events.
Clearly, this model implies a conflict of interests and this radicalisation of positions is taken advantage of in a very opportune way by those in power and those highly placed in these visible spaces. A visibility which, up to now, has been given to them in the traditional media, that is, in Radio, Television and the written Press. Who are the owners or, at the very least, who control these media? And, what is even more important—who are their allies?
To us artists, it is clear—either we join this new management system, or we move on to architecture to recover good favour of the court. Anything else puts us in a permanent situation of loss. Of course, we can also put ourselves in a (permanent?) state of resistance. I choose this latter option. The models are continually being defined. Fortunately, current information and communication technologies have created a new framework for action, in which previous situations as well as new scenarios develop, and artists can also take advantage of this. I believe that these changes are creating a crisis in the dominant cultural models of distribution and management. The digital space did not emerge simply as a medium permitting communication, it also emerged as a new theatre for all kinds of operations. And this is clearly a disputed space in which the old hierarchies of its interests are threatened. Art also has a political function there which needs a clear ethical stance. Art, like any cultural process, is basically a process of transmission, transference, of a continuous, permanent and necessary dialogue… but we mustn’t forget, it is also transgression, rupture, irony, parody, appropriation, misappropriation, confrontation, investigation, exploration, interrogation, opposition. We therefore search for the ideal context which permits this idea to develop in the best conditions. And if they don’t exist, we have to try to create them.

ÁdlÁ: Let’s expand on the subject of social commitment. It seems almost unthinkable that the work of a specific artist, especially if his work is characterised by a battle with social themes, could not be on a par with his or her way of behaving when faced with certain political matters. And, nevertheless, history is full of intellectuals, poets, artists, philosophers… whose work has transcended their time and is considered outstanding, while their personal actions could be judged—and in fact have been judged—as inappropriate, not only in relation to their work but, from an ethical point of view, also in relation to everything else. This is still a very current topic.
Perhaps because of its intrinsic descriptive vocation, by making obvious and visible personal interpretations of important matters, art is always kept away from the making of decisions, not only in the realm of politics, but also in culture. In fact, cultural policies themselves are frequently planned by political offices defined by a marked cultural phobia or, at the very least, a reductionist vision of culture. Culture is understood as the accompaniment for a group of important and decisive matters and personages.
Is the artist’s public dimension what makes up the institutional art spaces, the galleries, the new spaces which provide technological tools hosted on the web… or is it rather a private space, which each person makes his own, becoming visible in a personal and almost unpredictable way? Can there be gestures, actions, itineraries… which emerge as a joint effort, or does the hyper-individualism of art only permit uni-personal acts?

DGA: In the new configuration of cultural industries, in which more and more people are employed, artists are found at the lowest level of this hierarchy and are at the rear end of the economic rewards the system produces. In other words, there are a lot of people earning a living in this world, but it seems like the artists are rather “risking their lives.” And I ask myself, can the Art system support itself without contemporary artists? It seems that many institutions can. Fortunately the practice of art is not only confined to the boundaries of the institution or the marketplace, it can and must find new territories to develop new proposals—and if we can’t find them, then we have to invent them.
One of the territories we can operate from is the notion of intellectual property, whose prevailing system is certainly in urgent need of revision and reformulation, as it should be evolving towards a new, freer cultural context. The laws implemented by our political leaders under the new Intellectual Property Law, such as the right to make personal copies—now reduced to the bare minimum—are anachronistic for the Internet Age. I understand the current regulations as imposing a real burden on creating, on accessing information, and on the spreading of knowledge. I think that these are the kinds of territories where visual artists can show signs of commitment and make examples with their work; without them, their ability to act becomes very limited. Historically, their work has been associated with visions that are too egocentric, hyper-individualistic, focussing on the vision of the one-of-a-kind object as the sole material reference to their work. Transformed into mere exchange value in a market that, at the same time, is also evolving, in its own economic context.
As we mentioned earlier, we are immersed in a deep process of change which is creating attitudes permitting the management, on a global level, of different movements in favour of the development of new forms of innovation and collective creation, as well as being in favour of freely sharing the acquired knowledge and the right to use it. It is a complex, global process of co-operation and development that is constantly increasing its participants and interests. They are ways of organising work that have been declared more productive and which are tremendously able to direct these innovations towards the goal of communal interest. Social co-operation reveals its powers of innovation and creation, understood as the best way to support a model which allows for the distribution and expansion of the contents for the participants, the users and the audience. Obviously, artists must belong to the change process. And it will not be easy to adapt.

ÁdlÁ: According to what you say, and to what we have discussed on other occasions with Rogelio López Cuenca, it is safe to assume that the artist’s purpose can no longer be that of merely representing the world, understanding this representation as an action which allows him to create work proving the creative, different individuality of each artist. However, in all artistic forums, the artist’s creative particularity, his hallmark, continues to be what determines his quality. Is this a contradiction? If so, how can we come to terms with it, as artists who are active in the art world?

DGA: Well, there is still a lot of resistance to moving away from certain air-tight containers. In my opinion, it is extremely important to be able to abandon these traditional, limited sites that exist in the already narrow world of art. We make up part of a much wider cultural and social context which, in turn, is trying to digest one of the greatest cognitive changes of transformation in recent decades, if not the last few centuries. As I understand it, art can not limit itself to simply airing out the great questions about the human and the divine—nor obeying strategies which are purely aesthetic or of the marketplace—but rather it must be committed and involved in social and political processes.
We have to show our ethical commitment with the work we do, incorporating it into the part of the development process of the different aspects constituting our social, political and cultural context. We are living through a re-formulation of the processes of production, transmission and appropriation of symbolic goods that make us reconsider models of the construction of subjectivity and social organisation. Walter Benjamin, already in 1934, wrote this in regards to producers: “An author who does not teach writers, does not teach anyone. The model character of production is then decisive; in first place, it instructs other producers in the production and then, in second place, it is capable of putting an improved apparatus at their disposal. And when more consumers take this apparatus to production, the better it will be.”
We must begin redefining the role of the artist in this society, even within its specificity, and there is nothing wrong with that—or is this the only field that can not have a crisis or be in a state of constant change? Aren’t other disciplines—educators, journalists, scientists—trying to redefine or rethink their role in society, to gradually adapt to change, to find their position in society? A process must be started to break with the classic conception of the artist, in order to create a different one, which should be processual in nature, akin to the character of an analyst, informer or critic, within a reality of logical answers to the current situation of the exclusionist, bourgeois art institution—the museum, the market, the academic world, the conservative concept of the artist. Artists have to offer alternative actions, to open spaces of confrontation and criticism. This implies going into the arena, questioning the structure as a whole, and convincing others that we can restructure the entire system using different parameters, other processes, different from the ones proposed by the current courtier artists, official portraitists, roundabout artists, and decorators in cahoots with the powers that be. We can not resign ourselves to going back to the cathedral, to paint vaulted ceilings in theatres, and to decorate the apartments of the nouveau riche of the construction business. Obviously, we’re pushing the issue one step further, reformulating a thorough rereading, but I don’t believe that we are doing anything more than observing what is going on around us and questioning it, questioning it all the time, learning to read on the backside of images. It is nothing new.

ÁdlÁ: The question of survival is fundamental if we want to clarify what the artist’s task is and what his place within the artistic framework is. As we pointed out earlier, it seems that the artists are “risking their lives” doing what they do, rather than making a living like any other worker who does his job. Speaking of this, I would like to bring up one of Iván de la Nuez’s ideas from his text included in this publication, bearing the subtitle “Art, Politics and Survival.” In the last part of the text, which had already been published in the cultural supplement Babelia under the title Intelectuales en la era de la imagen [Intellectuals in the era of the image], Iván argues that visual culture is slowly but surely substituting written culture as the “transmitter of knowledge.” And he argues that artists are therefore faced with the task of becoming the intellectuals of the era of the image.
This idea, which is doubtlessly a key to understanding the more and more specific complexity of contemporary art, brings up, however, other doubts, among which, from my point of view, the term “intellectual” is foremost. We should question if this term, and everything it has meant historically, is helpful for the communication of new ways to understand art, or if it is weighed down by too much baggage. That is, if the word intellectual would also need redefining or a rereading within the cultural territory, where, as you have said, everything is in the process of transformation.

DGA: I don’t understand it so much as some taking the place of others, but rather as a situation in which we are moving closer to a stage where it will be difficult to identify cultural sectors that are completely autonomous. This might seem to contradict the fact that it is more and more difficult to grasp reality in an individual and autonomous way. We need to create, as a group, new ways of learning and collaborating to carry out any task. We are submerged in a world where the transmitter and the receiver act simultaneously. In a very short period of time, we have gone from visiting the museum, the library, archives, to physically living inside the Archive. As individuals, we do not have the capacity, or the memory, to take in the whole System. Researchers have warned us that the human being has a work memory capacity limited to remembering four things—no more—although we can use tricks like repeating something many times, or grouping things together. How then are we going to manage with this huge quantity of documents, information, images… We have to create mechanisms which would allow us to transform all of that noisy mess into specific knowledge to be able to develop any specific activity in our personality. We will have to embrace this collectively, and look for new mechanisms from the enormous variety of fields and disciplines. Surely beginning with education. Here, no one is superfluous, just as no territory is exclusive to any one person or group.
If we were speaking in traditional terms, like one speaks in museums, that is, of the public, the viewer—the audience the artist’s work will be aimed at—today, more than ever, they are used to very sophisticated representation techniques borrowed from the mass such as advertising or television, but especially from the recent change in consumer habits of the media, brought about by the extensive appearance of the Internet, personal telecommunication tools, such as the mobile phone (which is also a camera for both videos and photos) and the systematic introduction of the computer in the private sphere. The visual is specifically associated with the contemporary territory of the digital: digital entertainment, advertising… Artists are no longer the only ones with the ability to influence the visual imaginary. Moreover, I think we have lost part of that ability and perhaps it is time to stop making any more noise, to stop producing images. This does not necessarily mean to stop working with images, which is something us artists know quite a bit about, or at least we should. Let’s join that battle, but let’s value other points of view. We should discover what lies behind those images; indeed, teach how to decode; help crack the code of visual frameworks; show the backsides of all these images; expose their entrails. It is a language filled with potentials, but it is immersed in a battle to control it. “Language changes the world,” said Rogelio López Cuenca in a recent interview. This is one of our fundamental battlegrounds—Is that an intellectual stance? I don’t know. But we’re working on it.

Herramientas del arte. Relecturas
Un proyecto de Álvaro de los Ángeles con Isidoro Valcárcel Medina, Rogelio López Cuenca y Daniel García Andújar
Sala Parpalló, junio-septiembre de 2008

Valencia, Calle Alboraia, 5, 46010, al lado del convento de la Trinidad
Tel: 34 963 614 415. Fax: 34 963 936 197
salaparpallo@xarxamuseus.com

Martes a sábado de 10 a 14 h. y de 16 a 20 h.
Domingos de 10 a 14 h.

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Durante la mañana, se realizaron las presentaciones pertinentes entre Rogelio L. Cuenca y Daniel G. Andújar y entre todos/as los/as participantes al Encuentro/Taller. La intención era colocar sobre la mesa las inquietudes e intenciones de cada cual y, a su vez, las líneas de actuación que los dos artistas propondrían durante su celebración.

Daniel se encargó de plantear durante gran parte de la sesión matinal en qué situación se encuentran las tecnologías aplicadas al arte contemporáneo, pero sin centrarlo en los temas específicos que planteal el proyecto expositivo Harramientas del arte. Relecturas, donde este Encuentro/Taller se inscribe.

Se planteó una suerte de cartografía sobre la práctica artística, el mercado del arte, las teorías de resistencia y acción posibles, y se lanzaron mensajes optimistas sobre las posibiliades reales del arte en la sociedad. No en un sentido revolucionario o transformador como el empleado en las primeras décadas del siglo XX, sino como de aprovechamiento de espacios de libertad existentes tanto en algunas prácticas artísticas, incluso dentro del ámbito institucional, como especialmente a través de la red, donde la transformación es continua y cada vez más plantea el problema de la reactualización a propósito del uso de los medios.

Otro momento importante se centró en los canales que los artistas poseen para hacerse oír. La importancia de las asociaciones artísticas, como la Asociación de artistas visuales de Cataluña por ejemplo, representa el asidero legal y la plataforma óptima para defender los derechos de los artistas en temas tan decisivos como la relación con las Instituciones, en cuanto que exponen durante un tiempo concreto comercializado sus obras, o el propio mercado artístico, como las galerías o las ferias de arte, en concreto se comentaron ejemplos recientes de la feria ARCO.

La sesión de la tarde se centró en la presentación que Rogelio L. Cuenca hizo de una parte de su trabajo en cuanto que cuestionador social y estético. Analizó y expuso el modo en que las ciudades se han amoldado a tácticas de comercialización imparables, amparadas bajo temas fetiche y la asunción popular y acrítica de éstos.

El caso de estudio en el que se centró fue el de la ciudad de Málaga y su relación espectacularizada con el artista Picasso o, mejor dicho, con la recreación de la ciudad a imagen y semejanza del modo de vida y trabajo del artista nacido en Málaga.

Dos conceptos que sobresalieron de su exposición fueron el de “ciudad zonal”, es decir, cómo las ciudades han evolucionado hacia un progreso de servicios y de compartimentación que evita la interrelación social y potencia el aislamiento, la vigilancia y control del espacio público en pos de una seguridad ciudadana.

El otro fue el de la “reinvención del pasado”, su reconstrucción continua que es aceptada por parte de la ciudadanía y que no parece tener fin, y que en Málaga ha derivado en la “picassización de Málaga y la malaguización de Picasso”.

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