Siguiendo el buen ejemplo de la sociedades capitalistas desarrolladas, la actividad terciaria, la prestación de servicios, se ha convertido en uno de los sectores clave de la economía de este país (España). Diría más, los servicios de ocio y turismo se han convertido en una necesidad, hasta el punto de convertirse en la principal fuente de divisas y en el motor económico que alimenta toda una nueva idiosincrasia. Es un papel en perfecta armonía con la fuerza dinámica de la economía global que asumimos de forma colectiva con cierto conformismo ¿Quién no se ha sentido alguna vez en este país, o ha ejercido directamente, de guía turístico o camarero? Nos viene en el DNI (Documento Nacional de Identidad). Nuestra disposición para el servicio es puesta a prueba con cierta periodicidad ya que en reiteradas ocasiones nos vemos obligados a ejercer de guías ocasionales para familiares, conocidos y amigos que vienen de visita y necesitan del perfecto anfitrión que los oriente por el complejo y fascinante mundo de la tapa, el flamenco, la paella, la cala, la ruina, el museo, la catedral, etc., según afinidades y naturaleza del visitante, guía y lugar en concreto. Nos convertimos en mediadores ocasionales filtrando de forma subjetiva la información que conforma parte de nuestra realidad más inmediata, y lo hacemos de forma automática, casi profesional, sin darnos cuenta, destilamos la realidad a nuestro antojo, de acuerdo a nuestras preferencias. Y cuento todo esto porque en una de estas jugadas, me vi ‘obligado’ a acompañar a una amiga investigadora hasta la capital del Reino, donde debería orientarla, fundamentalmente, en una investigación que estaba llevando a cabo en torno a la cultura del archivo y que pronto verá la luz con forma de ensayo en la lengua franca de la sociedad de la información, el inglés. Guiar, manipular, interpretar, filtrar, condicionar, orientar, mediar, priorizar, jerarquizar… todo lo que trato de combatir sin éxito alguno, demasiado poder, hasta para un amigo.

Nos dirigimos a el Real Sitio de San Lorenzo de El Escorial (el Monasterio de El Escorial) que como saben es un gran complejo (palacio, el propio monasterio, museo y biblioteca) que se encuentra en San Lorenzo de El Escorial, municipio situado a 45 km. al noroeste de Madrid, en la Comunidad de Madrid (España). El nombre de El Escorial se debe a unos antiguos depósitos de escoria procedentes de una ferrería de la zona de donde tomó su topónimo la aldea ubicada en las proximidades del lugar donde se construyó este monumental complejo. Fue mandado construir por el rey Felipe II para conmemorar la victoria de San Quintín el 10 de agosto de 1557 sobre las tropas de Enrique II, rey de Francia y para servir de lugar de enterramiento de los restos de sus padres, el emperador Carlos I e Isabel de Portugal, así como de los suyos y los de sus sucesores. La planta del edificio, con sus torres, recuerda la forma de una parrilla, por lo que tradicionalmente se ha afirmado que esto se hizo así en honor a San Lorenzo, martirizado en Roma asándole en una parrilla y cuya festividad se celebra el 10 de agosto, el día que tuvo lugar batalla de San Quintín, de ahí el nombre del conjunto y de la localidad creada a su alrededor. Prestigio y poder sobre la escoria, como conmemoración de la victoria y en honor a un martirizado. Lorenzo, a su vez, fue uno de los siete diáconos de Roma, y encargado de administrar los bienes de la Iglesia. Por esta labor, es considerado uno de los primeros archivistas y tesoreros de la Iglesia, y es el patrón de los bibliotecarios. Todo un juego de metáforas y una inspiración para cualquier artista que se precie, ahí queda.

Lo que interesaba especialmente a mi amiga Sara Greene fue la impresionante inversión y el especial cuidado en la biblioteca. Felipe II cedió para la misma los ricos códices que poseía y para su enriquecimiento encargó la adquisición de las bibliotecas y obras más ejemplares allá donde se encontraran. Fue proyectada por el arquitecto Juan de Herrera que, además de la misma, se ocupó de diseñar las estanterías que contiene. Los impresionantes frescos de la bóveda del techo emulan las pinturas de Ghirlandaio en la Biblioteca Vaticana. Está dotada de una colección de más de 40.000 volúmenes de extraordinario valor, y se ubica en una gran nave de 54 metros de larga, 9 de ancha y 10 metros de altura con suelo de mármol y estanterías de ricas maderas nobles primorosamente talladas. Sin duda, Felipe II, entonces el monarca más poderoso de la Tierra, quiso emular la Biblioteca de Alejandría reuniendo aquí la sabiduría de un mundo en cambio constante y difícil de abarcar, en una permanente ampliación de su extensión y complejidad. Felipe II no reparó en gastos, además de adquirir, numerosas bibliotecas privadas y los libros que le ofrecían los mercaderes, hacía encargos directos para buscar libros en ciudades como Amberes, Colonia, o Nuremberg. Los embajadores en París, Roma y Venecia recibieron instrucciones para que compraran libros preciosos y los manuscritos que ansiaba. De este modo comenzaron a llegar a El Escorial remesas de libros y documentos, a los que se unieron los que algunos cortesanos legaban al rey en su testamento y los que otros copistas producían. Felipe II concibió su gigantesco cofre de piedra para que contuviera una réplica de todo un mundo inabarcable, el mayor edificio de Europa, un gigantesco contenedor de muros de granito ensamblados sin ornamento, una metáfora inagotable del Poder en mayúsculas.

A esta colosal obra se le uniría otra que sin duda tendrá un mayor impacto en las tesis de Sara, la del Archivo General de Simancas, que fue establecido como Archivo Real por Felipe II y al que nos dirigimos tras la visita a El Escorial. En 1567 Felipe II encargó a Jerónimo Zurita y Castro coleccionar los documentos de estado de Aragón e Italia y juntarlos con los de Castilla en el Castillo de Simancas, creando uno de los mayores archivos de su tiempo, sin duda, uno de los mayores esfuerzos técnicos y logísticos de la época. Dotado de uno de los primeros reglamentos de archivos del mundo llegaría a ser uno de los principales archivos históricos conocidos (tras el Archivo Secreto Vaticano), por su enorme calidad y cantidad de documentación que conserva (entre 50 y 60 millones de documentos) es indispensable para comprender partes fundamentales de la Historia entre los siglos XV y XIX. Ambos complejos formarían parte de una complicada estructura ideada para gobernar el sistema político más grande que había existido nunca. Y para mover semejante maquinaria inventaría un moderno sistema burocrático que permitiera abarcar todo el sistema. Algo que suena absolutamente contemporáneo.

La cuestión es si Felipe II sabía en aquellos momentos aquello de que la información es poder, es más, que el control de la información le ayudaría a perpetuar el poder, para si mismo y los suyos en el futuro. Algunos detalles de su biografía y muchos detractores del monarca imperial hacen dudar de su capacidad. Como anécdota pudimos comprobar, durante la visita a la biblioteca del Escorial, alguna de sus numerosas extravagancias que han provocado estas dudas, por ejemplo que los libros de los estantes están dispuestos de forma que el lomo queda hacia dentro y las cantoneras hacia fuera, algo sumamente extraño. Según me contó Sara, que ahora hacía de mi guía, Felipe II hizo dorar las cantoneras para que los estantes hicieran juego con el pan de oro de la bóveda, pero más allá del detalle, esto también supone una ocultación de la información en los lomos, una manipulación evidente. Igualmente hizo tapar los estantes vacíos con lienzos pintados que representaban los libros que estaba esperando o que no poseía, hasta que este espacio fuera ocupado por los ejemplares reales una vez recibidos. Y esto ya me parece más bien una cierta patología obsesiva. Educado como un humanista, nunca llegó a serlo. Aunque no hay duda de que Felipe II el Prudente fue un hombre inteligente, de cierta cultura y formación, bibliófilo sin duda, aficionado a la música, el arte, el coleccionismo y muy especialmente a la arquitectura. Con capacidad para la planificación y con visión política, su personalidad definirá la historia europea de la segunda mitad del siglo XVI. Felipe II se comunicaba casi diariamente con sus embajadores, virreyes y oficiales repartidos por el imperio mediante un sistema de mensajeros que tardaba menos de tres días en llegar a cualquier parte de la península o unos ocho días en llegar a los Países Bajos, y esto no parece la obra de ningún loco por muy obseso que pareciera.

Inició cambios en la práctica y en la forma de gobierno, rompiendo de esta manera con la tradición medieval y otorgando un carácter innovador a la Corona, al tiempo que se fijaban las bases de la administración pública moderna. Algo, pues, si que parece que sabía. Sin embargo y como suele pasar a quienes ostentan tanto poder, en su extremada prudencia y celo burocrático, el poderoso monarca no había caído en la cuenta de que en aquel preciso momento, mientras él se refugiaba en el micro-mundo de su torre de control, se estaba gestando ya una incipiente fuerza que crecerá hasta llegar a transformar y soslayar los cimientos de todo su Imperio.
En una sociedad mayoritariamente analfabeta, donde el conocimiento estaba limitado a la información proveniente de unos pocos pergaminos manuscritos que custodiaban celosamente en los monasterios y centros de poder, la aparición de la imprenta tuvo una repercusión de extraordinaria importancia. En términos más actuales, la imprenta supuso la aparición de una verdadera puerta trasera en el Sistema que permitiría comenzar a hackearlo hasta llegar a transformarlo íntegramente. Un virus tan sencillo como el del Saber, el acceso a la información, que comenzó a ser patrimonio de mucha más gente, aunque todavía una minoría. Todo un virus que sigue propagándose, mutando sin cesar e infectando el Sistema. El despliegue de prestigio y poder, aquella maquinaria pesada, acabaría disipándose muy lentamente hasta convertir todo el sofisticado mecanismo en un mero símbolo formal, una alegoría, el monumento (Patrimonio de la Humanidad) que hoy conocemos. Un pesado sarcófago de granito que los turistas visitan asombrados de su envergadura y que los guías ocasionales interpretamos a nuestro libre albedrío.

En el mismo sentido que ahora es especialmente preocupante la ausencia de políticos capaces de comprender nuestra nueva realidad tecnológica desde la que deberían desarrollar su acción política, Felipe II tenía más empeño en atesorar y controlar, que en intentar comprender los cambios que estaba sufriendo la realidad de su Imperio. Como Harold Pinter afirmó en su discurso al recibir el Nóbel de Literatura: “el lenguaje político no está interesado en la verdad, sino en el poder y su mantenimiento”, una observación que tiene vigencia histórica con carácter retrospectivo. El sueño de todo político ha sido cerciorarse de que la información fuera un instrumento de su propio poder, y no de los ciudadanos para controlar al poder. Por consiguiente este es, en definitiva, el punto neurálgico que debemos atacar en cualquier sistema jerárquico.

Las evoluciones tecnológicas que se han sucedido a lo largo de la historia han tenido una influencia directa sobre los sistemas de gobierno. Y hablando, como estamos de bibliotecas, librerías, archivos y de libros, tenemos que admitir que la forma primaria de acopiar información, de almacenar contenidos, y de distribuirlos que permitió la aparición de la imprenta jugó un papel fundamental en la difusión de las ideas con gran influencia en la política coetánea. Con la imprenta de caracteres móviles se agilizó notablemente la reproducción de múltiples ejemplares de una misma obra y se facilitó la rápida difusión de información y opiniones en poblaciones pequeñas alejadas de los centros de decisión. Los acontecimientos políticos de aquella época, como el saqueo de Maguncia en 1462, provocaron la dispersión de los alumnos de Gutenberg por centro Europa, difundiendo la nueva técnica de impresión y con ella la distribución de contenidos. En poco tiempo no quedaría localidad centro europea importante que no contase con su propia tipografía desde donde se imprimían mayoritariamente clásicos, pero también recientes aportaciones al pensamiento y a las ideas políticas de la época. La misma tecnología que permitiría modernizar el sistema de administración y gobierno, permitía a cierta parte de la sociedad dotarse de mecanismos para el acceso a la información. Durante el Renacimiento fue el medio decisivo para que las ideas del humanismo se expandieran con cierta celeridad. Aunque tendrán que pasar todavía varios siglos para que podamos hablar de la puesta en marcha de verdaderos procesos de socialización de la información.

Progresivamente, al disminuir enormemente el precio de los libros y de otras publicaciones, se intensificó la transmisión de información y su comunicación, y lo que es más importante, a partir de aquel momento el saber comenzó a ser patrimonio de mucha más gente, multiplicándose las relaciones entre lectores y personas ilustradas de otros países. En el siglo XIX se introdujeron los sistemas de impresión todavía hoy vigentes, que permitieron realizar tiradas a muy bajo coste. Surgieron entonces los periódicos, revistas y otras publicaciones que tuvieron el efecto no solamente de divulgar la cultura, sino de contribuir a la formación civil y social de la gente y al propio progreso de la técnica, la ciencia y las ideas. Pero rápidamente aquellos medios de comunicación de masas (la prensa y más tarde la televisión y la radio) se convertirían en una poderosa maquinaria de control social por parte de una élite minoritaria, desconectando así a los ciudadanos de la participación activa de los debates y la toma de decisiones (siempre nos quedará el voto). “Los periódicos, ya se sabe, no cuentan las cosas como son, ni como creen que son, sino como ellos quieren que sean”. Afortunadamente el periodismo, como otros oficios, está sufriendo una seria transformación en su práctica tradicional que tiende a desactivar el poder de las empresas mediáticas en el control de la información. Es lo que llamamos el fin de la era de la prensa, que no del periodismo como algunos cuestionan. Según Juan Varela, “los ciudadanos se han apropiado de la información a través de los medios sociales. La crisis de la credibilidad de la prensa tradicional, el cuestionamiento de la objetividad y la aparición de herramientas digitales accesibles a todos convierten el periodismo en una conversación de la que los ciudadanos más activos no quieren estar ausentes”. No nos extrañan datos como los que recientemente hemos conocido, que los medios son el sector más corrupto para los españoles (44%) por detrás de los partidos políticos (63%) y las empresas privadas (54%). Los medios, se supone, que debían ser vigilantes de la democracia, pero desde esta perspectiva es claramente imposible.

Conceptos como el de sociedad de la información forman parte ya del lenguaje cotidiano. La influencia de las tecnologías de información y comunicación (TIC) y las consecuencias de la globalización han tenido un indudable efecto transformador en la medida en que están desmantelando viejos modos de pensar y funcionar. El desarrollo de las llamadas nuevas tecnologías nos capacita para formular las cosas de manera diferente, aportando nuevos medios al proceso y a los sistemas de producción de los diversos bienes y servicios culturales, así como a las formas de distribución y transmisión de información. Estamos ante la imposición y desarrollo de un nuevo sistema económico, social y tecnológico que se caracteriza por la importancia de la información como elemento básico para la creación de conocimiento y para la satisfacción de las necesidades de una sociedad resultado de la rápida difusión y democratización de las TIC. En esta última década destaca especialmente el papel de Internet como infraestructura que ha preparado el camino a la sociedad de la información, ya que ha aportado un medio de comunicación e intercambio de datos asequible a amplios sectores de la sociedad. Internet, y en especial algunos de sus servicios como la WWW, se convierten en una herramienta altamente eficaz de difusión de información que permite el acceso a millones de páginas de contenidos textuales y multimedia. Devuelve al ciudadano la capacidad de participación en redes distribuidas de difícil control político y combina en cierta forma (y mediante diferentes tecnologías) los aspectos deliberativos y participativos aparentemente incompatibles con modelos previos. Conceptos como el de fomentar la conversación, la hipertextualidad, la multipresencia, el intercambio de opiniones y enlaces, la comunicación participativa, el archivo compartido, la sindicación de contenidos, etc., son claves en el desarrollo de las estrategias de comunicación cultural, política o social. Estamos ante una nueva era que se caracteriza por la colaboración entre colectivos que trabajan en comunidades con gran capacidad de organización y comunicación, explorando, reflexionando y aportando energía a movimientos y procesos tales como el acceso a software de código libre, el acceso libre a la información, la transformación de los medios de comunicación, la disolución de la autoría y los conflictos con la propiedad, el software social, etc. Las TIC tienen un uso del tiempo y del espacio muy diferente a los medios tradicionales lo que inevitablemente está modificando la percepción que tenemos sobre algunas cuestiones fundamentales. Se habla mucho de inmediatez, pero también se puede hablar de continua reelaboración y sobre todo de permanencia de la información. Podemos generar y consumir contenidos muy rápidamente, pero también modificarlos y recuperarlos con la misma celeridad, se trata de un archivo en continua elaboración y revisión, con unos niveles de accesibilidad hasta ahora desconocidos. Las grandes contenedores del saber, los gestores de la información deben de transformar sus estructuras. El mismo concepto de biblioteca pública, fiel a los principios que han justificado su existencia desde su creación en el siglo XIX, debe de adaptar su funcionalidad a la nueva realidad. En esta nueva realidad, la biblioteca pública, que siempre ha utilizado la información como materia prima de su actividad, debe de transformarse en una institución con un enorme potencial, enfatizando ese potencial en el acceso a la información, a la formación permanente y a los registros culturales en un nuevo entorno de contenidos digitales y de redes de comunicaciones rápidas y económicamente asequibles. Debería de privilegiarse, si quiere sobrevivir, como una puerta de acceso a la sociedad de la información y como factor de equilibrio para evitar que los avances tecnológicos agraven la tendencia latente a la exclusión social de determinados colectivos. Eso sí, tendrá que adaptarse e ir dejando atrás la idea de biblioteca como lugar, como realidad física limitada por los muros que cierran su recinto, y convertirse en entidad lógica y centro de servicios. La biblioteca digital es utópica en el sentido plenamente etimológico del término, ya que no es posible situarla en unas coordenadas espaciales precisas. Ya no nos interesa tanto quienes son los garantes de la información, quienes la atesoran, mas bien quienes nos pueden ayudar a transformar dicha información en conocimiento efectivo para el completo desarrollo de nuestras vidas.

El caso es que todos estos procesos recientes puestos en marcha han acabado por dinamitar los muros del Convento, en este caso monasterio, como garante del preciado tesoro del conocimiento. La biblioteca del Emperador ha quedado totalmente expuesta a la chusma, el granito se torna transparente arrojando luz a su interior. Se han caído también los murallones del Castillo de Simancas que albergan el Archivo General y muestra ahora lo que estaba oculto. La caída de todas estas defensas ha provocado que se desborden los caudales de los fosos que los rodean y, hasta entonces, protegían de asaltos malintencionados. Sus aguas desbordadas provocan confusión en las poblaciones circundantes, sus habitantes se dividen entre quienes se atreven a dirigirse hacia el interior del archivo y quienes se ven superados por la confusión de tal novedad. La realidad es que el archivo ha quedado a merced del pueblo, sin su anillo defensivo amurallado, nada ni nadie puede impedir que la información contenida quede en pública exhibición. Y al parecer no es un proceso aislado, se ha corrido la voz y lo mismo está ocurriendo en otros lugares del planeta. La confusión de los primeros momentos es total. Muchos no saben que hacer con todo aquel caudal, en cambio otros parecen desenvolverse con cierta agilidad en este nuevo contexto, atesorando todo cuanto cae en sus manos (Diógenes digital), convirtiéndose ellos mismos en garantes de la información que atesoran con codicia.

Resulta francamente difícil avanzar al ritmo que exige el desarrollo tecnológico en una sociedad cuyo ambiente general es todavía poco favorable a la introducción de las TIC. Las empresas, la Administración Pública, el mundo institucional, el sistema educativo y algunos sectores de la sociedad se muestran muy reacios a adaptarse a la nueva realidad, también es verdad que en parte carecen de recursos necesarios y la preparación adecuada. Quienes nos dedicamos al mundo del arte, tampoco podemos escapar de este proceso de recontextualización. La oposición de algunos artistas contra el sistema hegemónico institucional de los 60-70 apenas resolvieron algunos aspectos puntuales que ahora parecen agravarse con este nuevo tirón de alfombra bajo los piés. El Museo, ese mausoleo contenedor de reliquias artísticas, y ahora el nuevo Centro de Arte tienen serias dificultades, al menos por el momento, para adaptarse a esta nueva realidad. Muchas instituciones culturales siguen ignorando el cambio, aferrándose a viejos modelos basados en el control jerárquico de la información y el tutelaje de la ciudadanía. No se dan cuenta de que están inmersos en un proceso de cambio profundo de las relaciones entre las entidades culturales y sus públicos objetivos. No parecen entender que una de las principales transformaciones de la era de la Sociedad Informacional es la evolución de los hábitos en el público y las audiencias, hasta el punto que podemos hablar también de la nueva era de la participación y la interpretación. El público del mundo del arte, los visitantes a museos y centros culturales, los participantes en diferentes eventos culturales, ya no quieren limitarse a recibir información sobre los distintos acontecimientos, sino que, además, quieren interactuar en los nuevos medios de comunicación pasando a formar parte del mismo proceso de transmisión de la información, quieren ser parte activa en el proceso de transformación de esa información en conocimiento. Son muy pocas las instituciones culturales que están atendiendo esta realidad cada vez más aplastante. Los responsables de comunicación de estos museos y centros culturales se sienten muy cómodos con un modelo de comunicación lineal y unidireccional que no ofrecen canales de comunicación y participación colaborativa permitiendo acceso a los sistemas de selección y criterio social de la información. Las instituciones culturales dedican un gran esfuerzo a la organización de las tradicionales ruedas de prensa cuyo principal objetivo es la obtención de reseñas y cobertura mediática en las secciones de cultura y sociedad de los principales medios de comunicación tradicionales (prensa escrita, radio y TV) y en sus correspondientes suplementos culturales. Reseñas emitidas de forma unilateral que no serán contrastadas ni pasarán a ser gestionadas por la institución productora con el fin de ofrecer más información y opinión cualificada sobre la exposición a sus potenciales visitantes y usuarios. En el mismo sentido podemos imaginar la relación con el público, la desproporción entre la publicidad del medio emisor y la poca capacidad del mismo para recoger las reacciones del mismo. Discursos unilaterales, cerrados, definidos, sin posibilidad de contestación, sin posibilidad de participación y gestión colectiva. Si observamos con detenimiento el ritual, si acercamos la lupa a la liturgia de la cultura nos llegaremos a preguntar, qué hacen todas esas personas con sandalias y calcetines agolpándose en grupos a las puertas de nuestros museos. No tienen pinta de estar concluyendo un complejo proceso por el cual la producción cultural que realizamos los artistas se convierta en socialmente representativa, cargándose de significado y fuerza simbólica. Viendo el trasiego de autobuses repletos de estudiantes o turistas qué entran y salen del museo, deduzco que todos estos visitantes no parecen participar tampoco de ningún proceso de participación colectiva, más allá del mero hecho de ir juntos a un mismo sitio, más bien tienen pinta de acudir a una especie de “gabinete de curiosidades” o a un extraño ritual de fe con escasa capacidad recreativa. Ya nos lo aclaraba una carta de la Icomos (Internacional Council of Monuments and Sites), “el turismo cultural es aquella forma de turismo que tiene por objeto, entre otros fines, el conocimiento de monumentos y sitios histórico-artísticos”, o sea que tampoco tienen la obligación, según el documento de los museos, de confraternizar con los artistas, otros agentes culturales, o cualquier miembro del contexto socio-cultural, aunque sí han de adquirir cierto nivel de conocimiento sobre el “sitio”. El problema es que el “sitio” está desapareciendo, físicamente, o se está transformando en “otra cosa”.

La institución museística está sin duda ante un reto no exento de paradojas e incluso contradicciones, la paradoja de constituir físicamente un centro para promover iniciativas culturales que cada vez tienen un marco de representación más difuso. Donde cada vez más los sistemas de representación y difusión pasan a través de redes inmateriales y que a su vez necesitan irremediablemente de un contenedor físico, un espacio real desde el que emitir y producir. Cada vez será más difícil el concepto de lo permanente y más probable el de zonas híbridas y temporales donde la gente puede reunirse, hablar, trabajar, incluso celebrar juntos, disolverse como grupo social, trasladarse, y/o formar un nuevo grupo. Hemos de asumir estas contradicciones. La contradicción de un proceso cultural necesariamente lento frente a un ritmo de desarrollo tecnológico y social frenético.

Al igual que la Biblioteca, los espacios dedicados a las artes visuales tendrán que convertirse en un espacio en el que generar conocimiento; manejar información, producir, exhibir y difundir, más que almacenar objetos u ordenar en vitrinas. Un centro-laboratorio de los medios, un centro de recursos dotado y familiarizado con los usos contemporáneos en materia de TIC. Un espacio abierto, un canal de comunicación entre estructuras sociales tácticas e independientes, el mundo más académico y la teoría, la práctica artística contemporánea y la experimentación, el que es de “allí” y el de “allá”. Debe de ser en ese sentido más un medio que un fin en si mismo. Las políticas culturales de los últimos años parece que han sido diseñadas para hablar de arte pero al margen de los artistas. Al parecer los artistas no somos agentes culturales válidos más allá de nuestro mero papel decorativo carente de mayor funcionalidad en el Sistema Cultural. Seguramente nuestra secular incapacidad manifiesta para dotarnos de recursos con los que poder influir en la opinión pública y condicionar la oferta y demanda de bienes y servicios culturales nos ha puesto en esta incómoda posición ¿O será que todo ha cambiado?, ¿qué ya no hablamos de la cultura como un bien y servicio público? Mientras perdemos el tiempo paseando nuestro ego por los salones más exquisitos, mendigando espacios de visibilidad en la precariedad, los profesionales del Marketing Cultural conspiran a nuestras espaldas, utilizando su jerga perversa: responsabilidad social corporativa, mercantilización de los procesos colectivos, industrias culturales…

Los agentes culturales de un territorio son las personas, grupos o instituciones que intervienen en la creación, la producción, la exhibición o la conservación, entablando relaciones que afectan a la configuración del Sistema Cultural Local y que disponen de recursos para poder influir en la opinión pública y condicionar la oferta y/o la demanda de bienes y servicios culturales. La información es poder, sobre esto parece haber un amplio consenso, pero no podemos dejarlo en manos de un cualquiera de turno. Debemos llamar la atención sobre la importancia que adquiere el consumo informativo como proceso de producción de sentido en la conformación de las identidades culturales, destacando la actividad de los públicos en su interacción con los canales y los mensajes de la cultura de masas, como parte de un proceso amplio y complejo, en torno a las industrias culturales y de comunicación. La lógica funcional de las industrias culturales ha quedado obsoleta.

La adaptación de la sociedad a estos nuevos usos y costumbres, desafíos y transformaciones, supone un reto sin precedentes, también para los artistas. Se trata de hacer frente a este reto con el objeto de facilitar el desarrollo de una nueva concepción de práctica artística con una infraestructura de investigación desarrollada, para una fuerza de trabajo inmaterial, y con actitud innovadora y emprendedora. Estamos, sin duda, ante una reformulación de los procesos de producción, transmisión y apropiación de los bienes simbólicos que nos hace replantearnos los modelos de construcción de subjetividad y organización social. Debemos de utilizar las herramientas que tenemos a nuestro alcance y que deben de permitir al ciudadano la capacidad de participación en redes distribuidas de difícil control político y combinar en cierta forma (y mediante diferentes tecnologías) los aspectos deliberativos y participativos aparentemente incompatibles con modelos previos. La ciudadanía (casi reducida su capacidad a la de meros consumidores) está desatando fuerzas que “aplanaran” las empresas y los gobiernos y está creando una nueva sociedad civil. Particularmente creo que estamos continuamente redefiniendo parcelas de poder y esto producirá ‘malos entendidos’ y confrontaciones inevitables. La reclamación de un espacio público es una constante histórica que está también en permanente redefinición, se trata de no bajar la guardia a la hora de afrontar nuevos retos y de encontrar nuevas vías que permitan a la sociedad expresarse con absoluta libertad. Ahora mismo trabajamos en un espacio muy reducido, sometido a continuas presiones, que es necesario ampliar. La tensión entonces será irremediable. Asumamos nuestra responsabilidad. El colectivo de artistas visuales no puede atrincherarse como mero sirviente de las estructuras culturales establecidas salvaguardando posiciones indefendibles. Quienes nos dedicamos a la práctica artística debemos de ayudar a introducir las transformaciones necesarias que permitan modificar las estructuras fundamentales de la Institución-Arte, destruyendo sus cimientos si fuera necesario, convirtiendo en ruinas su castillo. Arrimando el hombro en un proceso colectivo imparable.

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El Centro Cultural de España en México (AECI) organiza en colaboración con Medialab Prado las terceras jornadas dedicadas a la Propiedad Intelectual y las nuevas tecnologías, con la cuestión del Libre acceso a la cultura como protagonista. Alberto López-Cuenca y Eduardo Ramírez coordinan este encuentro que se desarrollará simultáneamente entre México DF y Madrid a través de videoconferencias en tiempo real. (+ info)

Programa

Lunes 10 de diciembre:

Mesa 1: “Nuevas Tecnologías y Políticas Culturales”

¿Cuál es el papel de los estados ante los tratados internacionales para por un lado fomentar las industrias culturales locales y al mismo tiempo promover el libre acceso a la cultura?

¿Cuál es el papel de la cultura en la sociedad actual?

¿En qué contextos se inscriben las políticas culturales para evitar que los desequilibrios Norte-Sur, económicos y de infraestructura, se reproduzcan a nivel cultural?

19:00h Madrid / 12:00h México DF

George Yúdice (desde México): Contra el cercamiento del copyright a la creatividad
Jesús Carrillo (desde Madrid): Las nuevas fábricas de la cultura: los lugares de la creación y la producción cultural en la España contemporánea
Eduardo Nivón (desde México): Propiedad intelectual y Política Cultural. Una perspectiva desde la situación mexicana
Lucina Jiménez (desde México): Arte, educación y nuevas tecnologías

Martes 11 de diciembre:

Mesa 2: “Nuevas Tecnologías, Prácticas Artísticas e Implicaciones Sociales”

¿Cómo, la disolución de la distancia entre prácticas artísticas y sociales, modifica el concepto tradicional de propiedad intelectual y de su distribución y aprovechamiento?

¿Ante la modificación de las prácticas artísticas, cuál es la esfera de acción de la cultura, cómo se modifican los consumo y cuál es su impacto en la vida cotidiana?

¿Cómo se han transformado las prácticas culturales y qué nuevas formas de intercambio y simbolización revelan estos cambios?

19:00h Madrid / 12:00h México DF

Ricardo Domínguez (desde México): Después de la Multitud _Distribuida > >Particle_Swarms
Daniel García Andujar (desde Madrid): Un castillo en ruinas la decodificación del Imperio
Daniel Miracle (desde Mexico): Mediactivismo
José Luis Barrios (desde México): La constitutiva impertinencia del arte o la estetización de la tecnología

Miércoles 12 de diciembre:

Mesa 3: “Nuevas Tecnologías: Retos legales”

¿A quién protegen los derechos de autor tal y como quedan definidos en la actualidad?

¿Qué modificaciones o especificaciones en el sistema institucional deben hacerse para lograr un equilibrio entre los intereses de la comunidad y el de las corporaciones implicadas en la defensa de los derechos de autor?

¿Continúan siendo pertinentes o deben ser reajustados?

19:00h Madrid / 12:00h México DF

Sergio Boeta (desde México): ¿Limitar legalmente el acceso a la cultura?
Miquel Vidal (desde Madrid): La nueva Licencia Pública General (GPLv3): copyleft del siglo XXI
Carmen Arteaga (desde México): “Derechos de autor y marco legal en México
Javier de la Cueva (desde Madrid): Derecho y tecnología: la apertura de las APIs

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Por Pedro G. Romero
En las novelas de Kafka nos salen al encuentro criaturas que se definen como “ayudantes”. Sin embargo, no parecen estar en condiciones de prestar ayuda. No entienden nada, no tienen “aparatos”, no hacen más que chiquilladas y tonterías, son molestos e, incluso, a veces, descarados y lascivos. En cuanto a su aspecto son tan parecidos entre sí que sólo se distinguen por el nombre; se parecen “como serpientes”. No obstante son observadores atentos, desenvueltos y elocuentes, sus ojos son brillantes, y en contraste con sus modos pueriles, tienen caras que parecen adultas, “de estudiantes, casi”, y barbas largas y abundantes. Alguien, no se sabe quién, se los ha asignado, y no es fácil quitárselos de encima. En definitiva, nosotros no sabemos quiénes son, quizás son enviados del enemigo, lo que explicaría por qué no hacen más que acechar y espiar. Sin embargo parecen ángeles, mensajeros que ignoran el contenido de las cartas que deben entregar, pero cuya sonrisa, cuya mirada, cuya manera de andar “semejan un mensaje.”

Giorgio Agamben.

El espacio físico que ocupa el caS en la dirección de Torneo 18/San Clemente es, a todas luces, insuficiente a la hora de entender el trabajo de un centro de arte. Para empezar está la dimensión simbólica, aquella que, por ejemplo, le otorga el hecho de situarse en Sevilla, de aspirar a una representación de los distintos presentes que una ciudad invoca. Así, la metáfora del nodo, tomada del lenguaje de la telemática sea quizás la que más conviene para definir la situación de un espacio para las artes en la ciudad. Si se quiere, se trata de un nodo principal, pero al fin al cabo, un enlace más, un punto en la amplia red de lugares y vinculaciones que el centro de las artes de Sevilla debe tejer en la ciudad.

Recientemente, una presentación académica del trabajo sobre arquitectura y lenguaje para el diccionario de la RAE nos dejaba estas palabras: “la apertura hacia la revisión del mundo de la arquitectura, la ciudad, el urbanismo y la relación con el mundo de los inmateriales, la informática y la telemática, que se implican en el mismo fenómeno de la ciudad”. El centro de las artes de Sevilla aspira también a constituirse como espacio público en el ámbito de los media, en la red Internet, en el inmaterial de las señales electromagnéticas.

Recientemente, el festival Zemos98 presentaba en el caS el proyecto Reclaim the spectrum en el que se reclamaba la intervención pública y ciudadana sobre el espectro radioeléctrico, el suelo urbanizable de la sociedad de la información. ¿Podemos aspirar a urbanizar este espectro para ponerlo al servicio de los ciudadanos más allá de los canales del consumo y el espectáculo? ¿Podemos hacer también de estos espacios plaza pública, lugares comunes para uso y disfrute de sus ciudadanos?

La Plataforma de Crítica Cultural que movilizó a algunos colectivos culturales en contra de la BIACS propuso al caS la extensión en la ciudad de una herramienta democrática de información y debate cultural, una herramienta autónoma libre de la intromisión de los distintos intereses fácticos que, naturalmente, constituyen el debate cultural de la ciudad. Como en años anteriores, con el apoyo a las Jornadas Públicas de Debate Cultural y a un número especial de la revista Parabólica, la municipalidad se compromete también con sus sectores más críticos. La propuesta pasaba por la creación de un espacio en la web, la www.e-sevilla.org , herramienta auspiciada por Tehcnologies To The People que ya la había ensayado en otros ámbitos y de forma similar en las ciudades de Barcelona y Valencia.

Básicamente se trata de un punto de información social, un archivo de noticias y exposiciones diversas sobre la vida cultural de la ciudad que permite la opinión libre y de fácil acceso de los ciudadanos sobre los diversos temas y modos en que se construye la cultura en el ámbito de Sevilla. En el caS entendemos que se trata de un monumento, una forma distintas de entender la plaza pública y de dotarla de dotaciones útiles para sus ciudadanos. Para esto, y en colaboración con la Facultad de Ciencias de la Comunicación, abrimos en la red esta ventana a la opinión libre, incluso libertina, de los ciudadanos.

Construir lo común significa muchas veces la ampliación temeraria del ámbito de libertad de los ciudadanos. Dar la posibilidad de libre expresión y sostener su difusión pública da no pocos sinsabores a la república de ciudadanos que aspiramos ser en una ciudad como Sevilla. A menudo, y eso puede comprobarse también en los medios de prensa, radio y televisión que habitualmente nos informan, se abusa de la libertad de información, instrumento libérrimo del que nuestras sociedades se han dotado. Vamos, se confunde libertad con libertinaje, que dice el vulgo. Pero éste –la convivencia del análisis riguroso con el insulto, de la crítica productiva con la difamación, de la risa constructiva con la sal gruesa- es un gasto necesario. Como dictaminara Georges Bataille, toda economía tiene una parte maldita, la de aquellos elementos que asociados con el despilfarro y el derroche ayudan a mantener en funcionamiento la máquina de la economía general. También en la economía de la información y la libertad de expresión se da esta regla.

Una sociedad como la nuestra que hace del carnaval –y no hablo metafóricamente, sino del saludo permanente de Sevilla a las celebraciones del Carnaval de Cádiz, por ejemplo- un espejo en que mirarse críticamente sabrá hacer uso adecuado de un espacio de libre expresión como este, y como siempre, habitará ejemplarmente esta plaza pública.

Precisamente son las herramientas del carnaval las que nos ayudan a hacer habitable la aridez de las nuevas industrias y tecnologías que construyen nuestra modernidad, según teorizaron a principios del siglo XX los formalistas rusos. La geometría y los números son trasformados por la risa en útiles que nos ayudan en la vida diaria. La construcción política de nuestra sociedad no puede hacerse sin esta traducción de la “geometría en cuchara, cuchillo y tenedor” que decía Bajtin. Y esta transformación, como nos legaron los griegos, no puede hacerse en democracia sin la ayuda de todos, también de los idiotas.

El espacio de la www.e-sevilla.org y el trabajo de Technologies To The People no pretende otra cosa. Poner una herramienta de información y comunicación en manos de todos, dar voz a todos, nos impone a los usuarios el continuo discernimiento entre el análisis crítico y el guirigay permanente, pero esta práctica no es muy distinta en la red que en la sociedad real. De alguna manera, el instrumento que esta web pone en nuestras manos nos puede ayudar a entender mejor el ruido que viene de la multitud, su marabunta.

Venimos abundando en razones de por qué el caS utiliza como emblema el nudo del NO&DO. Parece evidente en este caso aplicando el lenguaje del cibermundo y sus telenautas. Pero para que este símbolo consiguiera hacerse representación en el imaginario de la ciudad hicieron falta muchos rumores, bulos, leyendas, falsos amigos. Nadie dictaminó desde el principio sobre sus significado, desde el “no me ha dejado” hasta las revelaciones masónicas, todo ese ruido en la información configuró el significado final del símbolo como construcción común de sus ciudadanos.

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Para entender la situación de las artes visuales hace aproximadamente un lustro es necesario referirse a la atípica situación creada por la llegada al poder de Eduardo Zaplana en la Comunidad Valenciana. Así pues, cabe suponer que hace cinco años buena parte de los creadores y demás agentes valencianos relacionados con las artes visuales se las prometían muy felices puesto que la estrategia de Consuelo Ciscar, en la que prometía que “más pronto que tarde habría caramelos para todos/as”, se encontraba entonces en su fase más expansiva. Sobre aquella etapa no puedo aportar cifras porque el secretismo fue —y sigue siendo— la norma en este campo, tal como ha denunciado repetidamente Pau Rausell desde el área de Economía de la Cultura de la UV. No obstante, es por aquel entonces cuando las artes visuales se convierten en la niña mimada de las políticas culturales de la GV. De hecho, con el fin de siglo empieza su andadura la facultad de BBAA de Altea y poco después se inaugura el EACC al tiempo que se multiplican tanto la edición de vistosos catálogos y libros de arte como las colectivas de artistas valencianos en el extranjero (especialmente en perdidas ciudades de Latinoamérica), una estrategia que se complementa con pequeñas ayudas a casi todos los sectores: artistas jóvenes, Galerías… . Paralelamente, algunos, ciertamente los menos, intentábamos denunciar algunas contradicciones que ya en aquel momento resultaban evidentes. Así, por ejemplo, que las grandes exposiciones en países con un mercado del arte inexistente no servirían de gran cosa a los artistas, aunque sí que suponían el desvío de unos fondos públicos que inicialmente habían sido presupuestados para la promoción de la cultura hacia el fomento del comercio exterior y el beneficio privado de determinadas empresas de la Comunidad. O que la concentración de poder que suponía la creación del Consorcio de Museos, un ente que llegó a decidir con absoluto despotismo y bastante falta de criterio la programación de la práctica totalidad de los Museos y salas de exposiciones públicas, acabaría convirtiendo el panorama artístico valenciano en un provinciano erial creativo. En este sentido hay que tener en cuenta que la perversa política de producción de “exposiciones por lotes” llegó a obligar a las pequeñas instituciones (Casas de Cultura, etc.) que aún gozaban de cierta autonomía ha adquirir ‘paquetes’ que decidían su programación completa, algo que indirectamente asestó un durísimo golpe a quienes intentaban mantener su independencia crítica o, simplemente, sobrevivir al margen de la generosa tutela de Consuelo Ciscar & Co.

- Respuesta a la pregunta (B) Cómo está el sector actualmente.

Tras los insostenibles excesos de la etapa Zaplanista el periodo Camps se está caracterizando por el recorte generalizado de los gastos. Una política que, sin embargo, no cabe considerar tan siquiera de saneamiento ya que el legado zaplanista contiene una serie de hipotecas y de contratos blindados que imposibilitan, al parecer, cualquier actuación seria en este sentido. A modo de inventario cabe destacar que a día de hoy el EACC continúa cerrado con la excusa de unas falsas reformas que probablemente nunca se realizarán; que la Facultad de BBAA de Altea está totalmente desacreditada por los 12 despidos de profesores desafectos al régimen marcado por el ex Decano Ramón de Soto y relacionado con la firma de actas falsificadas; que el proyecto del Museo del siglo XIX (que en su día sirvió de excusa para el desmantelamiento del Centro del Carmen del IVAM) sigue estancado ya que, por el momento, tan solo está prevista y presupuestada la construcción de un despacho para su Director; que en 2004 han desaparecido las becas de Art Visual sin que nadie se haya molestado en dar explicaciones públicas; que, pese a las reiteradas promesas del partido en el poder (PP), muchos escolares valencianos siguen asistiendo a sus clases en barracones; que el despropósito bienalístico continúa pese al escaso eco conseguido —aunque al no haber presupuesto ya más que para pagar el sueldo de su director (Luigi Settembrini) la III Bienal se reducirá tan solo a una exposición de artistas mayormente valencianos—; que las obras de construcción del Palau de les Arts acabarán cuadruplicando su presupuesto inicial (hablamos de 300 millones de Euros) sin que a un año de su inauguración se sepa todavía para que se va a utilizar este mastodóntico edificio; que aunque no hay intención —ni dinero— para ejecutar la jaula de remate de la ampliación del Nuevo IVAM el proyecto se va a presentar en ARCO como si se fuera a construir; que Cosme de Barañano, el cesado ex director de este museo continúa cobrando parte de su sueldo de la Generalitat (eran cerca de 300.000 € anuales) por dirigir una increíble Cátedra de Investigación en Altea o que Consuelo Ciscar, la actual directora del desacreditado IVAM, se acaba de gastar una cuarta parte de su presupuesto anual (120.000 €) en comprarle una instalación a Miquel Navarro, una maniobra bastante incomprensible dado que fue inicialmente presentada a la prensa disfrazada de generosa donación del artista. En el apartado positivo creo que apenas cabe destacar la aparición de nuevas herramientas como e-valencia.org, una web diseñada por el artista Daniel G. Andújar que ha facilitado la organización de algunas medidas de protesta y de presión por parte del hasta entonces desvertebrado sector artístico valenciano. En esta misma dirección, quizás haya que interpretar también como un signo esperanzador que alguien como Juan Vte. Aliaga se haya significado recientemente contra la actual política cultural del PP en un duro artículo, “Barco a la deriva: sobre las políticas artísticas del PP”, publicado en la edición de la CV del diario “El país”.

- Respuesta a la pregunta (C) Cómo estará el sector en cinco años.

Sin temor a errar demasiado creo que dentro de cinco años, en términos generales, cabe esperar una situación semejante o todavía peor; y ello independientemente de quienes estén gobernando en la Comunidad Valenciana. Me atrevo a hacer este pronóstico basándome en la siguiente apreciación: si el desbordamiento de la deuda de la Generalitat ya ha provocado, a día de hoy, el patético escenario anteriormente descrito (téngase en cuenta que la CV hace tiempo que se convirtió en la Comunidad porcentualmente más endeudada), la estrategia del actual equipo de Gobierno, consistente en continuar asumiendo más gastos de los que puede cubrir y financiando los créditos con astutos periodos de carencia, sólo puede traducirse en un mayor deterioro de las actuales condiciones ya que esta desleal estratagema reducirá todavía más los márgenes de actuación de las políticas futuras, especialmente en todas aquellas áreas que no ostenten la consideración de prioritarias.

- Respuesta a la pregunta (D) Qué acciones o cambios propondría para el mejoramiento de este sector.

Ante este escenario caracterizado por las restricciones presupuestarias cabría reivindicar, en primer lugar, una concepción menos instrumental de las artes y de la cultura en general. Un detalle que también ayudaría bastante sería que los puestos de dirección en Museos y Centros de Arte fueran ocupados por verdaderos profesionales con proyectos concretos y bien definidos; y que estos empleos clave dejaran de utilizarse como refugio o destino de consolación para políticos frustrados o en declive (así Consuelo Ciscar arrinconada en la dirección del IVAM tras haber sido Secretaria Autonómica de Cultura o el anterior director de Canal 9 que ahora ha sido relegado, pese a que carece del más mínimo conocimiento de arte o de museología, a la dirección del inexistente Museo del s. XIX).

ANEXO
———

——- Respuestas de José Albelda (pintor, profesor de la UPV y encargado, hasta su desaparición, de la política de becas de ART VISUAL de la GV).

- (A) – En mi opinión fruto del rédito político que la promoción de las artes visuales ha conllevado en las últimas décadas, hubo un considerable aumento presupuestario en diferentes áreas, no sólo en Artes Plásticas, también en Artes escénicas… . Pero no siempre contemplando a priori un estudio del interés de la población-objetivo (como espectadores, receptores últimos) de los programas que se generaban, aunque sí era acogido positivamente por un amplio sector de los productores (artistas).

- (B) – A nivel económico hay un recorte presupuestario en el Área, fruto en parte a cuestiones generales de endeudamiento en años anteriores –tanto del sector como del gobierno autonómico en general-, si bien da la sensación de que sigue sin existir un estudio especializado de la política cultural en función de la gran diversidad de población-objetivo. Este aspecto sería deseable tanto desde el punto de vista sociocultural como político. También sería interesante –desde el punto de vista de lógica de presupuestos- hacer un estudio de la relación entre inversión en Programas y resultados obtenidos (público, difusión horizontal, calidad…).

- (C) – Uno de los grandes problemas del sector son las fluctuaciones tanto presupuestarias como de política de programación en función de los cambios políticos que sucesivamente se producen. Sería deseable mantener un mínimo de continuidad basado en criterios de una comisión técnica que permitiera unas garantías tanto de promoción artística como de continuidad de los Programas que hayan sido mejor evaluados (a nivel de calidad e interés social). Por otra parte, es difícil arriesgar una opinión en sentido económico, aunque todo parece apuntar en que las instituciones políticas seguirán apostando por las artes visuales por su carácter de contemporaneidad, rédito de imagen y confluencia con un mercado también muy activo a nivel privado.

- (D) – Como ya he mencionado, un estudio independiente de interés de la población-objetivo así como del sector productor (potenciando sobre todo aquellos subsectores no apoyados por el mercado); consensuar unos mínimos de continuidad en aquellos programas bien valorados al margen de los cambios políticos; potenciar comisiones de asesoramiento independientes para la propuesta y actualización de programas; elaborar estudios independientes sobre el funcionamiento de los Programas en curso atendiendo a variables como opinión pública, relación coste-calidad-interés social, etc.

——- Respuestas de Álvaro de los Ángeles (Crítico de arte)

Colaborador del suplemento cultural Posdata, del periódico Levante-EMV (el de mayor tirada y ventas de la Comunidad Valenciana)
Co-editor y co-director de la revista de cultura contemporánea mono
Forma parte del equipo editorial de e-valencia.org
Colaborador esporádico en revistas de arte tales como: Kalías (IVAM), Papers d’Art, El Temps d’Art, Lápiz, Arte Contexto, Transversal, Mute (Londres), Cimal, entre otras.
Prologuista de diversos catálogos de artistas, entre ellos: Muntadas, Joan Fontcuberta, Mira Bernabeu, Lynne Cohen, Bleda y Rosa, Daniel G. Andújar, Chema López, Pilar Beltrán, entre otros/as.

- (A), (B), (C), (D) Llevo colaborando desde noviembre de 1998 en el suplemento Posdata, el único espacio escrito de carácter semanal y periódico que dedica dos páginas a la crítica de arte en las exposiciones que acontecen principalmente en la ciudad de Valencia, su área metropolitana y, en ocasiones, alguna otra población de la provincia de Valencia o de la Comunidad.
Desde entonces el cambio dentro del medio ha sido significativo en el número y categoría de los colaboradores, entrando nuevos y dejando su colaboración o haciéndola cada vez más esporádica otros, que han ido ocupando corresponsalías de la Comunidad Valenciana sobre todo en suplementos de tirada estatal.
Una de las razones principales de la “pobreza” de la crítica actual (más cuanto más local resulta, aunque no imprescindiblemente) está basada en su precariedad. Ésta no sólo alcanza a la remuneración, sino también a la forma de trabajar y gestionar los propios suplementos culturales, los cuales siguen existiendo casi como dádiva que se ofrece desde un medio aparentemente sensible con la cultura contemporánea hacia un grupo de críticos que son, a la postre, los que los sustentan.
Lógicamente esta precariedad depende de los medios en los que se colabora, quedando meridianamente claro que el nivel de la crítica valenciana es paupérrimo en muchos aspectos.

Por página publicada, Levante-EMV paga 30,31€ netos. Cuando comencé, en 1998 y durante al menos los dos siguientes años, cobraba 4000 ptas. brutas. La nueva cantidad la vengo cobrando desde al menos cuatro temporadas y cobro exactamente lo mismo cuando he publicado algún artículo de Opinión o en otras secciones del periódico, como por ejemplo En Domingo.

La crítica en el ámbito de las revistas especializadas no es, en absoluto, más halagüeño. Comencé a colaborar con la revista Lápiz como co-corresponsal para la zona de Valencia y sólo quise realizar dos críticas, por las siguientes razones:
-En primer lugar, porque en las revistas mensuales o bimensuales se tiene que trabajar con mucho tiempo de antelación lo que provoca, en no pocas ocasiones, que se comente o critique la obra del autor sin haberse visto la exposición o que sólo se puedan criticar exposiciones en Instituciones, debido a que éstas duran mucho más tiempo.
-En segundo lugar porque la relación (al menos la mía) con los encargados suele ser muy distante. Los corresponsales ocupan un lugar muy pequeño y así es también su importancia.
-Finalmente, porque no pagan. Aunque decían que pagarían 5000 ptas. por artículo, nunca se cobraba. Con Lápiz, además, tuve que insistir hasta para que me enviaran las revistas en donde colaboraba.

Con ArteContexto tampoco he cobrado la crítica que realicé a la exposición de Juan Pablo Ballester en la galería Tomás March en abril de 2004. Recientemente les he recordado esta “factura” y de momento no han dicho nada. Después de una semana me proponían o bien pagarme la factura o bien “canjearla” por la subscripción anual (3 números) de su propia revista, indicándome que, puesto que la subscripción cuesta 72 € y el artículo “vale” 60€, aún salía ganando. En ARCO’05 me han dado dos ejemplares gratis.

Mientras esto ocurre, no nos parece extraño que se inviertan millones y millones en parafernalia espectacular, de la cual en Valencia tenemos numerosos ejemplos. Tanto la Ciudad de las Artes y las Ciencias, como eventos temporales (la Bienal de Valencia sin ir más lejos, o el desaparecido Encuentro Mundial de las Artes) ejemplifican a la perfección qué tipo de cultura interesa y cuál no promocionar.

La reciente polémica acaecida con la crítica de Echevarría al último libro de Bernardo Atxaga en el suplemento cultural Babelia, de El País, indica hasta qué punto la crítica incomoda cuando es sincera y resulta inútil cuando se comporta de una manera cortesana. Pues, si el crítico no puede expresar libremente su opinión al respecto de cualquier tema ¿qué sentido tiene la esencia misma de la crítica y las opiniones (acertadas o no) que defiendan los críticos?

No creo estar diciendo nada nuevo si afirmo que la labor del crítico adquiere de esta forma la tarea de una estupidez innecesaria que, sin embargo, sigue siendo utilizada por los medios como modelo de creación de opinión. Esto, por otro lado, se opone al planteamiento neoliberal de todos los grupos de opinión a los que sólo interesa su índice anual de beneficios.

Ya para acabar quisiera indicar que el Diario Levante-EMV mostró más de un 10% de beneficios de ventas en el pasado año. Nadie, sin embargo, piensa que eso deba repercutir en el dinero otorgado a los colaboradores externos. Algunos de los jefes piensan que deberíamos sentirnos pagados con el simple hecho de publicar en su medio. Bonita vuelta de tuerca donde lo que crea el propio medio (artículos de opinión y críticas) es lo que no debe pagarse.

——- Respuestas de Josep Benlloch (Galerista y profesor de la UPV)

- (A) -En concreto el sector de las galerías en España es bastante mediocre económicamente, quiero decir que a diferencia de las galerías extranjeras y sobre todo anglosajonas, centroeuropeas y americanas en España no se ha producido una fuerte capitalización de las empresas debido a que no existe un coleccionismo fuerte, tanto en el ámbito particular como institucional.

Por lo que atañe al sector privado se aprecia una gran diferencia con las colecciones extranjeras tanto en concepto como en inversión y por lo tanto esto ha repercutido directamente en artistas y galerías. Actualmente se aprecia un mayor flujo de compradores, después de Boom de los 80 y el posterior declive se nota una lenta recuperación en las ventas a particulares, pero no me atrevería a llamarles coleccionistas, es gente que se está informando y comienza a compra arte para colgarlo en las paredes de su casa, pero no creo que, de momento tengan un interés por coleccionar.

En referencia al coleccionismo institucional, ningún museo ha realizado una declaración de intenciones sobre los criterios para la formación de su colección por ello, se compra en función del gusto del director de turno, sin tener en cuenta la mayoría de las veces la línea anterior y en algunos casos con un marcado carácter de amiguismo, si a esto añadimos que los presupuestos no son públicos tenemos como resultado un túnel en el que por casualidad alguna vez te cae alguna compra que no sabes a que es debido.

Uno de los temas en relación con el mercado es ARCO, que más que una feria de arte de España parece una feria de Madrid a la que acuden los de la periferia. Si es una feria de arte de carácter comercial se debe dedicar a ello y todo el dinero que se mal invierte en pagar comisarios y directores extranjeros se lo podían ahorrar y si verdaderamente quieren realizar cursos que se repartan por todo el territorio nacional, bien celebrando diferentes seminarios en diferentes ciudades o todos cada año en una.

——- Respuestas de Daniel G. Andújar (Artista visual)

Hablo siempre desde una perspectiva ajustada a la realidad local y entiendo que se ha contextualizado suficientemente la singular política cultural valenciana.

- (A) Tal y como está en estos mismos momentos.

- (B) Nos movemos en un territorio aplastado por unas políticas culturales protagonizadas por la espectacularización del mundo de la cultura y el uso de los creadores como meros elementos de promoción, una herramienta más del marketing político.
El tramo que va desde la producción a la presentación simplemente no existe, el de la promoción y presentación está protagonizado por un elitista y reducido grupo de creadores que se han atrincherado a las faldas del poder (tipo Miquel Navarro, Manolo Valdés). Y las políticas de patrimonialización y preservación mejor no hablar, el coleccionismo público ha visto variar su línea en diferentes ocasiones y ahora mismo es tan solo un conjunto variopinto de diferentes proyectos.

- (C) Desgraciadamente no tiene pinta de cambiar a corto plazo, no hay una clara política cultural y si la hubiera prefiero no pensar en que se sustentaría.

- (D) Un cambio radical de las culturas culturales, más inversión en el desarrollo de contexto, más democratización de los órganos de decisión, mayor transparencia, la eliminación de las políticas de grandilocuencias (Bienal de Valencia, eventos mediáticos, etc.), inversión en la promoción y producción, ordenación y conceptualización de las colecciones públicas, eliminación de elementos folclóricos, ayudas a proyectos autónomos no institucionalizados… .

——- Respuestas de David Pérez, profesor de la UPV, crítico de arte y comisario de exposiciones (Bienal de Venecia, I Bienal de Valencia…)

- (A) y (B) -La situación existente en el ámbito valenciano hace cinco años era muy similar –a nivel institucional– a la que actualmente se da. Este hecho se debe a que la situación política no ha variado en el transcurso de este tiempo. En todo caso se debe señalar que esta situación se ha visto agravada en lo concerniente a determinados tics culturales. Entre los mismos pueden destacarse:

1. Carencia de un proyecto artístico-cultural sólido que vaya más allá de una política circunstancial.
2. Utilización espectacularizada y parquetematizadora de los medios disponibles.
3. Ausencia de rigor intelectual y consiguiente predominio de personalismos.
4. Desinterés por cualquier desarrollo y/o promoción cultural que no conlleve un beneficio inmediato de índole político-mediática.
5. Falta de transparencia en la gestión.

Desde una perspectiva económica considero que no existe una infraestructura mínima de mercado que pueda dar cabida a la oferta existente. Las galerías de arte que todavía siguen funcionando no han renovado prácticamente sus propuestas. A su vez, los nuevos espacios que en los últimos años han surgido desde la iniciativa privada considero que se enfrentan a complejas dificultades para perdurar, dado que sus posibilidades de supervivencia se hayan muy menguadas. Este hecho obliga a que tengan que pervivir o bien mediante otro tipo de actividades paralelas –lo cual es una solución a tener muy en cuenta– o bien gracias a la subvención, con la consiguiente pérdida de su hipotética independencia. La situación se torna mucho más grave cuando se descubre que el producto artístico de los espacios independientes es similar –a nivel poético y/o estético, aunque de calidad mucho más cuestionable– que el que se oferta en cualquier otro ámbito comercial y/o institucional.

- (C) -La situación podrá variar parcialmente si se modifican y corrigen a nivel político determinadas actuaciones. Con todo, no creo que este hecho sea por sí solo suficiente. El arte no es más que una actividad que se halla inmersa en una determinada sociedad. Los valores y criterios que ésta configura también se manifiestan en el ámbito artístico. De ahí que el mismo refleje actitudes que están impregnando nuestra vida económica y social. En este sentido, no considero que en tan breve periodo de tiempo pueda modificarse la realidad existente. A lo sumo –y si es que la situación política sufre algún cambio– podrían sentarse las bases que nos aproximaran a una situación menos irracional y abúlica que la que actualmente se está propiciando.

- (D) -Aunque resulte tópico afirmarlo es necesaria una renovación que no sólo afecte a ámbitos estéticos, sino también éticos. Una renovación que permita:

1. Revitalizar la autocrítica.
2. Aumentar la participación.
3. Menguar el protagonismo institucional.

Las medidas concretas resultan difíciles de precisar, pero las mismas tendrían que contar con:

1. La diversificación de canales de difusión y distribución.
2. La utilización autogestionada por parte de las personas implicadas en los recursos disponibles.
3. La colaboración y el apoyo de los medios de titularidad pública en la promoción artística y cultural.
4. La desvinculación de los proyectos institucionales de determinadas situaciones y/o problemas políticos puntuales.
5. La búsqueda consensuada de programas que puedan tener alcance a medio y largo plazo.

—————————————————————–
* Aunque tengo mis dudas sobre su relevancia final, quiero destacar que el hecho de que todos los agentes citados sean de género masculino es un dato a tener en cuenta pero del todo ajeno a mi voluntad. Personalmente tenía verdadero interés en contar con algunas opiniones libres de testosterona. Por eso, en la selección de agentes invitados incluí, deliberadamente, un número bastante similar de mujeres (5 artistas visuales que compaginan su actividad con otras tantas actividades profesionales). Lamentablemente, pese a las sucesivas prorrogas en el plazo de respuesta, ninguna de ellas me ha hecho llegar su contestación a tiempo.

______________________________________________________________________________________
Re: Situación de las artes visuales en la CVbr> por el 07 Mar 2005 – 11:06 AM
Más vale lunes que nunca

Mª Josep Miquel (artista visual y profesora de la UPV)

En primer lugar, quisiera resaltar justo el hecho del desconocimiento
casi total respecto a la situación económica del sector creativo ya
que se supone que tanto por mi faceta de artrista como de profesora en
la facultad debiera tener mas conocimiento de estos asuntos pero creo
que resulta bastante obvio el panorama de desconexión entre creación-
retribución en prácticamente todos los casos. Son dos esferas que
pocas veces se tocan y, si lo hacen, no es de forma significativa, así que
no salimos del tópico artista vocacional más que por decisión por
puritita realidad insoslayable.

No obstante, en la asignatura de Proyectos se intenta (o se supone)
transmitir a los alumnos las diferentes posibilidades de financiación
en el ámbito de concursos, becas y convocatorias de todo tipo. Al
respecto, puedo decir que a mi parecer el panorama se ha ido
ensombreciendo estos últimos años en la Comunidad Valenciana. Han
desaparecido las becas de artes visuales que permitían la realización
de proyectos interesantes con subvención de materiales, montaje y
catalogo, han desaparecido las subvenciones a las pepinières
européennes que también daban la posibilidad de crear en el ámbito del
intercambio universitario, las becas de Injuve se han mantenido
precariamente con recortes presupuestarios y otras convocatorias que
se mantienen tipo L’Horta, dan un único premio de 1000 euros a uno de
los seis participantes que tienen que autofinanciarse materiales y
montaje a cambio de un catálogo que sigue siendo la zanahoria que nos
ponen para que piquemos. Del mismo modo, el concurso Valenciacrea se
limita a dos premios de 1500 y 1000 euros en todas sus facetas, la
sala Lambert te ofrece el catalogo (del que aún nos alegramos todos,
repito) y un espacio expositivo que cumple los mínimos, y así un
largo etc. de salas y concursos.

Por otra parte, las convocatorias de arte público que corren a cargo
de los ayuntamientos han conseguido ir consolidando algún que otro
circuito como el de la Marina que dinamizan en cierto modo el panorama
de creación. Más allá de su cuestionamiento como iniciativas apoyadas
o comprendidas por los lugares en que se realizan, resulta evidente
que las dotaciones económicas que ofrecen son más bien escasas, cosa
esta bastante comprensible dado que dependen directamente del
presupuesto de las poblaciones donde se realizan.

Frente a este panorama bastante desolador y sin entrar a discutir la
progresión o retroceso económico de las galerías, asunto que
desconozco por completo, tenemos un gasto público dedicado a Cultura
totalmente incoherente con este panorama de recortes presupuestarios,
aunque más que un gasto tenemos una deuda como la mayoría de
ciudadanos de la Comunidad sabemos a estas alturas.

La mayor parte de ese dinero se ha dedicado a grandes fastos y figuras
(estilo Bienal, Encuentro Mundial de las Artes, etc.) que poco han
revertido en el capital tanto financiero como cultural de la
ciudadanía. El interés por el arte contemporáneo, por el teatro
clásico o por algún que otro “elemento” cultural hipersubvencionado no
se ha incrementado ni un ápice, cosa totalmente lógica porque la
mayoría de ellos se han celebrado dándole totalmente la espalda tanto
a las iniciativas y agrupaciones locales como al teórico “público“ al
que van o por lo menos debieran ir destinadas. En respuesta a la
tercera pregunta sobre propuestas alternativas de gestión, creo que
resulta evidente que la generación o el apoyo a estructuras creativas
horizontales que permitan consolidar este sector es una asignatura
pendiente, cada vez más, de las políticas culturales de nuestra
comunidad. De esta manera se conseguiría un objetivo doble: promover
la emergencia de nuevas propuestas desde la base, fomentar el
desarrollo del sector creativo local que ya existe, y, puesto que este
ya está “infiltrado” en el tejido social de las poblaciones, extender
su conocimiento y disfrute a un sector más extenso de la ciudadanía.

Otro aspecto que pocas veces nos detenemos en valorar es el de los
audiovisuales, en el que debemos soportar sin cuestionamiento posible
un gran pufo continuo al que van destinadas toneladas de euros sin que
ello revierta más que en una degradación general de la cultura en
todas su facetas: la televisión local. Ni en el ámbito de la
producción ni en el de la emisión es discutible su pésima calidad, su
indiferencia ante cualquier alternativa local (véase la última
reclamación por parte de la asociación de músicos en lengua valencia
ante el ninguneo constante al que se ha visto sometida, reclamación
que suscribo plenamente) o la retribución abusiva de sus cómplices. No
sé si es que nos callamos por imposibilidad de actuar o por un deseo
inconsciente de olvidarlo.

Por no meter más el dedo en la llaga ni extenderme en temas que
resultan obvios a fuerza de dolorosos, me gustaría resumir el panorama
económico-cultural de esta comunidad incidiendo en la
instrumentalización generalizada que se hace tanto de sus medios como
de sus fines y deseando que el decantamiento por la banalidad y el
espectáculo se vea sustituido por otro tipo de funcionamiento
orientado hacia la participación real de creadores y espectadores.

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Los días 5 y 6 de noviembre tendrán lugar en la Escola Tècnica Superior d’Enginyeria Industrial (Avinguda Diagonal, 647 Metro L-3 Palau Reial), especialistas, productores, agentes sociales y administración pública se darán cita para dialogar entorno a cuatro problemáticas de gran importancia:

a) La relación del trabajador intelectual con el resto de la sociedad.
b) Sus responsabilidades en la construcción de un proyecto emancipador.
c) Las condiciones laborales en que desempeña su labor el “Trabajador cultural” (en el caso que se le permita llevarlo a cabo).
d) Las propuestas y respuestas que desde diferentes colectivos, asociaciones y sindicatos se están elaborando.
Aún conociendo que la(s) relación(es) entre trabajo intelectual y producción social del discurso siguen siendo políticamente incomoda(s) y teóricamente rentable(s), presentamos estas jornadas como continuación de las ya realizadas el pasado junio de 2004 en la Universidad Complutense de Madrid bajo el mismo título “¿Para quién trabajamos? Trabajo intelectual y precariedad laboral”. Estas jornadas son parte integrante de un proyecto más amplio que ya está en marcha: debates, publicación de ponencias y talleres.

A lo largo de dos días -el primero con carácter más general y el segundo centrado en “la(s) industria(s) de la cultura(s)”- especialistas, productores, agentes sociales y administración pública se darán cita para dialogar entorno a cuatro problemáticas de gran importancia: a) la relación del trabajador intelectual con el resto de la sociedad, b) sus responsabilidades en la construcción de un proyecto emancipador, c) las condiciones laborales en que desempeña su labor (en el caso que se le permita llevarlo a cabo) y d) las propuestas y respuestas que desde diferentes colectivos, asociaciones y sindicatos se están elaborando.

Participantes

Josep Ferrer i Llop Rector de la Universitat Politéctica de Catalunya.
Javier Navascués Director de la FIM.
Víctor Ríos Representante FCIM
Francisco Gil Responsable del gies-FIM.
José Maria Ripalda Filósofo político, Catedrático por la Facultad de Filosofía de la UNED
Miguel Riera Director “EL Viejo Topo”.
Jordi Dauder Actor y co-fundador de “El Viejo Topo”
Joaquim Sempere Profesor de Sociología en la Universidad de Barcelona y redactor de la revista “Mientras Tanto”
Jaume Botey Historiador, Universitat Autònoma de Barcelona (UAB)
Eddy Sánchez Iglesias: Miembro del Consejo Político de IU.
Antoni Lucchetti Área de Formación y Cultura de PSUC-VI. Profesor de la Facultat de Ciències Econòmiques i Empresarials. UB
Berta Sureda Responsable de los servicios culturales del CCCB
Florenci Guntín coordinador de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV)
Maria Marín: Representante de CCOO y responsable del área de precariedad laboral e inspección laboral.
Responsable administración pública ( a determinar).
Ivan de la Nuez Ensayista y Director de la Virreina
Rogelio López Cuenca Artista
Daniel García Andújar: Artista.

Nota: Si deseas obtener más información consulta la siguiente dirección:

http://www.pce.es/agenda/2004_11_05jornadasfim_trabajointelectual.pdf

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La web e-valencia, un foro de discusión y un archivo de noticias culturales de ámbito valenciano, concebida por Daniel G. Andújar como proyecto artístico, fue desactivada junto con otros trabajos del creador alojados en el servidor del Museo de la Universidad de Alicante. “La desconexión de e-valencia y del resto de proyectos se debió al cambio de servidor desde el museo al Centro de Proceso de Datos de la universidad. También coincidió con una reestructuración de la filosofía del centro y del servicio que se presta a los artistas. Por las nuevas reglas, Andújar prefirió migrar sus proyectos”, dice la dirección del Museo.

Según Andújar: “El cierre se produjo sin previo aviso el 24 de septiembre y no he recibido de la universidad explicaciones que lo justifiquen. Sé que han habido presiones desde altas instancias. Es una preocupante forma de censura llevada a la práctica desde la prepotencia y el anonimato, un atentado contra la libertad de expresión y de creación”.

E-valencia aglutinaba las voces contrarias a la política cultural del gobierno del PP. En su primer año de vida desencadenó una protesta contra la conversión del Convento del Carmen, uno de los espacios emblemáticos del IVAM, hasta entonces dedicado al arte joven, en un museo de arte del siglo XIX.

La preocupación por el cierre queda reflejada por las adhesiones al manifiesto publicado en la web. “Trabajamos para recuperar los contenidos y restablecer el servicio. Nuestra intención es que los más de 2.500 visitantes sigan usando este espacio en libertad”, concluye Andújar.

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La Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV) calificó ayer de “extremadamente preocupante” el cierre de la página web e-valencia.org por lo que supone, en opinión de este colectivo, de “censura de un proyecto artístico de carácter crítico abierto a la libre participación ciudadana”. La UAAV expresó en un comunicado que “se trata ya no de un caso de censura artística, sino de un atentado contra la libertad de expresión, contra un canal de debate y participación de amplios sectores sociales que han encontrado en e-valencia un espacio para hacer oír sus voces, debatir y criticar en libertad”.

La asociación criticó “la decisión del rector de la Universidad de Alicante de ordenar el cierre de la página web” -a la que se podía acceder a través de un link incluido en el servidor del museo de la institución académica- y, como consecuencia, “de otros proyectos de similar carácter impulsados por Technologies to the People”, a cargo del artista Daniel García Andújar.

La Unión de Artistas Visuales aseguró que el cierre de e-valencia se produce tras las “enormes presiones” ejercidas por la Generalitat Valenciana y por la dirección del IVAM, museo con el que había sido especialmente crítico el portal. Frente a esta “grave situación”, la UAAV exigió la “restitución inmediata” del servicio de www.e-valencia.org.

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FERRAN BONO 27/09/2003
El País

Enseñar deleitando, dice la máxima clásica. El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) ha editado un cómic destinado a los niños denominado Hipnotiz Art. Aventuras en el IVAM con el objeto de entretener, divertir, enseñar y dar a conocer el museo entre los visitantes más jóvenes. Una propuesta didáctica de curioso humor que cuenta con personajes de trazos identificables con los de algunos responsables del museo. En concreto, se pueden intuir los perfiles del propio director del IVAM, Kosme de Barañano, y el de la jefa de restauración, Maite Martínez, que resulta ser, además, la heroína. De hecho, es ella la que atiza con una conocida escultura de Julio González al Dr. Hypno desbaratando, con la ayuda de los niños, los planes del malo, un hipnotizador que pretendía robar y destruir las obras del museo. Tampoco él es del todo anónimo.

“¡Oh! es el dr Hypno, un antiguo amigo del IVAM, un artista que no fue reconocido y que la tiene tomada con el museo”. Así responde la heroína a la pregunta de un nano que se interesa por saber quién es ese “tío tan feo” que adquiere los caracteres de una especie de monstruito verde en este cómic de carácter didáctico. Un tío que no es difícil inscribir como uno de los miembros de Ex-Amics de l’IVAM, colectivo creado hace unos años para protestar por el cierre por parte de la Generalitat del IVAM Centre del Carme, subsede que albergó algunas de las exposiciones más experimentales. El citado colectivo, formado por artistas, galeristas y algunos vecinos del Carmen, encontró un vehículo de sus críticas a la gestión de Barañano en el portal de debate cultural e-valencia.org, ideado por Daniel Andújar, a su vez ‘ex-amic de l’IVAM’.

El citado portal fue cerrado el pasado miércoles por el Museo de la Universidad de Alicante (MUA) para reestructurar y renovar los enlaces de su servidor en Internet. Ex Amics de l’IVAM han sugerido que la dirección del museo ejerció presiones para su cierre llegando incluso a insinuar con denunciar al portal. Ambos extremos fueron desmentidos por la dirección del IVAM, mientras que fuentes del MUA insistieron en que la actual situación sólo obedecía a los trabajos de renovación del servidor.

También el IVAM ha querido renovar el cómic sobre la colección de Julio González y el museo que fue realizado en 1990 por Daniel Torres. Por eso aceptaron la propuesta de Cara-cola Animación. Según explicó ayer uno de sus fundadores, además de autor del cómic, Raúl G. Monaj, el joven estudio había realizado un proyecto para una serie de animación titulado MuseuM con el objeto de “acercar el arte contemporáneo a los adolescentes”.

Se dirigieron entonces al IVAM para solicitar una posible subvención. El museo contestó que no entraba entre sus competencias tal ayuda, pero sí mostró interés por el trabajo, añadió Monaj. De modo que se puso en marcha el desarrollo del cómic. “Hubo un par de reuniones con la dirección del IVAM para ver qué se podía hacer o qué no”, comentó el dibujante al respecto del guión, también obra suya. La idea era presentar el mundo de los museos de manera “divertida”, que “deparara sorpresas”, al tiempo que se iba enseñando el interior y los servicios del IVAM.

El jefe de Relaciones Externas del IVAM, Javier Molins, indicó ayer que el tratamiento que proponía Cara-cola les pareció interesante para “divertir y dar a conocer el museo”. “El guión nos gustó”, agregó. También consideraron como buena la idea de incluir “algunos guiños a gente del museo” en la historieta, “graciosa y atrevida”, que recibió el visto bueno “de todos los departamentos afectados”. El propósito es renovar Las historias en el IVAM cada año con nuevos episodios.

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La página de crítica y debate cultural e-valencia.org desapareció ayer de Internet debido a los actuales trabajos de renovación de los enlaces (links) incluidos en el servidor del Museo de la Universidad de Alicante (MUA), según señalaron fuentes de la institución académica. Creada por el artista alicantino Daniel Andújar, la página

ha ofrecido un espacio para la opinión de los internautas y se ha caracterizado por sus fuertes críticas a la actual gestión del IVAM, dirigido por Kosme de Barañano, y a la política cultural de la Generalitat. Junto a intervenciones y críticas razonadas se han publicado descalificaciones e insultos personales. En unos dos años, e-valencia.org ha tenido cientos de miles de visitas, trasladándose el modelo de debate a una página en Barcelona.

Tras resaltar el trabajo del MUA en Internet, Andújar comentó ayer desde Madrid que desconocía exactamente qué había pasado, si bien apuntó que “al parecer ha habido presiones de Barañano para cerrarla, llegando a amenazar con emprender acciones judiciales”. De modo más tajante se manifestaron otros miembros de Ex-Amics del IVAM. Fuentes del IVAM negaron que tuvieran “nada que ver”. “Hemos sufrido esta página como otros muchos. Se ha calumniado al director y a la institución, pero no se ha puesto ninguna denuncia ni ejercido presión”.

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La asociación cívica Ciutadans per una Cultura Democràtica i Participativa, nacida del grupo de artistas, galeristas y vecinos del centro histórico que integran el colectivo Ex Amics de l’IVAM, ha organizado las jornadas de reflexión y debate Realitats de la ciutat a modo de “reacción” a la Bienal de Valencia, que arranca el domingo bajo el título genérico de La ciudad ideal, según manifestaron ayer Daniel G. Andújar y Nacho París. Estos representantes de la plataforma incidieron en que el verdadero objetivo de la iniciativa de la Generalitat “no va más allá del estricto efecto publicitario” y de una operación de marketing, al igual que en la primera edición de la Bienal.

La asociación considera una contradicción que se hable de la ciudad ideal con numerosas intervenciones en los solares del centro histórico de Valencia, que califican de ornamentales, sin que se proponga ningún debate ni haya habido ningún contacto con los diferentes colectivos ciudadanos afectados por cuestiones urbanísticas. Además critican la fuerte inversión pública en “artistas paracaidistas” que no se implican en la realidad en que intervienen.

Así, las jornadas, que cuentan con el respaldo de Salvem el Cabanyal y Per l’Horta, y una pequeña ayuda de la Facultad de Bellas Artes y de la Universidad de Valencia, se desarrollan a partir de hoy en el Col.legi Major Rector Peset (20 horas) con una mesa redonda con dirigentes vecinales. Mañana (12 horas), Manuel Delgado impartirá una conferencia sobre los usos sociales y políticos de la cultura y por la tarde se realizará otra mesa redonda con el mismo tema. El domingo se ha organizado a mediodía una visita guiada por los puntos conflictivos de la ciudad.

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