Expasión

El dinero, que ha jugado históricamente un papel fundamental en el apoyo a la creación y la innovación, esgrimido como vía para dar soporte a un modelo, digamos, alternativo, pero destinado a grandes audiencias. A una propuesta artística –en el caso que nos ocupa– que pretende dar una vuelta de tuerca a la crisis económica, cuestionar y renovar el capitalismo.

Esa es, al menos, la pretensión del grupo de artistas que se acaba de reunir en Madrid. Con un nombre tan loco como ‘Psychoeconomy!’, las Naves del Matadero, la enorme dotación que poco a poco se va ganando para la Cultura en Legazpi, ha albergado la autodenominada “primera cumbre artística en torno a la crisis financiera”.

Su objetivo: deliberar sobre la situación internacional y los sistemas de intercambio monetario imperantes y redactar una declaración conjunta buscando revertir el estado de la economía mundial. A ello se dedicó el cuarteto participante: Gustavo Romano –el inspirador del encuentro–, Fran Ilich, Georg Zoche y Daniel García Andujar, que aprovecharon además la cita para presentar sus proyectos más recientes, en los que critican el sistema y sus promesas democráticas e igualitarias.

La ‘Declaración de Madrid’, el documento que ha ‘parido’ el colectivo, comienza con un enunciado de intenciones: “Si la crisis es global, la solución también ha de serlo”, reza, para referirse a continuación a las causas, los ‘barros’ que han traído estos ‘lodos’, un “sistema jerárquico y plutocrático” que pide a gritos su reemplazo.

El texto constata que la opción de una gobernanza ‘planetaria’ no ha ofrecido los resultados esperados y que la globalización no ha probado ser beneficiosa pero, sobre todo, que el mundo se mueve al son de los intereses de las corporaciones. Una situación que trocar en una sociedad en la que la tecnología, sobre todo la de la información, ha mutado los modos de pensar, de hacer y de producir y ha propiciado un replanteamiento de nuestra identidad y una profunda renovación en los tradicionales patrones de representación.

Por eso, y siempre desde el esfuerzo individual –en busca del bienestar común–, los principales cambios que estos artistas consideran necesarios son: en lo político, un Ejecutivo no subordinado a intereses particulares; en lo económico, el fin del dominio del dólar sin perder de vista que más de la mitad de las transacciones mundiales ocurren al margen del sistema, es decir, no pueden ser medidas en términos monetarios porque tienen que ver con otros condicionantes como el afecto.

Sobre estas cuestiones reflexionan Ilich, Zoche, Romano y García Andujar en sus obras para poner en entredicho las reglas del mercado universal. El primero lo hace a través del “país sin espacio geográfico” Transnational Republic; el segundo, como director de la entidad financiera virtual Space Bank. El barcelonés García Andújar discute, mediante la ironía y la utilización de estrategias de presentación de las nuevas tecnologías de la comunicación, las promesas democráticas e igualitarias y la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia.

Lo hace a través de Technologies to the people (1996), una empresa ficticia sin ánimo de lucro con la que pretende que el espectador tome conciencia de la realidad que le rodea y de los engaños de unas ofertas de libre elección que no son más que formas de control y desigualdad. Fran Ilich (Tijuana) tiene como meta financiar y generar bienes comunes bajo la lógica de la globalización y la informática con la convicción de que otro mundo es posible.

Mientras, Georg Zoche, cofundador de Transnational Republic, quiere llamar la atención sobre la moneda. zb>¿Cuál es el rol de las divisas en la globalización? ¿De qué manera se utilizan como herramientas políticas para ejercer el poder? Son algunos de sus cuestionamientos. Apuesta por la participación ciudadana y por un Banco Central de Repúblicas Transnacionales Unidas. Actualmente, la suya, presentada en las cumbres de la Unesco de Buenos Aires (2006) y Monterrey (2007), cuenta con 5.000 ciudadanos de un centenar de estados-naciones.

Y Gustavo Romano (Buenos Aires), se desenvuelve en diferentes disciplinas artísticas pero privilegia el proceso de su trabajo. Muchas de sus iniciativas generan múltiples versiones, se presentan en diversos estadios de elaboración y se ramifican e incluso entrecruzan en nuevos proyectos. De hecho, ‘Psychoeconomy!’ nace a partir de su banco de tiempo Time Notes. Con oficinas en Madrid, Vigo, Rostock, Berlín, Singapur, Munich, Buenos Aires, San José y México, esta ‘corporación’ ofrece la posibilidad de solicitar préstamos de instantes y reintegros de momentos perdidos.

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RICARDO GRANDE - Madrid – 05/07/2010 El País

Como la convención de los grandes líderes mundiales, pero mucho más modesta. Y también más participativa. Psychoeconomy! es una reunión que supone una pequeña burla al G-20. Los artistas Daniel García Andújar (Barcelona), Fran Ilich (México), Gustavo Romano (Argentina) y Georg Zoche (Austria) han convocado una reunión internacional en el centro cultural Matadero de Madrid, como cierre de la sexta edición de Madrid Abierto. Este particular G-4 reúne a creadores que buscan con sus proyectos -o, como ellos las llaman, “corporaciones”- cuestionar el sistema a base de recrearlo, pero de forma que quede irreconocible. Bancos que no manejan dinero o Estados ficticios son ejemplos que estos creadores comentaban ayer, pocas horas antes de presentar el encuentro.

Romano: “Se trata de reflexionar sobre la relación entre tiempo y trabajo”

García Andújar: “Influimos más como consumidores que como votantes”

“Del G-20 no podía salir nada claro porque han hablado de temas que en realidad no quieren debatir. Así no se puede encontrar una salida a la crisis”, opina Romano. Él organiza esta cita y se responsabiliza del Time Notes House, el banco de tiempo. En sus oficinas, la gente invierte el tiempo que ha perdido “contra su voluntad”. Todo es simbólico, claro. En Internet, el usuario rellena un formulario en el que explica qué intervalo de su vida ha malgastado y se lo devuelven en forma de billetes o una curiosa tarjeta, para que reinvierta esas horas en lo que realmente quiere.

“Se trata de hacer reflexionar sobre la relación entre tiempo y trabajo”, explica Romano, el organizador del evento y responsable de esta iniciativa que cuenta con “sucursales” en nueve ciudades. No ha dudado en convertirse en hombre anuncio en alguna ocasión, para atender las peticiones de los “clientes”: con motivos de lo más variado, desde “30 minutos en la cola de la peluquería” a “16 años no siendo honesto acerca de mi sexualidad”.

El objetivo de la reunión es realizar una declaración conjunta, que se redacta a puerta cerrada. Ayer presentaron el proyecto. “Hasta nos hacemos la foto oficial. Imitamos las formas para cuestionar el modelo. Por eso tomamos el concepto de empresas, pero dándole la vuelta”, aclara Romano. A su lado, García Andújar, artífice de Technologies to the people, explica que habrá un debate abierto después de leer las conclusiones. La cita es hoy a las 19.00. Ahí es cuando se puede participar en esta parodia de la cumbre que ha reunido a los principales líderes mundiales en Toronto. “Esperemos que aquí no tengamos enfrentamientos con la policía”, bromean.

Para sacar algo en claro, los tres coinciden en la necesidad de replantearse el significado de términos como “arte” y “política”. Romano los usa con precaución, matizándolos siempre que puede. García Andújar relaciona ambos conceptos: “Toda obra de arte es política, hasta comprar. Tenemos mucha más influencia como consumidores que como votantes”. ¿Entienden ese mensaje todos los que interactúan con su trabajo? “Hay muy diferentes interpretaciones, depende del contexto cultural del sitio en el que expones. Por ejemplo, en China, compruebas que no comparten el concepto occidental de propiedad. Ven el copyright como algo exterior e impuesto”, añade.

Fran Ilich es el único que se define ideológicamente. “Diría que soy maoísta virtual, porque centralizamos el asunto financiero y trabajamos colectivamente”. Se refiere a Space Bank, una entidad que consigue dinero en la Bolsa de valores mexicana para “purificarlo” en causas como el “maíz zapatista”. Hoy llega a España George Zoche, que hablará de Transnacional Republic, un Estado creado en la red y sin fronteras. Los cuatro tendrán unas horas para ponerse de acuerdo y ofrecer una reflexión interesante que no convierta el Matadero en un nuevo Toronto.

El proyecto de Andújar Technology to the people aprovecha Internet para hacer interactuar al usuario con exhaustivos test o tiendas que realmente no existen. Todo para demostrar que la red ya está perfectamente integrada en el sistema. “Ya que hemos perdido el espacio material. No deberíamos hacer lo mismo con el virtual. En Facebook, en cuanto te sales de lo que él considera correcto te expulsa sin miramientos”, señala.

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Daniel García Andújar (Technologies to the People)
Fran Ilich (SpaceBank)
Georg Zoche (Transnational Republic)
Gustavo Romano (TimeNotesBank)

MORE INFO:
http://www.psychoeconomy.org/

PSYCHOECONOMY! is a project directed by Gustavo Romano. It´s first edition will take place at Matadero Madrid on the occasion of Madrid Abierto.

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“El 2 y 3 de julio de 2010, cuatro líderes del mundo empresarial y político se reunirán en Madrid. Lo harán en un momento en que el mundo enfrenta la peor crisis económica desde la Segunda Guerra Mundial. Su objetivo: redactar una declaración conjunta buscando revertir el estado de la economía mundial.”
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PSYCHOECONOMY! es una plataforma artística de discusión e investigación que propone un enfoque alternativo sobre diversos temas globales. Cada edición incluye una reunión de artistas, un evento público y la publicación de las conclusiones resultantes, documentos, textos y materiales gráficos.
Artistas participantes en la primera edición:

Daniel García Andújar (Technologies to the People)
Fran Ilich (SpaceBank)
Georg Zoche (Transnational Republic)
Gustavo Romano (TimeNotesBank)

MAS INFORMACION:
http://www.psychoeconomy.org/

PSYCHOECONOMY! es un proyecto dirigido por Gustavo Romano cuya primera edición tendrá lugar en Matadero Madrid en el marco de Madrid Abierto

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Su NETescopio es un visor para escudriñar el arte de última generación
El museo de arte contemporáneo de Badajoz conserva en su archivo cibernético más de 80 obras de artistas que crean para la Red
NETescopio. Arte en la Red. El desarrollo de las técnicas digitales ha dado como resultado un nuevo tipo de cultura artística y también de nuevas preocupaciones museísticas para conservar y exhibir el resultado del trabajo de los artistas creadores en Internet. En lo que al Museo Extremeño Iberoamericano de Arte Contemporáneo (Meiac) de Badajoz se refiere, los resultados son visitables en su página web (www.meiac.es), a través de su NETescopio o visor de arte (http://netescopio.meiac.es), un archivo digital en el que se puede acceder a más de 80 obras que ofrece la institución. Una colección on line para los interesados en el arte de última generación.
La propia palabra NETescopio remite a otros aparatos científicos utilizados por el hombre a lo largo de la historia, como los microscopios o los telescopios, usados para investigar con nuevas tecnologías mundos hasta entonces desconocidos. Con el NETescopio se puede mirar una colección de arte moderno que es conservada y divulgada de manera acorde con los soportes en los que se realiza.
El compromiso del Meiac con este tipo de divulgación artística viene del año 2000, en el que el museo comenzó a mostrar sus colecciones por métodos digitales. Al año siguiente, el Meiac desarrolló como proyecto de participación en ARCO su teoría del Museo Inmaterial, que fue seguida en la sede del propio museo por la exposición ‘Metamorfosis’, a partir de la cual se comenzó la colección de obras en soporte electrónico.
Como consecuencia de ello, el Meiac cuenta en la actualidad con un archivo de obras nacidas de la cultura de red, arte de última generación para usuarios de los sistemas de comunicación del siglo XXI. Arte inmaterial. Se ha generado un nuevo tipo de productos artísticos, muy diferentes de las tradicionales pinturas o esculturas que han venido siendo acogidas por los museos. Y estos se esfuerzan en divulgarlos entre un público interesado en explorar todas las posibilidades de la Red.
Las sucesivas fases de este proyecto artístico del Meiac han sido comisariadas por Gustavo Romano, en cuyas manos recae el duro trabajo de aplicar los criterios del museo en este apartado y seleccionar las producciones que van a incorporarse a sus archivos.
De todas formas, en la página web del Meiac los artistas encuentran también la posibilidad de dirigirse a los responsables del museo para comunicarles la existencia de cualquier obra que crean pueda colmar sus apetencias. En cuanto al nuevo espectador que consume arte a través de la Red, encontrará en el NETescopio, como en los viejos catálogos, datos que le permitirán comprender el trabajo del artista, como su biografía y una sinopsis de la pieza.
Fases
Una primera fase del desarrollo de este proyecto digital fue la muestra ‘Desmontajes’ (21 de noviembre de 2008 a 28 de febrero de 2009) en la que el foco de exhibición se centró en las producciones surgidas en los primeros años en la red. Obras en su mayor parte experimentales que jugaban con la interactividad y el uso de navegadores alternativos y que fueron rápidamente enfrentadas a los nuevos modos surgidos de las emergentes redes sociales.
La segunda fase, ‘Reapropiaciones’, está en marcha desde el pasado mes de noviembre y terminará el 20 de marzo de 2010. Si en principio se trataba de descodificar nuevos caminos artísticos, con la «reapropiación» artística se intenta mezclar y encontrar nuevos significados a los contenidos digitales.
La tercera parte de este desarrollo artístico se llamará ‘Intrusiones’ y en este momento se procede a la selección de obras que se incorporarán a dicho proyecto a lo largo del 2010 y podrán ser visitadas, como siempre, a partir del otoño, en noviembre próximo. Aquí encontraremos proyectos que intervienen en espacios de uso común como la Wikipedia o Google Maps, que parodian o subvierten páginas de uso privado, o que invaden o se infiltran sigilosamente en el propio ordenador del usuario. También habrá propuestas individuales en las que el artista adopta un rol de espía o de intruso y propuestas grupales desarrolladas por colectivos artísticos o aquellas en las que se demanda la participación masiva del espectador.
Pero el Meiac también está interesado en proporcionar cierta «corporeidad» a esta parte de sus producciones para divulgarlas más y mejor y está organizando para este 2010 una exposición que se pretende hacer itinerante por distintos museos europeos, norteamericanos y de Iberoamérica. Los lugares en los que el Meiac piensa presentar su colección digital a partir de este año son el Centro Cultural de Sao Paulo, el Laboratorio Arte Alameda en el DF (México), el Centro Cultural de España en Buenos Aires, Calit2 de San Diego y el Chelsea Art Museum, de Nueva York.
Nuevos usos
El arte digital inaugura nuevos usos y costumbres en la relación entre los artistas y los museos. ¿Quién es el propietario de una obra que se divulga a través de la Red? ¿Cómo se preserva la integridad de la misma en medio de la batalla desatada por el control de las imágenes que circulan por el ciberespacio? El Meiac responde a esto que el carácter efímero de muchas de estas obras de arte requiere una estrategia nueva de conservación de las mismas que incluya una contextualización rigurosa. La obra concreta se rodea aquí de añadidos como entrevistas con el artista, fichas técnicas o análisis críticos que, en el caso improbable de su pérdida, permitieran una reconstrucción casi arqueológica de la misma.
El dominio sobre la obra también tiene sus peculiaridades. El Meiac exhibe las suyas a través de acuerdos con sus autores que no implican la cesión de la propiedad, sino que autorizan la incorporación al museo y su uso a cambio del compromiso de conservación de las mismas.

Los artistas que están presentes en la colección digital del museo son: Arcángel Constantini, Alexei Shulgin, Amy Alexander, Amy Berk & Andy Cox, Antoni Muntadas, Antonio Mendoza, Belén Gache, Brian Mackern, Daniel García Andújar, Daniel Jacoby, Darren Solomon, Dora García, Eduardo Navas, Eugenio Tisselli, Eva y Franco Mattes (0100101110101101.ORG), Giselle Beiguelman, Igor Stromajer, Iván Abreu, Iván Lozano, Joan Leandre, La Société Anonyme (José Luís Brea), Lucas Bambozzi, Luther Blissett, Marcel-li Antúnez, Mark Napier, Martin John Callanan, Miltos Manetas, Minerva Cuevas, Olia Lialina, Paolo Pedercini (Molleindustria), Ricardo Barreto y Paula Perissinotto, Ricardo Iglesias, Ryan Barone, Santiago Ortiz, Santo_File Group (David Casacuberta, Marco Bellinzoni), Sergi Jordà, Stanza, Steev Hise, Taller d’Intangibles (Jaume Ferrer y David Gómez), The Yes Men, Thomson & Craighead, Ubermorgen, Paolo Cirio, Alessandro Ludovico, Vadim Epstein, Vuk Cosic, Young-Hae Cheng.

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El Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), de Badajoz, acoge desde mañana viernes, 21 de noviembre y hasta el próximo 28 de febrero de 2009, la exposición “Desmontajes. Net Art 0.1″ dentro del nuevo Proyecto Netescopio, puesto en marcha por el MEIAC.

El Proyecto Netescopio del MEIAC consiste en la creación de un archivo en línea en continuo desarrollo, destinado a preservar obras artísticas generadas para la red. Sus objetivos principales son el resguardo, la difusión y la catalogación de dichas obras utilizando para ello el mismo medio de Internet, posibilitando de esa forma su crecimiento y actualización constantes.

Como fase inicial del proyecto, el MEIAC presenta la exposición “Desmontajes. Net Art 0.1″, comisariada por el artista argentino Gustavo Romano. “Desmontajes” centra la atención en aquellas producciones surgidas en los primeros años de la web.

Obras que experimentaron por vez primera con el medio y que jugaron con sus particularidades en cuanto a la interactividad, el uso de interfaces o navegadores alternativos, el uso táctico del medio y otras estrategias que fueron definiendo las líneas de producción en los primeros años del arte de redes.

Ahora que hemos pasado a la web 2.0, los creadores plantean que quizá sea el momento de revisar aquellos primeros trabajos, que con una mayor radicalidad y con un énfasis en la experimentación y en la deconstrucción del medio, empezaron a perfilar aquellos interrogantes que hoy son retomados desde un nuevo contexto de producción y de distribución.

La exposición se divide en 5 apartados: desmontando interfaces, desmontando estereotipos, desmontando narraciones, desmontando lo cotidiano y desmontando el sistema del arte.

Desmontando Interfaces

La irrupción de las nuevas tecnologías supuso una mejora considerable en el área de las comunicaciones. La producción artística genera un espacio de reflexión que no busca verdades, sino que por el contrario, sabotea el lenguaje, su estructura, sus signos.
Las distintas obras que conforman esta selección, adoptan un comportamiento viral que se verá reflejado de maneras muy diferentes, pero haciendo notorio el enfrentamiento entre arte y comunicación.
Cuanto menos claro resulta el mensaje, mayor riqueza de sentidos adquieren las obras, y mayor esfuerzo de re-codificación se hace necesario por parte del espectador.
Con obras de Alexei Shulgin, Vuk Cosic, Brian Mackern, Joan Leandre y Giselle Beiguelman.

Desmontando Estereotipos

El mayor producto que vende la sociedad de consumo es la tranquilidad de pertenecer a ella. Lo que importa no es el producto sino cómo éste se vende. O, en todo caso, producto y venta forman parte del mismo fenómeno narcótico de seducción.
A través de diferentes métodos, mediante el humor, el desconcierto, la mímesis, la parodia o el camuflaje, las piezas que conforman esta sección atacan los estereotipos de la propaganda, entendida como propaganda social, política, militar o mercantil.
Se pone en marcha un circuito de reciclado cultural, de remix social y simbólico, con actitudes de travestismo, furia, despreocupación e impertinencia.
Con obras de Antonio Mendoza, Iván Lozano, Eduardo Navas y Arcángel Constantini.

Desmontando Narraciones

Internet es fundamentalmente una red articulada en base a textos. Pero en ella el estatuto de la letra impresa, definitiva e inalterable, ha dado paso a otro estatuto, frágil, mutante e inacabado, con una exponencial posibilidad de expansión, diseminación y replicación por parte de lectores-escritores ubicados a todo lo largo de la red.
Esta ruptura en la linealidad de la narración tiene que ver con otras rupturas como la de la Historia, la verdad, la del autor como narrador omnisciente, que darán paso a textos fragmentados, a la lectura como tarea de desciframiento, a máquinas-poetas programadas para re-citar palabras, al libro juguete, o a la deriva del lector-autor.
Algunos de los ejemplos que encontraremos en esta selección de trabajos pondrán en duda si somos las piezas o los jugadores. ¿Quién mueve a quién? ¿Quién lee y quién es leído?
Con obras de Olia Lialina, Belén Gache, Eugenio Tisselli, Eduardo Navas, Marcel.li Antúnez y Santiago Ortiz.

Desmontando lo Cotidiano

Ciertos proyectos en la web pueden ser mejor apreciados si los entendemos no como obras, sino como intervenciones en un nuevo espacio público, Internet. Pero como toda intervención en un espacio público, la acción debe camuflarse con el entorno y evitar que se perciba su carácter de proyecto artístico.
Es que pareciera ser que en el mismo momento en que aparece la palabra arte, la intervención es desenmascarada y pierde toda peligrosidad. La ficción debe agazaparse, mimetizarse con la realidad para mantener su intensidad y poder subvertirla.
En esta sección encontraremos propuestas que abordan una deconstrucción de lo cotidiano, del ordenamiento social, de la rutina individual y de los entornos y protocolos de interacción e intercambio personal.
Con obras de Daniel García Andújar, Minerva Cuevas, Dora García, Brian Mackern.

Desmontando el Sistema del Arte

La aparición de nuevos dispositivos tecnológicos y el fenómeno de la reproductibilidad no sólo han transformado el arte sino toda nuestra rutina cotidiana y nuestra forma de percibir el mundo.

Pero el cambio que ha incorporado lo digital, a diferencia de otros medios tecnológicos, es posibilitar, más que la reproducción, la manipulación. Más que la invariancia, la perpetua mutación.

Más que la copia, el remix. Esto ha introducido una serie de cuestionamientos, ya no sólo acerca de la noción de original o copia, sino la de autor, la de poseedor o la de coleccionista.

¿Cómo se posiciona el mercado frente a la ausencia de mercancía? ¿Cómo coleccionar una sucesión de bits en constante cambio, aparición y desaparición? ¿Podemos llamar artistas a programadores que exhiben su destreza en el uso del software aplicado al absurdo? ¿O diseminan virus por la red? Pasados ya más de 10 años de producciones en la red, estas preguntas siguen teniendo vigencia.

Con obras de Daniel García Andújar, Eva and Franco Mattes aka 0100101110101101.org, Arcángel Constantini Young-hae Cheng Heavy Industries, Antonio Mendoza e Iván Abreu.

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Centro Cultural de España en Buenos Aires

Del lunes 30 de junio al viernes 4 de julio de 2008. De 16 a 19 hs.
Taller con cupo limitado e inscripción hasta el 20 de junio de 2008.
Dirigido a artistas, teóricos y estudiantes de arte.
Enviar datos personales y  breve curriculum a medialab@cceba.org.ar, especificando la actividad en la que desea participar. Posteriormente recibirá un acuse de recibo de su inscripción.
Actividad organizada en el marco de los Seminario Internacionales del Medialab coordinados por Gustavo Romano.

Objetivos
Resulta fundamental forjar un diálogo estrecho entre los participantes que permita, desde la práctica artística, generar plataformas de reflexión en torno a nuevos procesos transformadores de nuestra realidad. Este encuentro/taller tiene como objetivo introducir a los asistentes en nuevos conceptos derivados de la introducción de nuevas tecnologías, la irrupción de Internet y el uso extensivo de la informática y la electrónica en la  sociedad contemporánea.

La creación colectiva
Es, sobre todo un posicionamiento ético en relación a la función de Internet en el desarrollo y distribución de la cultura. Cultura libre. Transformaciones del  marco legal en torno a los procesos creativos, la propiedad intelectual. ¿Propiedad?, hacia el fin del copyright. ¿Un mundo sin copyright?. Creative Commons, Copyleft, anti-copyright. Nuevas formas de autoría. Creación e inteligencia colectiva, nuevas licencias, aspectos legales.

Nuevos materiales del arte, el Software Libre
Usar y desarrollar recursos que ofrece la comunidad -como es el caso de las aplicaciones de software libre- permiten rediseñar la relación que mantenemos con nuestro contexto. La apertura de código en los sistemas informáticos de software libre permite proyectar nuevas condiciones a la hora de relacionarnos con nuestros sistemas de información y comunicación, así como redefinir el interface y la ergonomía de relación con nuestras herramientas electrónicas.

Nuevas relaciones en los espacios institucionales del Arte
La asimilación definitiva de las nuevas tecnologías en las prácticas artísticas contemporáneas ha traído consigo, entre otros aspectos, un cuestionamiento del papel que hasta ahora tenían los espacios institucionales del arte (museos, centros expositivos, eventos artísticos, etc).

La gestión de la información
Nuevas herramientas de la Sociedad Informacional. Nuevas herramientas en la administración, en la escuela, en la universidad, entre los vecinos, nuevos usos de la tecnología que son incorporados en instituciones tradicionales. El espacio social en la Red. Nuevos servicios, diseño centrado en el usuario, aplicaciones personalizables, sociales y útiles. Wikis para la producción de conocimiento. Periodismo participativo, bitácoras, cms, weblog, rss. La nueva Televisión, La nueva Radio, El nuevo Periodismo. Los nuevos media.

El archivo
La estrategia de la documentación. La nueva naturaleza del archivo. La distribución y gestión de la información.  La interacción dinámica, el intercambio de datos, accesibilidad e usabilidad, estándares. Museo+biblioteca+archivo+centro de documentación Open+collaborative+database Archivo Total

Daniel García Andújar. Inició su trayectoria a mediados de los ochenta con la realización de videos y proyectos de intervención en espacios públicos. Desde 1996 desarrolla el proyecto Technologies To The People®, a partir del cual genera otros proyectos, tanto en la red como en soportes físicos (exposiciones, instalaciones, talleres). Pertenece al colectivo irational.org y trabaja como director de proyectos como art.net.dortmund, e-barcelona.org o e-valencia.org.
http://www.danielandujar.org/
http://tttp.org/

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EXTREMOS DEL SEXTO CONTINENTE. 9 proyectos de net art
Selección: Gustavo Romano
http://www.findelmundo/extremos

Los trabajos elegidos abordan con diferentes estrategias artísticas la idea de “extremo” dentro de la peculiar geografía del ciberespacio, el sexto continente.
Este nuevo mundo se suele pensar como un espacio liso, sin accidentes geográficos que permitan generar una cartografía. Aún así podemos identificar en nuestra bitácora de navegación, como si atravesáramos el cielo o el mar, ciertas turbulencias, generadas a partir de intervenciones artísticas, que nos permiten delinear si bien no un mapa, al menos ciertos patrones de interferencia en la particular curvatura del ciberespacio.
Con trabajos de 0100101110101101.ORG, Antoni Abad, Giselle Beiguelman, Arcángel Constantini, Fin del Mundo, Daniel García Andújar, Brian Mackern, YKON (Summit of Micronations), Hans Bernhard y Lizvlx [UBERMORGEN], Alessandro Ludovico y Paolo Cirio.
[acceso a los proyectos]

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Artistas: Minerva Cuevas (México), Daniel García Andujar (España), Mario García Torres (México), Guillermo Gómez-Peña (México), David Hinojosa Admann (México), Antonio Mendoza (EEUU-Cuba), Ze dos Bois (Portugal), Rafael Marchetti (Argentina) y Raquel Renno (Brasil). Selección: Gustavo Romano
por Gustavo Romano, 2006

Ciertos proyectos en la web pueden ser mejor apreciados si los entendemos no como obras cerradas, sino como intervenciones. Se trata por cierto de intervenciones en un nuevo espacio público, Internet, un espacio de intercambio, de reunión, ámbito de transacciones personales o comerciales.
Pero como toda intervención en un espacio público, la acción debe camuflarse con el entorno y evitar que se perciba su carácter de proyecto artístico. Es que pareciera ser que en el mismo momento en que aparece la palabra arte, la intervención es desenmascarada y pierde toda peligrosidad. La ficción debe agazaparse, mimetizarse con la realidad para mantener su intensidad y poder subvertirla.

Hay distintas tácticas adoptadas por este tipo de producciones que pueden ser comparadas con los mecanismos de supervivencia de ciertos seres vivos. La capacidad de camuflarse con su entorno por ejemplo, que ha sido la elegida por especies como el camaleón o algunas clases de mariposas o insectos, para no ser percibidos por presas o depredadores. O el caso de ciertas aves cuyo plumaje imita la cabeza de una serpiente, y que se mimetizan con la intención de adquirir, a través del simple cambio de aspecto, los atributos de otras especies más peligrosas.
También podemos compararlas con la estratagema de un épico animal de madera: el caballo de Troya. Bien conocido en la red en su versión informática, los troyanos han desplazado en peligrosidad a los virus, debido principalmente a su capacidad de introducirse en nuestros sistemas ocultándose dentro de otros programas. Como los virus o los memes, que se reproducen mediante un portador humano al que utilizan como vehículo, ciertos discursos se mantienen pacientemente agazapados en la sombra para lograr posteriormente su máximo poder de contagio.

En 1996, Daniel García Andujar, con motivo de una exposición en Hamburgo, empieza a desarrollar el proyecto Technologies To The People que, hasta ahora, ha presentado tanto en la Red , como en CD-Rom y en instalaciones. En este proyecto cuestiona, mediante la ironía y la utilización de estrategias de presentación de las nuevas tecnologías de la comunicación, las promesas democráticas e igualitarias de estos medios y critica la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia. En este proyecto, el artista crea una empresa virtual e inexistente, para la cual elabora una imagen corporativa diseñada al detalle (con sus correspondientes logotipos, videos promocionales y páginas Web) que se convierte en una metáfora del uso de las nuevas tecnologías, capaces de hacernos creer que es posible algo que no existe. Uno de los productos de TTTP es Street Access Machine®, un dispositivo inalámbrico que permite validar tarjetas de crédito en la calle y que es propuesto para que por ejemplo los homeless puedan aceptar limosnas aún en el caso de que no se tenga efectivo.
Andújar crea una ficción con el fin de hacernos tomar conciencia de la realidad que nos rodea y del engaño de unas promesas de libre elección que se convierten, irremisiblemente, en nuevas formas de control y desigualdad. Adopta (y pervierte) el discurso de las corporaciones y sus estrategias de difusión, mecanismos que nos recuerdan la gran similitud entre el comportamiento viral de las marcas y los logos en el ecosistema del mercado global y el de los virus (y los memes) en el ciberespacio.

Similar es el caso de Minerva Cuevas con su proyecto Mejor Vida Corp. Haciendo uso de todas las herramientas que las tecnologías de la reproducción y distribución de la información ponen a su alcance, esta empresa ha realizado desde 1998 diversas acciones entre las que se cuentan regalar billetes del metro y sobres con sellos incluidos, ofrecer la posibilidad de imprimirse boletos de lotería, carnets de estudiante para obtener descuentos, e incluso códigos de barras, personalizados según el país del usuario, para rebajar los precios de la comida en los supermercados. Además, MVC ofrece un servicio de cartas de recomendación de galeristas que colaboran con la iniciativa. Según palabras de la artista ” MVC es un proyecto de activismo independiente que utiliza la estructura de la corporación para subvertir sus objetivos y practicar una crítica frontal a la economía de mercado, utilizando los medios de comunicación, llevando a cabo intervenciones públicas de carácter político y ofreciendo al usuario la posibilidad de generar acontecimientos micropolíticos ”
Utilizando las mismas herramientas tecnológicas que han sido desarrolladas para apuntalar el crecimiento de las corporaciones a nivel global, Mejor Vida Corp entrega salvoconductos para desarticular este mecanismo a aquellos que han sido relegados al papel de simples consumidores.

Otra empresa con presencia en la web es Transfer, creada por el colectivo portugués Zé dos Bois y que se ha constituido como “una agencia de importación legal de ciudadanos estadounidenses interesados en formas de vida alternativas”. Desde su portada se nos muestra la plaza Martim Moniz donde se simulan una serie de trágicos, pero habituales procedimientos ilegales de inmigración, y donde se proporciona información real sobre los pasos legales que debe seguir un inmigrante en Portugal. Esta página es sólo una parte del proyecto original que se completaba con una instalación titulada “Situación Cero” en el Yerba Buena Center for the Arts de San Francisco en 2001. La instalación invitaba al público a rellenar un formulario donde se exponían todos los mitos y estereotipos de la inmigración y donde cualquiera que estuviese interesado en emigrar a Portugal podía establecer su primer contacto real con el mercado de empleo de este país.
Si bien los contenidos de la página podrían considerarse los de una consultora en aspectos inmigratorios, el lenguaje utilizado nos recuerda al de una oficina de turismo. Con sus paquetes a precios promocionales nos invita a participar de esta nueva práctica masiva en la que el inmigrante, cual camaleón, se disfraza de turista.

Con las atribuciones de una institución fiscalizadora de arte, Mario García Torres nos propone a través de la página de N.A.C.O. (Net Art Certification Office), un servicio gratuito por el cual obtenemos una validación oficial de nuestra propia obra de net art. El criterio de valoración está basado en ciertos estándares que fueron desarrollándose tanto en diversos foros de cultura digital como en otras obras que abordaron esta temática como por ejemplo Introduction to Net.Art (1994-1999) , de Natalie Bookchin y Alexei Shulguin.
En N.A.C.O. Mario García Torres nos enfrenta a la paradoja de una obra de net art que juzga a otras obras y para lograrlo debió adoptar ciertas tácticas de camuflaje para resaltar su imagen institucional tanto en el diseño de la página web como en sus intervenciones a través de las distintas listas de correo ligadas al circuito del net art. En el seno de estas listas la obra generó acalorados debates que si bien se centraron acerca de los criterios de valoración y de autoridad, lo que realmente demostraron es cómo seguía vigente el formato de “obra” por encima del de proceso (algo tanto más acorde a un medio como el de Internet). Siguiendo con el juego que propone García Torres, finalmente podríamos preguntarnos si N.A.C.O. cumple o no con los requisitos que ella misma propone y si logrará su propia certificación.

Dentro de las propuestas artísticas acerca del circuito del arte se encuentra el sitio de David Hinojosa Admann, Art Market Simulator, que utiliza muchos de los elementos característicos de los mercados bursátiles para crear una simulación del mercado del arte, en la que cualquier persona puede participar para experimentar la emoción de especular con la obra de un artista. Cada usuario registrado puede contribuir con su puntuación a una clasificación pública sobre el prestigio de museos, galerías, comisarios y críticos de arte. El desarrollo del mercado del arte depende del punto de vista e intereses de un selecto grupo de personas e instituciones. Los factores que definen el posicionamiento de un artista en el mercado, nacen de la demanda provocada por la venta, el precio de su obra, la crítica y los lugares donde se expone. Art Market Simulator es una propuesta de deconstrucción de este modelo, donde la obra y el artista se comportan como un negocio, simulando el mercado bursátil. El público puede participar de este sistema transaccional, a través de este website, en el que se subastan las acciones y se deja el precio a la libre oferta y demanda. Tanto la demanda de obra como la demanda de acciones se afectan mutuamente en su valor, pudiendo cualquier persona influir en la especulación del valor del artista y de su obra, a través de un proceso de subasta.
Finalmente, la obra, ironiza sobre el comportamiento viral de los nombres de los artistas (las “marcas”) y su lucha por sobrevivir mediante estrategias ligadas al branding , dentro del competitivo ecosistema del arte.

Si anteriormente habíamos visto diferentes casos de intervenciones en el espacio público de Internet, Influenza_Skin logra intervenir nuestro propio Desktop. A manera de browser invisible que nos ofrece links que se entrelazan con los de los íconos de nuestro propia computadora, este trabajo de Raquel Renno y Rafael Marchetti, propone una reflexión sobre el límite de la “obra” artística, a la vez que sobre los modelos de navegación, de autoría y de presentación. La acción de salirse del “marco” repite la actitud de las vanguardias en señalar el valor del proceso, de la intencionalidad del artista, por sobre el fetiche del soporte. La consecuente contaminación por otro lado, se da no solo formalmente, en ese revoltijo de iconos propios y ajenos, si no que lo que principalmente se contamina es nuestra idea de navegabilidad y de usabilidad y nos empuja hacia un concepto ya no de tránsito hacia un sitio previsto, sino al de deriva.

Resaltar la significativa capacidad de mimesis de Guillermo Gómez Peña resulta innecesario si tomamos en cuenta su destacada trayectoria en performance. La Pocha Nostra , fundada por Gomez Peña, Roberto Sifuentes y Nola Mariano en 1993 en California, ha realizado presentaciones performáticas a gran escala en las que incluyen formatos multimedia, DVDs, instalaciones. Pero por sobre todo, es una plataforma de trabajo participativo. Según sus propias palabras “Bien pensado, la Pocha Nostra es un caballo de Troya: dos o tres artistas pueden ser invitados por una gran institución, y entonces nosotros llevamos diez o veinte y los involucramos a todos en el proceso. La Pocha Nostra es una “maquiladora” virtual que produce metáforas, símbolos, imágenes y palabras “a estrenar” para explicar las nuevas complejidades de nuestros tiempos. El neologismo en splanglish “Pocha Nostra” se traduce tanto como “nuestras impurezas” como “el cartel de los bastardos de la cultura”. Amamos esa ambigüedad. Revela una actitud ante el arte y la sociedad. “Cross-racial, poly-gendered, experi-mental, y que?”.

En “The Chica-Iranian Project, (Orientalism gone wrong in Atzlan)”, Guillermo Gómez Peña y Alí Dadgar nos proponen un test para evaluar nuestra capacidad de distinguir diferentes etnias. En septiembre de 2004 artistas chicanos e iraníes intercambiaron identidades frente a la cámara y se retrataron manteniendo y alterando los diferentes estereotipos Hollywoodenses o los de la prensa actual como el “terrorista” de medio oriente o el “pandillero” latino. Desde el sitio web se invita al visitante a hacer las correspondencias entre las fotografías y los nombres de los correspondientes personajes. Finalmente se nos pregunta: ”En la era post 9/11 ¿Puede EEUU diferenciar entre un chicano y un iraní?¿Entre un latino y alguien de medio oriente?”
En este caso se alude al mimetismo pero atacando directamente el concepto que lo genera: al ojo que vigila no le importa tanto diferenciar si es chicano o iraní, lo que verdaderamente le importa es que es un “otro”.

Otro artista de origen latino viviendo en EEUU, es Antonio Mendoza. Sus trabajos reunidos en el sitio Subculture nos presentan un vertiginoso metacollage de imágenes y sonidos en el que se mezclan casi obscenamente íconos políticos, corporativos, pornográficos, religiosos, marginales, terroristas. Mendoza nos presenta una instantánea contemporánea con el efecto narcótico de lo digital y su principal principio activo: la velocidad. Y con la misma rapidez con la que se suceden y superponen las ventanas del browser en Subculture, nos vemos sometidos a experimentar los extremos: e l confort y la alineación, el control y el descontrol, las bases de datos y el overflow.
En Subculture no hay una navegación segura. Ni siquiera podemos usar la palabra navegar: en todo caso se parece más a caminar sobre un campo minado.
Si pensamos en las páginas como pieles (lo visible) la táctica elegida por Antonio Mendoza parece ser la de un frenético cambio de piel. Si el camaleón nos confunde en su ubicación modificando el color de su piel, lo que ocurre en Subculture es que no podemos atraparlo, no porque su piel sea similar al entorno, sino porque siempre vemos una piel diferente. Esta muda nos hipnotiza creando al mismo tiempo un efecto de atracción y repulsión. Oculto como un escorpión entre las piedras y listo para descargar su veneno.

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Proyectos: Borderhack (México), Burn Station, (España), Constitución (España), e-valencia.org (España), Fadaiat (España), Infomera (México), Medellín WIFI (Colombia), Re:combo (Brasil), Red Libre Red Visible (España).
Selección: Gustavo Romano

por Gustavo Romano

Podemos definir “networking” como la acción de promover la creación de redes y sacar provecho de las herramientas de comunicación bidireccional que las nuevas tecnologías nos ofrecen. Partiendo de esta perspectiva, vemos que no todo el net art se ubicaría en esta categoría, sino sólo aquellas propuestas en las que el arte deja de ser un “objeto (aún siendo virtual) hecho por artistas”, para ser una plataforma, un entorno, una máquina de sentido cuyas piezas se van acoplando constantemente en función de la participación que éstas generen.

En algunos de estos casos, el artista intenta desaparecer, hacerse invisible tras un “colectivo”. En otros casos ni siquiera esto resulta relevante ya que el artista adopta el rol de promotor, de alguien que pone en escena un argumento del que nadie conoce su final y ni aún su próxima escena. En algunos casos, este desplazamiento del artista parecería estar ligado a aquella idea de Beuys de que “cada hombre es un artista” en tanto que se pretende una participación activa y decidida y la transformación del usuario en “networker”.

Esta selección de iniciativas las vemos en un momento en que parece estarse conformando una nueva Internet. De una web 1.0, de contenidos estáticos y cerrados, estamos pasando a lo que Dale Dougherty denominara la web 2.0, en la que el uso de los weblogs, los rss, los wikis, ha ido jerarquizando la interacción y creación de redes sociales por sobre la mera publicación de contenidos para un consumo pasivo. Bajo este nuevo paradigma de red, cabe preguntarse si no estaremos ante la aparición de un nuevo modelo de net art, el net art 2.0

A las redes virtuales las preceden y le dan sentido las redes físicas. No hace falta aclarar que la mayor interactividad se da en un “gathering”, en un encuentro físico entre personas que comparten puntos de vista similares. Pero lo que agrega mayor alcance geográfico, y mayor velocidad es el encuentro virtual que posibilitan las nuevas tecnologías. Tal el caso de Borderhack cuyos orígenes debemos rastrearlos en la iniciativa de diversos artistas que vivían muy lejos geográficamente de Tijuana y muy lejos entre sí, pero que se contactaron compartiendo intereses a través de redes virtuales como por ejemplo la de Nettime. Fue en Europa donde en 1997 durante la Documenta X de Kassel, se creó un festival a modo de campamento que se llamó “kein mensch ist illegal” (nadie es ilegal) donde activistas y artistas manifestaron su descontento contra el trato a los emigrantes “ilegales” en la frontera Alemania/Polonia. Tres años después, este festival-campamento-medialab se trasladó hacia la ciudad de Tijuana donde tomó el nombre de Borderhack!, con la intención no de disolver la frontera, sino de hacerle un “reverse engineering”, comprender su estructura y descubrir su funcionamiento.
Durante tres días se montó un campamento donde se realizaron diversas actividades como conferencias, talleres, exposiciones fotográficas, de arte digital e interactivo, proyecciones de documentales y películas, así como un área de cómputo donde, por medio de la red, el festival estuvo en contacto con el resto del mundo transmitiendo algunas de las actividades y colocando información diaria en la página del evento, así como dando acceso gratuito de servicios de larga distancia e Internet a migrantes que querían comunicarse con sus familias.

El festival generó gran preocupación en aquellas entidades encargadas de controlar la frontera a quienes podemos imaginar haciéndose muy extrañas preguntas: Un muro no puede detener lo virtual, pero… ¿puede lo virtual derribar el muro?¿Existe la posibilidad de que alguien logre hackear la frontera? ¿Y qué demonios significa eso, después de todo?

Del proyecto de hackear la frontera, vayamos a otro proyecto, el de construir un puente virtual sobre el Estrecho de Gibraltar: Fadaiat, que en árabe, significa satélite, trasbordador espacial y también, antena parabólica, icono de identificación del inmigrante, convertida en herramienta de comunicación bidireccional.
Este evento que, en su primera edición tuvo lugar el 22 y 23 de junio de 2004 simultáneamente en un castillo histórico en Tarifa (Andalucía), situado en el Estrecho de Gibraltar, y en Tánger (Marruecos) fue promovido por colectivos y personas que trabajan en los ámbitos del arte, multimedia, medios independientes, comunicación y movimientos sociales de base para fomentar la creatividad, el pensamiento y la acción en torno a las ideas de libertad del conocimiento y libertad de movimiento en el contexto de la reciente historia geopolítica de la zona. Se dispuso una red de streams en directo de audio y vídeo, producidos desde Tarifa, Tánger y otras partes del mundo, para construir un puente virtual sobre el Estrecho, documentando los eventos que ocurrieron entre los dos lugares.

Este puente virtual entre nodos libres, promoviendo la libertad de información pero también la de movimiento puede pensarse como un caso de arquitectura virtual, una de posibles nuevas arquitecturas del siglo XXI.

Otro ejemplo de nueva arquitectura, en este caso arquitectura social, lo representa e-valencia.org, un foro público, abierto, sin restricciones, jerarquías, ni presiones desde los estamentos de poder, a través del cual la comunidad artística y cultural valenciana articula una propia organización de sus intereses. e-valencia.org , inicialmente un proyecto artístico de Daniel García Andújar presentado en 2001 dentro de su muestra The Power of Security y concebida como una revista y un archivo de noticias culturales en el ámbito valenciano, logra trascender esa instancia y se constituye en un muy concurrido espacio de libre acceso en el que cualquiera puede comunicar sus opiniones públicamente y sin mediaciones, creándose así un espacio para el debate, difusión y discusión de la política cultural valenciana, en Internet. De esta forma, por ejemplo, se denunciaron las paradojas del Encuentro Mundial de las Artes y la Bienal de Valencia, y se organizó la oposición al cierre del Centre del Carme mientras se denunciaba el deterioro de la programación del IVAM.
Esta herramienta de discusión de la cultura y de las decisiones de las instituciones públicas en el ámbito local, se termina posteriormente reproduciendo, como lo haría un ente vivo, desde el networking local al global, y se crean los sitios e-barcelona, e-norte, e-seoul.

En todos los casos vemos el uso de la red, de la web 2.0 como medio y a la vez como sistema, como paradigma de convivencia y de contrato social. Toda red necesita sus protocolos de comunicación. Toda sociedad su constitución. ¿La sociedad en la era de Internet no se merece un protocolo editable, consensuado en tiempo real? Esto parece haber pensado el Taller d’Intangibles que convirtió la constitución española en un Wiki, una página web que cualquiera puede editar desde su navegador, volcando los títulos y artículos de la constitución de 1978. En el tiempo en que la misma estuvo funcionando (actualmente el wiki está deshabilitado), se podía acceder al índice, elegir el artículo que se deseara modificar, luego “editar” y cambiar lo que se quisiera. Cada artículo tenía además una página de discusión para fomentar el debate.

Podríamos preguntarnos y analizar por qué se terminó el proyecto de la wiki constitución. Es que si bien este formato ha sido una herramienta que ha generado importantes y hoy en día indispensables fuentes de información consensuada, como por ejemplo la que ofrece la Wikipedia , debemos recordar que también se han producido allí feroces batallas virtuales como la ocurrida con respecto a la página correspondiente a George W. Bush durante la invasión a Iraq y que obligó a cerrar definitivamente el libre acceso para su edición.

La red se nos presenta como un espacio de libre transito e intercambio virtual, pero también como espacio de disputas, como un escenario efímero de discusiones, construcciones, luchas y consagraciones. Donde se han producido por ejemplo, desde aquella renombrada primera guerra de hackers en 1991 (The Great Hacker War) previa a la www y con tecnologías ya obsoletas, cientos de batallas y ataques de los cuales la única huella es cierta reseña de algún cibercronista bélico.

Dentro del campo del net art y cercano a estas luchas digitales encontramos infomera.net, nombre que surgió de las palabras, información y efímera, y que consistió en una serie de acciones performáticas en las que a lo largo de siete encuentros, a manera de un mano a mano mediático, sin reglas y en tiempo real, dos artistas en red durante 48 horas, modificaban libremente el contenido de la página, cuya composición y destino era una incógnita constante y cada instante único e irrepetible. El público no sólo pudo seguir lo que ocurría en los eventos, sino que podía ser partícipe de la transformación del sitio, ya que el nombre de usuario (infra01) y la contraseña (b0207) eran de carácter público. El proyecto, en el que participaron catorce artistas de diversos países y bajo la coordinación de Arcángel Constantini, fue presentado dentro de las actividades del Museo Tamayo.

Las luchas de Infomera no perseguían la destrucción del rival (a diferencia de las batallas de hackers EEUU vs. China, 2001 o Chile vs. Perú, 2005) sino cierto exhibicionismo en la destreza en el uso del software aplicado al absurdo. Pero estos luchadores, en lugar de una combinación de llaves y patadas, dominaban un abanico de trucos baratos en javascipt, en lugar de disfraces y maquillaje, hacían uso de una batería de gráficos recuperados del caché del navegador o de un CD de clipart, en lugar de trofeos de guerra, aspiraban al honor eterno de ingresar al hall de la fama de los net campeones del wild wild web.

Siguiendo la lógica del remix pero focalizado en la construcción de un entorno de uso común, de una plataforma de intercambio paralela y alternativa al concepto de Copyright se encuentra la iniciativa de Re:combo, uno de los pioneros en cuestionar el tema de la autoría en medios digitales.
Según sus propias palabras, “Re:combo es más que una banda pop, un ensayo teórico sobre la autoría y la propiedad intelectual en el siglo XXI hecho para bailar”. Un colectivo de músicos, artistas plásticos, ingenieros de software, DJs, profesores y académicos, que trabajan en proyectos de arte digital y música de una forma descentralizada y colaborativa. El grupo se desenvuelve en ciudades como Recife, João Pessoa, Salvador, Belo Horizonte, Rio de Janeiro, São Paulo y Caruaru, ofreciendo su propio material para que éste sea reutilizado y recibiendo imágenes y sonidos del resto del mundo.

Re:combo es sobre todo, una plataforma a la que uno se suma, una forma no apropiativa de creación a la cual se adhiere al llenar el formulario para “ingresar” a la red de remixers. En 2004, basándose en este formato de aceptación de condiciones, ( Licença de Uso Completo Re:combo v.1.0 ) Creative Commons creó una nueva licencia de libre remix (the Recombo licence)

Lo recombinable debe recombinarse, lo reproducible, reproducirse. Y las redes digitales son el medio propicio para que esto ocurra y a la máxima velocidad. Pero si las leyes le impiden seguir reproduciéndose en el mundo virtual, el networking debe trasladarse a lo físico. Burn Station , literalmente la “estación de quemado”, es una instalación y una acción por el derecho a una cultura libre que se basa en el desarrollo de un software para el sistema operativo GNU/Linux y un servidor local. Este kit de distribución-difusión libre de audio se comporta como un self-service de contenidos digitales. Se trata de una base de datos local compuesta por grupos y autores de música independiente, así como contenidos radiofónicos documentales de carácter social y activista que automatiza el proceso de selección y grabación de archivos. El núcleo del proyecto son el colectivo Platoniq y Ramiro Cosentino . Platoniq es una plataforma de producción, distribución de contenidos digitales, un sello de net cultura que además se ocupa de organizar actividades gratuitas en el espacio publico.

Burn Station, la estación copiadora ambulante, surge como respuesta a leyes de copyright, hechas por y para las corporaciones, que impiden compartir por Internet archivos de una minoría (los que cobran derechos de autor) pero también, y sobre todo, los de la mayoría, aquellos que solo quieren reproducir y difundir sus producciones y hacer uso de la potencialidad de las herramientas digitales y de la red.

En esta línea de reapropiación tecnológica se encuentra el proyecto Medellín WIFI: usar la información (y las herramientas que nos ofrece la era de la información) para consolidar la libertad del uso de la información (y de estas herramientas). Este proyecto colaborativo pro-redes sin cables en Medellín surge con el objetivo de “crear en las ciudades, los pueblos y los barrios una nube que Techo-a-Techo permita el acceso libre a las redes e Internet.” Cuenta hoy con 5 nodos estables, puntos de acceso inalámbricos que darán vía en el futuro, a una red de contenidos culturales y sociales. Medellín WIFI es un grupo autónomo que trabaja localmente por impulsar todo tipo de apropiaciones tecnológicas.

Compartir la información sobre como acceder libremente a una red es una forma de comportamiento en red que no aparece con las nuevas tecnologías sino que, su existencia previa, preconfigura la estructura que terminará adoptando finalmente esta red en Internet. ¿Pero hay un único posible comportamiento en red? Definitivamente no. Una red puede describirse tanto por lo que se ofrece y lo que se niega, lo que se abre y lo que se cierra. Son redes las agrupaciones libertarias y también las sociedades secretas. Las que se ven, y las que se ocultan.

Red Libre Red Visible es un proyecto que combina diferentes herramientas y procesos para visualizar, flotando en el espacio, la información que intercambian los usuarios de una red. Mediante la utilización de un software de realidad aumentada que han desarrollado y disponible a través del sitio web, es posible ver objetos virtuales de colores, que representan los datos digitales, flotando alrededor. Estos objetos virtuales cambian de forma, tamaño y color en relación con las diferentes características de la información que está circulando por la red.

Entender el funcionamiento de las redes, nos permite saber a cuáles tendremos acceso y a cuáles no. A cuáles nuestro trabajo se sumará y contra cuáles chocará. Y dentro de ese flujo efímero y turbulento, nuestras palabras se podrán reproducir infinitamente como memes en el mar de Internet, o bien desaparecer en un instante, con la velocidad de la electricidad, cual si estuvieran en una memoria RAM que alguien acaba de desconectar.

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