El País

Antes lo radical en arte era un soporte como el vídeo, ahora lo es la multiplicidad de medios. Una exposición hace un zapeo por los cuarenta años del género audiovisual en España

El mensaje ha vuelto a superar al medio. Lo que en sus inicios y desarrollo se llamó videoarte, videodanza, videoperformance, hoy ya solo es arte. La técnica es una especificación secundaria, como lo puede ser la pintura, la escultura, la instalación, la fotografía, medios digitales y otros tipos de impresiones. Y eso es quizá porque hoy los artistas echan mano de todas esas técnicas -y otras más- para crear piezas mixtas o simplemente variar de medio de expresión cuando la idea lo requiera. Ese es el punto de llegada de la exposición VideoStorias, que se inauguró ayer en Artium (Vitoria). Un repaso al vídeo artístico hecho en España desde sus inicios, en los años setenta, pero con especial énfasis en lo último, lo híbrido. “Se sigue usando la etiqueta de vídeo a lo que hoy, con el predominio de lo digital, debería llamarse ya de otra manera. Tal vez, solo imagen en movimiento o audiovisuales. La lectura de este medio es hoy distinta, es un medio expandido”, explica Blanca de la Torre, una de las dos comisarias de la muestra, junto a Imma Prieto.

“Se sigue usando la etiqueta de vídeo a lo que hoy, con el predominio de lo digital, debería llamarse de otra manera”

Son cerca de cuarenta años de historia y, evidentemente, el recorrido no ha sido lineal. Por eso han concebido un montaje a partir de cuatro itinerarios marcados en el suelo como si fueran un mapa del metro de cualquier ciudad. Las líneas son Teknés, Política, Sujeto e Híbridos. Una quinta sección, Próxima Estación, es una sala con dos sofás y una pantalla táctil donde se elige a la carta lo que se quiere ver. “Hemos escogido piezas clave, históricas, junto con otras no tan conocidas pero significativas y algunas completamente nuevas e inéditas”, dice De la Torre. La muestra recoge 77 trabajos, de los cuales 44 son de mujeres, 33 de hombres y cuatro de colectivos artísticos. “No hemos pretendido hacer un directorio exhaustivo, hemos seleccionado las que nos interesaban más. En cuanto a la proporción de mujeres, simplemente es que hay muchas de las más importantes artistas españolas trabajando en este medio. Habitualmente se suele dar preeminencia a los artistas masculinos, nosotras empezamos por ellas. Faltan nombres importantes en ambos casos, como los de Jon Mikel Euba o Paloma Navares, por poner dos ejemplos. Pero creo que la lista final contiene piezas bastante interesantes para lo que nos proponemos exponer”.

El primer recorrido, la línea azul, es Teknés (lo tecnológico) y, por tanto, traza un recorrido cronológico desde la utilización del soporte vídeo. “Aunque, echando la vista atrás, consideremos que el cine experimental ya sentaba las bases de este arte audiovisual, hemos tomado como punto de partida el uso del soporte electromagnético porque si no nos tendríamos que haber remontado hasta Buñuel”, comenta la comisaria. En este apartado hay piezas recuperadas, como Primera muerte (1970), de Ángel Jové, Antoni Llena, Silvia Gubern y Jordi Galí. “Quizá la primera pieza de videoarte, de la que no tenían copia ni los autores. La rescatamos a través de los archivos de TV3″, dice De la Torre. En la línea azul hay paradas en V2 (1973), de Eugeni Bonet; Revival Solitary (1980), de Maite Ninou, otro vídeo rescatado; Tránsito (1988), de Ignacio Pardo; Tetsuo Bond To Fail (1998), de Sergio Prego, o El perfecto cerdo (2005), de María Cañas.

La línea verde, Sujetos, agrupa trabajos centrados en el retrato y autorretrato. Todo ello teñido por las preguntas sobre la identidad, la incomunicación o la vulnerabilidad del ser humano. Las paradas contienen obras como Imitation of myself (1974), de Francesc Torres; Before your name (1998), de Alicia Framis; Animales de compañía (2005), de Ruth Gómez; She Wolf (2006), de Pilar Albarracín, o La Liberté raisonnée (2010), de Cristina Lucas. En Políticas, la línea roja pasa por piezas pioneras como Vaga de benzineres (1977), del colectivo Video Nou; EAE, Acción en el museo (1983-2001), de Txomin Badiola; Technologies to the people. Postcapital Archive Project. Black Box (2006), de Daniel G. Andújar, o el inédito Ser y durar (2011), del colectivo Democracia, en el que unos individuos hacen parkour entre las tumbas ilustres en el cementerio de La Almudena.

“El único artista con dos obras es Antoni Muntadas”, dice De la Torre. “No solo porque es uno de los maestros, sino porque ha conseguido recuperar fragmentos perdidos de su trabajo Cadaqués Canal Local (1974), una experiencia de vídeo comunitario al estilo de Guerrilla Televisión, que se proyectaba en bares y locales del pueblo. La otra pieza pertenece a su trabajo On Translation, iniciado en 1997 y que continúa. La pieza incluida aquí es Miedo (2007)”.

En la línea Híbridos de este metro imaginario hay también recuperaciones especiales para esta exposición como la pieza OSNABRÜCK: OSNABRÜCK (1988), de Concha Jerez; Dial M for Murder (2010), una instalación de Daniel Canogar; La isla de hidrógeno (2010), del colectivo PSJM, que combina escultura, novela e imagen digital, y 2000 volts (2004), de Guillem Bayo, que consta de una silla eléctrica y un gran espejo, donde el espectador asiste a su propia electrocución (no letal).

“No se tiene que ver toda la exposición de una sola vez”, afirma la comisaria. “El planteamiento curatorial es el de ofrecer lecturas múltiples y hacer una especie de zapping, tal como estamos ahora acostumbrados a comportarnos”.

VideoStorias. Artium. Francia, 24. Vitoria-Gasteiz. Hasta el 4 de septiembre.

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Comisarias de la exposición:
Blanca de la Torre e Imma Prieto

Producida por ARTIUM (Vitoria-Gasteiz)

Catálogo de la exposición (textos de):
Blanca de la Torre, Imma Prieto, Ángel Quintana, Nekane Aramburu,  Emilio Álvarez,  Juan Ramón Barbancho, Laura Baigorri, Susana Blas, Eugeni Bonet, Antoni Mercader, María Pallier y Berta Sichel.

Ciclo de conferencias

Ámbitos, contextos, recorridos:  VideoStorias
Guadalupe Echevarría, Antoni Mercader, Gabriel Villota y Eugeni Bonet

Batalla de pantallas
Félix Pérez Hita, Jorge Luis Marzo, Fito Rodríguez

(consultar programa completo)
www.artium.org

ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición VideoStorias (Sala Norte, desde el 15 de abril hasta el 4 de septiembre de 2011), una particular revisión del videoarte del estado español en los últimos cuarenta años a través de la obra de más de setenta artistas, más del 50 por ciento mujeres, y con especial hincapié en la última década. La muestra se articula a través de cuatro posibles recorridos que atienden al interés por el individuo, por lo político, por lo tecnológico o por la conexión con otros lenguajes artísticos. Las líneas que marcan estos recorridos se entrecruzan en determinadas obras, lo que permite al visitante “transbordar” y cambiar el destino, como en una línea de metro. Comisariada por Blanca de la Torre e Imma Prieto, la exposición dispone de un catálogo de diseño especial con diversos textos y las fichas de cada una de las obras expuestas. ARTIUM ha programado, en torno a VideoStorias, un ciclo de conferencias en el que participarán Antoni Mercader, Eugeni Bonet, Guadalupe Echevarria y Gabriel Villota.
VideoStorias no plantea un recorrido único, lineal, estrictamente cronológico por la historia de la videocreación española desde sus inicios hasta la actualidad, sino que, al contrario, la exposición permite -y en cierto modo exige- al espectador crear uno o varios itinerarios que le conducen a un final que el propio visitante puede elegir. Organizada en torno a cuatro ámbitos temáticos (Teknés, Sujetos, Políticas e Híbridos) y con evidentes referencias a Rayuela de Julio Cortázar -explícitas en la edición del catálogo de la muestra-, el espectador sigue los itinerarios marcados con líneas de colores pero, puesto que los ámbitos marcados no son en absoluto excluyentes, salta -o transborda- con naturalidad de un contexto a otro, como si se tratara de las diferentes líneas de una red de transporte público.

El espectador se encuentra a la llegada con la necesidad de elegir el color de la línea con la que iniciar su trayecto: azul, verde, rojo o amarillo. A lo largo del recorrido se encontrará en cruces de líneas con obras que comparten dos o más ámbitos; algunas comparten tres estaciones, como Indian Circle, de Eugenia Balcells (1981), Estrecho Adventure, 1996, de Valeriano López (1996) o 2000 Volts, de Guillem Bayo (2004), y algunas son cruce de al menos dos líneas. En estos cruces, tendrá la opción de cambiar de línea o seguir por la misma.

Teknés, Sujetos, Políticas e Híbridos

La línea azul corresponde al ámbito del Teknés (lo tecnológico). Siguiéndola el espectador puede asistir a una de las posibles historias del vídeo en España, puesto que esta “ruta” sigue un itinerario cronológico ligado al desarrollo tecnológico y a la evolución del soporte como medio de expresión artística. Aquí el espectador encuentra las imágenes que ha sido posible recuperar de la que se considera una de las primeras piezas de videoarte en España, Primera muerte, de Àngel Jové, Antoni Llena, Sílvia Gubern y Jordi Galí (1970). También en la misma línea es posible pararse en obras de Eugeni Bonet (V2, 1973), Maite Ninou (Revival Solitary, 1980), Ignacio Pardo (Tránsito, 1988), Sergio Prego (Tetsuo Bound to Fail, 1998) o María Cañas (El perfecto cerdo, 2005) e incluso cambiar de línea tras detenerse en piezas de Antoni Muntadas (Cadaqués Canal Local, 1974), Iñigo Salaberria (La noche navegable, 1993), Txuspo Poyo (Delay Glass, 2007) o Eugenio Ampudia (Collectors, 2009), entre otros.

La ruta verde, Sujetos, recorre los géneros de retrato y autorretrato y lo relacionado con la denominada “mirror image” (la imagen del espectador como un reflejo de su paso por la exposición). A través de una mirada hacia dentro o hacia fuera del propio artista, en este ámbito pueden verse trabajos sobre cuestiones como el género, la comunicación (o incomunicación) y la fragilidad y vulnerabilidad del ser humano. Obras de Francesc Torres (Imitation of Myself, 1974), Alicia Framis (Before Your Name, 1998), Ruth Gómez (Animales de compañía, 2005), Pilar Albarracín (She Wolf, 2006), Eulàlia Valdosera (Interviewing Objects, 2008), Mabel Palacín (Hinterland, 2009), Ángeles Agrela (Entrevista, 2010), Jordi Colomer (The Istanbul Map, 2010), Cristina Lucas (La Liberté raisonnée, 2010), o Carles Congost (Bad Painting, 2011), son estaciones dentro de esta línea.

El recorrido marcado por la línea roja es el de las Políticas. El vídeo ha sido siempre un soporte que ha permitido al artista tejer una serie de discursos políticos, enfocados hacia lo social, y dibujar un paisaje que va desde las posturas más pesimistas hasta las utopías más radicales. Artistas como Colectivo Video Nou (Vaga de benzineres, 1977), Txomin Badiola (EAE. Acción en el museo, 1983-2001), Daniel García Andujar (Technologies to the people. “Postcapital. Archive Project”.  Black Box, 2006), Fernando Sánchez Castillo (Pegasus Dance, 2008), y el colectivo Democracia (Ser y durar, 2011), entre otros, se encuentran en esta ruta.

Finalmente, la línea amarilla, Híbridos, marca la conexión del videoarte con ámbitos de la creación cercanos pero diferentes, y muestra los múltiples diálogos que mantiene con otros lenguajes tales como la danza, la música, la performance, el videojuego, la escultura o el videoclip, entre muchos otros. Concha Jerez (OSNABRÜCK: OSNA-BRÜCK, 1988), Joan Morey (F_TERROR* ism par STP (Fucking Fashion Rules), 2002, Itziar Okariz (Thanks, 2004), Guillem Bayo (2000 volts, 2004), Eugenio Ampudia (Collectors, 2009), Dora García (Insulto al público: adaptación, 2009), Daniel Canogar (Dial M for Murder, 2010) o PSJM (La isla de hidrógeno, 2010), se encuentran en esta ruta de VideoStorias.

Haya elegido el recorrido que haya elegido, el espectador aún tiene un elemento más de decisión que le permitirá determinar el final de su historia con el videoarte: una última parada, titulada Próxima estación, está planteada como un espacio de vídeo a la carta en el que podrá visualizar vídeos que no están presentes en ninguno de los recorridos principales. De esta manera, el término de la exposición es un final abierto y sin conclusiones categóricas, que es, en cualquier caso, una de las pretensiones de las comisarias.

El catálogo

Con motivo de VideoStorias, ARTIUM ha editado un catálogo de diseño especial, un estuche que contiene tres libros y una colección de fichas de las obras expuestas. Al igual que la exposición, el catálogo permite al lector adoptar distintos recorridos e incluso evitar el paso por determinados lugares del libro, ya que combina textos que se asemejan a apuntes de archivos con la posibilidad de elegir el orden de lectura, inspirado en obras como Rayuela, de Julio Cortázar, La exhibición de atrocidades de Ballard y esos libros de “elige tu propia aventura” dirigidos al público juvenil.

Aunque Rayuela está presente incluso en el índice, ya que varios de los capítulos refieren a los títulos de las partes del libro de Cortázar (Del lado de acá, Del lado de Allá, De otros lados), es en el capítulo Itinerarios/Disyuntivas (De otros lados), texto de las comisarias Blanca de la Torre e Imma Prieto, donde más se aprecia esa herencia: la intersección de las líneas, el hecho de invitar al lector a saltar de ámbito en ámbito, la posibilidad de acceder sólo al núcleo de información esencial…

El libro contiene además un recorrido cronológico por la historia del videoarte -Ni son todos los que están, ni están todos los que son (Del lado de allá), también de Prieto y de la Torre-, un escrito de Ángel Quintana (Repensar las fronteras entre prácticas e imágenes) y una serie de textos breves de carácter personal, agrupados bajo el título Videorrelatos, entre cuyos autores se encuentran Susana Blas, Antoni Mercader, Eugeni Bonet, María Pallier, Berta Sichel y Nekane Aramburu, entre otros.

El estuche se completa con las fichas de las 78 obras de los 77 artistas, con un código de colores que las asigna a la línea o líneas a las que pertenecen cada una y un comentario curatorial de las comisarias.

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inauguración:
martes 9 de febrero 2010, 20.00 h

HONOR. POSTCAPITAL ARCHIVE (1989-2001)
Daniel G. Andújar
9 de febrero ˆ 3 de abril 2010

HONOR. POSTCAPITAL ARCHIVE (1989-2001)

En su configuración actual, el archivo incluye más de 250.000 documentos compilados desde Internet por Daniel G. Andújar durante casi una década de trabajo creativo. Estos materiales, entre los que se encuentran publicaciones, piezas de vídeo, audio y bancos de imágenes, dibujan una vasta radiografía de las transformaciones geopolíticas y de la situación de las ideologías comunistas y capitalistas en el período comprendido entre la caída del Muro de Berlín y el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York.

Postcapital Archive (1989-2001) -www.postcapital.org- fue presentado por primera vez en 2006 en el centro La Virreina de Barcelona, como parte del proyecto Postcapital. Política, ciudad, dinero, junto a los trabajos del artista Carlos Garaicoa y del ensayista Iván de la Nuez. Desde entonces, esta propuesta multimedia en proceso, que no sólo permite la consulta por parte de los usuarios, sino también la copia e incluso la modificación, ha ido ampliándose en sucesivas exposiciones, talleres, Workshops e intervenciones en el espacio público llevadas a cabo en Oslo, Santiago de Chile, Bremen, Montreal, Estambul, Dortmund y, mas recientemente, de forma antológica, en la Württembergischer Kunstverein de Stuttgart, Iberia Art Center de Pekín, y en la Bienal de Venecia. Postcapital se presenta en el Pabellón de Cataluña como instalación y, a la vez, también forma parte, como caso de estudio, de una de las publicaciones monográfica del Pabellón de Turquía. Actualmente pueden seguirse partes del proyecto en LABoral  de Gijón, en Bòlit de Girona, y está en preparación su presentación en Estambul y Seúl.

A lo largo de todo este tiempo, Postcapital Archive (1989-2001) ha ido desarrollando proyectos de distinta escala y de diferente formato, algunos de los cuales configuran su presentación en espaivisor. Honor, forma parte de este vasto archivo, compila y remezcla material obtenido de la Red con referencia a la guerra y los nuevos sistemas de representación de la violencia. En concreto centra su atención en la guerra de Irak, combinando documentos periodísticos, animaciones de videojuegos y fragmentos de películas amateur filmadas por los propios actores en conflicto. En contraste con No War, una antología de registros sobre las multitudinarias manifestaciones simultáneas y globales que tuvieron lugar en 2003 como protesta frente al conflicto EEUU-Irak.

Cronología Postcapital Archive (1989-2001)

2006

Postcapital: Política, ciudad, dinero
Con Carlos Garaicoa e Ivan de la Nuez
Palau de la Virreina, Barcelona

2008

Postcapital Archive (1989-2001)
Württembergischer Kunstverein, Stuttgart
Comisariado por Hans D. Christ e Iris Dressler

Anna Kournikova Deleted By Memeright Trusted System-Art in the Age of Intellectual Property, Library. Postcapital Archive
Hartware MedienKunstVerein, Dortmund
Comisariado por Inke Arns y Francis Hunger

La mediation du conflit/Mediating Conflict, Honor. Postcapital Archive
Maison de La Culture, Montreal
Comisariado por Sylvie Lacerte

2009

Postcapital Archive (1989-2001)
Iberia Art Center, Pekín
Comisariado por Valentín Roma

Mauer. Postcapital Archive
Museum for Modern Art Bremen, Bremen
Comisariado por Anne Thurmann-Jejes

Trapped in Amber. Angst for a Reenacted Decade, Honor. Postcapital Archive
UKS, Oslo
Comisariado por Helga-Marie Nordby y Bassam el Baroni

Postcapital Archive (1989-2001)
La comunidad inconfesable, 53e edición de la Bienal de arte de Venecia, Eventi Collaterali
Comisariado por Valentín Roma

Angel of History, Postcapital (Copyright)
LABoral, Centro de Arte, Gijón
Comisariado por Christiane Paul y Steve Dietz

2010

Postcapital Archive (1989-2001)
La comunidad inconfesable, Bòlit, Centre d’Art Contemporoni, Girona
Comisariado por Valentín Roma

Video proyecciones

2008

Honor. Postcapital Archive
2nd Biennial 01SJ Global Festival of Art on the Edge, Zero1, San Jose, California
Comisariado por Steve Dietz

Close Window, Honor. Postcapital Archive
Refresh, Senko Studio in Viborg, Copenhage
Comisariado por Annette Finnsdottir

2009

Multitud Singular: El arte de resistir, The Wall. Postcapital Archive
Museo Nacional de Arte Reina Sofía, Madrid
Comisariado por Berta Sichel

Intervenciones públicas

2007

Secret. Postcapital Archive
Barcelona Toolbar, Matucana 100, Santiago de Chile
Comisariado por Valentín Roma

TECHNOLOGIES TO THE PEOPLE
Daniel G. Andújar www.danielandujar.org

Technologies To The People (TTTP) nace en 1996, como parte del proyecto expositivo Discord. Sabotage of Realities, que tuvo lugar en la Kunstverein y la Kunsthaus de Hamburgo. Se presentaba como una empresa virtual dedicada a acercar los avances de la tecnología a los más desfavorecidos, una especie de imprecisa corporación que reproducía el lenguaje disuasorio, los tics de identidad y los arquetipos visuales asociados a las compañías comerciales del ámbito digital.

Es importante referirse, como definición del contexto en el que surge TTTP, a la explosión que en aquellos momentos y de manera incipiente se estaba produciendo dentro del universo de las tecnologías de la información, donde surgían espejismos financieros -empresas con cotizaciones bursátiles, iniciativas rocambolescas o plataformas sin definición alguna-, que tras adquirir un incomprensible protagonismo mediático desaparecían como si jamás hubiesen existido. Al mismo tiempo y coincidiendo con ese período inicial de la red, empezaron a generarse imaginarios que idealizaban de forma acrítica una supuesta independencia y democratización del conocimiento que Internet debía traer consigo, pero que, finalmente, no acabó de llegar nunca.

Así pues, TTTP aparece como parodia en el doble sentido anteriormente mencionado, es decir, como reverso desconcertante de las hipotéticas maldades de las corporaciones tecnológicas y, también, como irónico contrapunto de las soflamas de los apóstoles de la libertad digital.

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La Muestra de Videoarte de Autor Español arrancó ayer con la obra “Postcapital”, la mirada activista y crítica que, en forma de archivo audiovisual, traza Daniel G. Andújar a los años de transición entre dos siglos, el XX y el XXI, y dos mundos: el que existió hasta 1989, marcado por el enfrentamiento EEUU-URSS, y el que nació tras los atentados del 11-S, volcado en la guerra contra el terrorismo.

Diario del Alto Aragón O. ISARRE
HUESCA.- Ocho piezas de “Postcapital” se exponen desde ayer y hasta este domingo en la sede de la DPH en Huesca, lugar que también acogió ayer una conferencia de Andújar sobre la exposición de su proyecto en Stuttgart, aunque “Postcapital” también se ha expuesto en Montreal, Estambul u Oslo. Andújar no fue el único conferenciante, ya que el crítico de arte Álvaro de los Ángeles destacó los aspectos más significativos de la obra de Andújar más reciente.

Usando imágenes reales, Andújar aborda la transición entre el mundo en el que se enfrentaban comunistas y capitalistas y el surgido tras la caída de las Torres Gemelas desde múltiples aspectos, como la economía, la propiedad, Internet o la guerra. Una muestra de cada ámbito de esta sociedad se puede observar en “Honor”, “Seamos crueles”, “X”, “Western cynism”, “Seamos realistas” y las otras tres piezas sin título que se proyectan en la DPH.

CINCO ARTISTAS EXPONDRÁN SUS PIEZAS

Antes de la conferencia, Francisco Mateo, vicepresidente de la Comisión de Cultura de la DPH, calificó de “arriesgada” la apuesta que la institución comarcal hace al elegir los videos como objeto de exposición. Mateo también afirmó que la DPH “siempre” ha apostado por las nuevas tecnologías y que en esta ocasión exponen autores “jóvenes y prometedores”. El listado de creadores lo completan Álex Francés (del 16 al 22 de marzo), Mira Bernabéu (23 al 29), Paloma Navares (del 30 al 5 de abril) y, por último, el altoaragonés y ganador de un Félix de Azara Javier Codesal (del 6 al 12).

Cada exposición se podrá visitar durante una semana en la DPH y se inaugurará con una conferencia, generalmente del mismo autor, sobre las piezas que se exhiban, que entre todos los artistas suman algo más de una veintena de obras.

EL MISMO ARTE, PERO DIFERENTE FORMATO

Durante la visita con los medios de comunicación a su exposición, Daniel G. Andújar explicó que las piezas que se proyectan son sólo una parte más y que “forman parte de algo más complejo”, como instalaciones o proyectos.

Respecto al carácter novedoso y especial del video como expresión artística, declaró que el videoarte es una disciplina como las demás, pero realizada “en un formato diferente” con el que los jóvenes “están más familiarizados que con los (formatos) clásicos”.

También se refirió a la capacidad “democratizadora” de las nuevas tecnologías, citando a la página web de vídeos You Tube, para a continuación hablar del “miedo” que tiene cierta gente a acercarse a un nuevo formato.

ACERCAR EL VIDEOARTE A TODOS LOS PÚBLICOS

La Muestra de Videoarte “nace con la voluntad de acercar el video a todos los públicos”, declaró María González, coordinadora de Artes Plásticas de la DPH. González añadió que esta disciplina todavía “no es frecuente” en las salas de exposición, a pesar de que cada vez va ganando una mayor presencia en los circuitos de difusión artística.

Sobre la Muestra en sí misma, la coordinadora de Artes Plásticas de la DPH afirmó que “no es una exposición al uso”, sino cinco muestras de otros tantos artistas que se encadenan una con otra y que están precedidas de una conferencia.

Además, González citó otro rasgo que distingue a esta Muestra de exposiciones “más convencionales”: la creación de una “zona documental” en la que el público visitante puede acceder a otros trabajos del artista, al catálogo de la Muestra, al trabajo de otros creadores y a páginas web sobre videoarte, con lo que se contribuye a “romper esa barrera” que todavía separa a una parte del público con esta forma de arte nacida hace ya más de treinta años.

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21. februar – 22. mars 2009

Velkommen til åpning av den internasjonale gruppeutstillingen Trapped in Amber: Angst for a Reenacted Decade på UKS fredag 20. februar kl. 19.00.

Performance med Magnus Monfeldt kl. 20.00 åpningskvelden.

Lørdag 21. februar kl. 15.00 ønsker vi velkommen til samtale med utstillingens kunstnere og kuratorer.

Daniel Garcia Andujar (ESP)
Hamdi Attia (EGY/USA)
Bodil Furu (NO)
Assefa Gebrekidan (ETH)
Iman Issa (EGY/USA)
Mahmoud Khaled (EGY)
Magnus Monfeldt (SWE/NDL)
Harwood/Wright/Yokokoji (UK)

Kuratorer: Bassam El Baroni og Helga-Marie Nordby

Trapped in Amber er en del av Afrika i Oslo, et utstillingsprosjekt initiert av Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design og som inkluderer Oslo kunstforening, Kunstnernes Hus, IKM, Stenersenmuseet, KORO og UKS.

Utstillingen Trapped in Amber: Angst for a Reenacted Decade tar sitt utgangspunkt i et spesielt kapittel av Oslos kunsthistorie, Edvard Munchs representasjoner av eksistensiell angst. Utstillingen tester grensene for kulturindustriens stereotyper ved å skape en samtidig versjon av fenomenet Fin de siècle og den angstfokuserte kunstproduksjon fra forrige århundreskifte. Gjennom arbeidene i utstillingen vurderer Trapped in Amber angstens mulige post-kontinentale eksistens i dagens kunstneriske uttrykk. Spesielt interessant er måten angsten lever videre på og uttrykker seg i ulike verdener, innenfor den nye kulturelle og sosiale økonomien og ikke minst i forhold informasjonsteknologien.

De fleste fortellinger skrevet av symbolistene og ekspresjonistene i Fin de siècle kanonen viser at disse kunstnerne forsøkte å fange eller portrettere en form for universell angst, et grensesprengende skrik av følelsesmessig intensitet. Universialiteten den gang synes å ha manglet en kulturell fellesnevner og ble først og fremst definert i forhold til naturen, spiritualitet, seksualitet og i noen tilfeller ut fra en kreativ egotisme. Dersom Fin de siècle kunstnerne drev refleksjon rundt det som for dem var samtidens universelle angst, hva slags type bilder, kulturelle prosesser, kritiske perspektiver eller ikoner, om det finnes noen, kan representere dagens universelle angst? Trapped in Amber søker å bygge en kritisk og romlig kontekst, hvor de ulike verkene berører temaer eller problemstillinger hvor angst og/eller universalitet kan sies være sentrale størrelser.

Finanskrisen har vært et hardt slag for mange – En ny stor depresjon, men denne gang et avkom av en ekstrem deregulering. Finanskrisen fører også med seg en oppblomstring av politiske og sosiale ideologier som bare for noen år siden ble erklært døde. Det tiåret vi er inne i markerer også en forverring av interkulturelle forhold. Kanskje verden for øyeblikket har stoppet på gult lys ute av stand til å bevege seg sosiokulturelt eller politisk fremover, på tross av fantastiske teknologiske fremskritt. Kanskje er den kulturelle økonomien vi lever i fastnet i det arkaiske fordi våre ideologier er for gamle til å utvikle potente diskurser, og vårt post-ideologiske tankesett ikke er noe annet en vakker klump med rav som innkapsler et gammelt og uhåndgripelig problem. I lys av disse metaforene forsøker Trapped in Amber å bygge en bro mellom modernismens barndom, den gang Edvard Munchs kunst nådde sitt klimaks, og de sosiale, intellektuelle og politiske forholdene vi finner i første del av vårt århundre.

Denne brobyggingen tar først og fremst form gjennom en serie med utstillingsrekvisitter kollektivt skapt av de involverte kunstnerne, kuratorene og galleriets medarbeidere. the Frieze of life er et større veggarbeid som baserer seg på en samling visuelt materiale hentet fra nettet. Utgangspunktet var å skape en samtidig versjon av Munchs Livsfrisen, men også et slags skyggebilde av de store salongutstillingene på slutten av 1800-tallet. Et annet kollektivt prosjekt er en unik redesignet puffsofa. Sofaen er en replika av den som var plassert i Munchs Berlinutstilling i Equitable Palast (1892-1893), men i vår versjon er stoffet designet av Trapped in Ambers kunstnere.

Trapped in Amber søker å skape en samtidig parallell til Fin de siècle’s kunstneriske uttrykk og refleksjon rundt samfunn og politikk. En slags relasjonell ligning som berører noen av de mulige forbindelsene og skillene mellom deres og vår tidsalder, og som kan stimulere til nye metoder, taktikker og diskusjoner. Men endelig, det er gjennom å muliggjøre dette rommet hvor fortid og nåtid er uatskillelige at en latent friksjon kan aktiveres og lyset bevege seg mot grønt.

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I forbindelse med Kulturelt mangfoldsår 2008 i Norge gikk en gruppe museer og utstillingsinstitusjoner i Oslo for første gang sammen om å utvikle et ambisiøst utstillingsprosjekt som vil presentere noe av det aller beste fra afrikansk samtidskunst, med både etablerte og nye kunstnere. Afrika i Oslo ble startet av prosjektets kunstneriske leder Gavin Jantjes fra Nasjonalmuseet. I samarbeid med Marith Hope fra KKD ble prosjektet utviklet som et todelt forsknings- og utstillingsprosjekt for det kulturelle mangfoldsåret. Marith var prosjektleder fram til november 2008.

Konsept

Regionale presentasjonsutstillinger med afrikansk samtidskunst har kun blitt vist omtrent én gang hvert tiende år i Europa, noe som har ført til en mangelfull og kanskje feilaktig oppfatning av afrikansk kunstproduksjon. AiO ønsker å skape et jevnere og dypere engasjement for kunsten og kunstnerne fra det afrikanske kontinentet gjennom å utvikle nettverk og sette bidrag fra Afrikas kunstmiljø på dagsordenen. Hvis globalisering ikke bare skal være et økonomisk begrep, men også et ekte engasjement for verdens ulike kulturer, må vi skape nettverk som gjør oss i stand til å forstå samtidskunsten på en meningsfull og produktiv måte.

Fem utstillinger fra prosjektet Afrika i Oslo vises på seks utstillingssteder:

Hykleri: Stedsspesifikk moralitet

Georges Adéagbo, Birgir Andrésson, Olaf Breuning, El Parche, Marianne Heier, Gunilla Klingberg, Moshekwa Langa, Steve McQueen, George Osodi, Wilfredo Prieto, Pascale Marthine Tayou

Kurator: Stina Högkvist og Koyo Kouoh

Nasjonalmuseet – Museet for Samtidskunst, Bankplassen 4
Maputo: A Tale of One City
Berry Bickle, Ângela Ferreira, Pompílio Hilário Gemuce, Rafael Mouzinho, Emeka Okereke,

Lourenço Dinis Pinto, Mauro Pinto

Kuratorer: Bisi Silva, Daniella van Dijk-Wennberg og Marianne Hultman

Del 1 Oslo Museum; Interkulturelt Museum, Tøyenbekken 5

Del 2 Oslo Kunstforening, Rådhusgaten 19

TRAPPED IN AMBER: Angst for a Reenacted Decade

Daniel Garcia Andujar, Hamdi Attia, Bodil Furu, Assefa Gebrekidan, Iman Issa, Mahmoud Khaled, Magnus Monfeldt, Harwood/Wright/Yokokoji

Kuratorer: Bassam El Baroni og Helga-Marie Nordby

Unge Kunstneres Samfund, Lakkegata 55d

Looking Inside Out

Kader Attia, Dora Dhouib, Hala Elkoussy, Mounir Fatmi, Chourouk

Hriech, Bouchra Khalili, Nicène Kossentini, Driss Ouadahi, Younès

Rahmoun, Hans Hamid Rasmussen og Batoul Shimi

Kuratorer: Maaretta Jaukkuri og Cristina Ricupero med bistand fra Kader Attia

Kunstnernes Hus, Wergelandsveien 17

Beauty and Pleasure in South African Contemporary Art

Dineo Bopape, Andries Botha, Frances Goodman, Kay Hassan, Nicholas Hlobo, Lawrence Lemaoana, Langa Magwa, Senzeni Marasela, Nandipha Mntambo, Ahti Patra Ruga, Berni Searle,

Nontsikeleo Veleko

Kurator: Selene Wendt

Stenersenmuseet, Munkedamsveien 1

Følgende kunstnere og kuratorene har bidratt:

Georges Adéagbo (Benin), El Parche (Norge/Columbia/Namibia), Marianne Heier (Norge), George Osodi (Nigeria), Pascale Marthine Tayou,(Camerun/Holland), Ângela Ferreira (Portugal/Mosambik), Pompílio Hilário Gemuce (Mosambik), Rafael Mouzinho (Mosambik), Emeka Okereke (Nigeria), Lourenço Dinis Pinto (Mosambik), Mauro Pinto (Mosambik), Daniel Garcia Andujar (Spania), Hamdi Attia (Egypt/USA), Bodil Furu (Norge), Assefa Gebrekidan (Etiopia), Iman Issa (Egypt/USA), Mahmoud Khaled (Egypt), Magnus Monfeldt (Sverige/Nederland), Harwood/Wright/Yokokoji (Storbritania), Kader Attia (Algerie/ Frankrike), Dora Dhouib (Tunisia), Chourouk Hriech (Frankrike/Marokko), Bouchra Khalili (Frankrike / Marokko), Younès Rahmoun (Marokko/Spania), Hans Hamid Rasmussen (Norge), Batoul Shimi (Marokko).

Prosjektet Afrika i Oslo er støttet av Det kongelige norske utenriksdepartement og Fritt Ord, stiftelsen for vern av ytringsfrihet. Afrikanske ambassader og nasjonale kunstinstitusjoner på det afrikanske kontinentet har også støttet prosjektet. Norsk Kulturråd har dessuten gitt støtte til enkelte deler av prosjektet. Afrika i Oslo er også støttet av KORO, statens fagorgan for kunst i offentlige rom, Kunsthøgskolen i Oslo og Nobels Fredssenter. Disse institusjonene har gitt, eller vil gi, bidrag knyttet til prosjektet i 2009.

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21st February – 22nd March 2009

Welcome to the opening of the international group exhibition Trapped in Amber: Angst for a Reenacted Decade at UKS friday the 20th of February at 7pm

Special Performance by Magnus Monfeldt: Friday 20th February at 8pm

Trapped in Amber curators in conversation with the artists: Saturday 21st February at 3pm

Daniel Garcia Andujar (ESP)
Hamdi Attia (EGY/USA)
Bodil Furu (NO)
Assefa Gebrekidan (ETH)
Iman Issa (EGY/USA)
Mahmoud Khaled (EGY)
Magnus Monfeldt (SWE/NDL)
Harwood/Wright/Yokokoji (UK)

Curated by: Bassam El Baroni and Helga-Marie Nordby

Trapped in Amber: Angst for a Reenacted Decade is an exhibition that draws on Oslo’s art history, specifically the city’s tradition of northern European ‘Angst’ demonstrated in the oeuvres of such pivotal figures as Edvard Munch. The exhibition aims to test the limits of cultural industry stereotypes by creating a contemporary comparative to the phenomenon of Fin de siècle angst-ridden artistic production. Through the works of the invited artists, Trapped in Amber considers angst’s possible post-continental existence today in contemporary artistic formats. Of particular interest is the way angst can live on and express itself in a different world and age, experiencing different problems and in the midst of new cultural, socio-economic, and information dynamics.

Most narratives written by the cannon on the Fin de siècle symbolists and expressionists, point out that these artists aimed at capturing and portraying some sort of universal angst, a border-crossing scream of human emotional intensity; the metaphors are plentiful. Universality back then seems to have lacked a common cultural denominator, and to have been defined mostly in relation to nature, spirituality, and in some cases creative egotism. If the Fin de siècle artists reflected what was to them the ‘universal angst’ of their time, what kind of images, cultural processes, critical perspectives, or icons, if any, can reflect and be involved with a ‘universal angst’ in today’s world? How can one engage with terms such as “Universal” and “Angst” in a narrative of the here and now? Trapped in Amber aims to engineer a critical and spatial context where the works articulate different trajectories cutting through the main issues of angst and/or universality.

The global financial crisis is taking its toll on many, another ‘great depression’ but this time born of hyper-deregulation, the resurgence of political and social ideologies that were quite hastily labeled ‘dead’, and a decade marking the deterioration of the world’s intercultural relationships. Perhaps the world is currently trapped in an amber traffic light switched on by a past epoch, still not able to make substantial moves forward on the socio-cultural and political levels despite great technological advances. Perhaps, the cultural economy we function in is verging on the archaic because our ideologies are too old to develop potent discourses and our post-ideological frames of mind are nothing but the pretty and fresh looking amber resin that encases old and untouched problems.
In light of these metaphorical realizations, Trapped in Amber seeks to traverse between the very early modernist years, in which the art of Edvard Munch reached its peak, and the social, intellectual, and political conditions in which art has existed during the first decade of the 21st century.

One of the ways this traversing takes effect is through the introduction of a series of collectively rendered exhibition props that were co-created by the participating artists, the curators, and UKS staff. Visible throughout the exhibition, ‘the frieze of life’ is a collective amalgam of imagery that was created by gathering images found on the World Wide Web. The participating artists contributed a number of images that were considered relative to the idea of a present day ‘Frieze of Life’; the images were then reconfigured into digital collages that reference the abundant hanging style of grand salon exhibitions. Elsewhere, visitors can take a seat on the specially redesigned circular pouf sofa, reminiscent of the sofa used in Munch’s Berlin solo show at the Equitable Palast (1892-1893), but with fabrics created by each of the exhibition’s artists.

Trapped in Amber attempts to construct a contemporary parallel to the Fin de siècle’s output on art, the artist, society, and politics. This could be a relational equation that senses some of the possible links and separators between this and that era, or it could be a pseudo-parallel that stimulates schemas, tactics, and discussions. But ultimately, it is through setting up this spot where past and present are inseparable that latent frictions are activated.

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La Diputación Provincial de Huesca presentó ayer su programa de artes plásticas para 2009, que incluye no sólo las muestras que se organizarán en su sala de exposiciones, sino también otras que itinerarán por diversos pueblos de la provincia.

Myriam MARTÍNEZ
16/01/2009

HUESCA.- Elisa Sanjuán y la responsable del área de Artes Plásticas de la DPH, María González, facilitaron algunos detalles de toda esta programación, que incluye colaboraciones con otras instituciones como viene siendo habitual.

A la exposición “Transformaciones” de Telefónica, con la que la sala de la DPH cerró el año pasado y ha abierto el presente, le seguirá la titulada “El circo, colección Fernández-Ardavín”, en la que se podrá contemplar abundante material gráfico, tanto carteles que anunciaban los espectáculos, como fotografías que tomaban los propios artistas.

Este año también se podrá disfrutar de la primera “Muestra de video de autor español”, entre marzo y abril, organizada por el Museo de la Universidad de Alicante. El objetivo es dar a conocer la obra de artistas españoles con una gran proyección internacional, realizadas en formato videográfico y a cuyas piezas resulta muy difícil tener acceso. Los autores que protagonizan esta exposición son Daniel García Andujar, Álex Francés, Paloma Navares y Mira Bernabeu y el oscense Javier Codesal.

Entre abril y mayo, llegará una de las exposiciones más interesantes, “Circa XX”, una serie de obras de la zaragozana Pilar Citoler, que posee una de las colecciones privadas de arte contemporáneo internacional más importantes de España.

Del 5 de junio al 19 de julio, coincidiendo con el Festival Internacional de Cine de Huesca, se producirá una de las habituales colaboraciones de la DPH. En esta ocasión, la película “Furtivos”, del cineasta aragonés José Luis Borau, servirá de pretexto para conocer cuáles eran los otros “furtivos” de la cultura de aquellos tiempos de la transición española.

En el mes de julio, la DPH desarrollará un nuevo proyecto de cooperación cultural internacional, que promueve el festival Pirineos Sur bajo el título “La mirada del otro”. La diputada Sanjuán comentó ayer que más adelante se explicará pormenorizadamente el intercambio que se realizará este año.

Después del verano, se dejará paso a las exposiciones que, habitualmente, protagonizan los acreedores de las becas de la Diputación Provincial de Huesca.- En este caso, Marta Javierre, con la Ramón Acín, y Javier Aquilué, con la Antonio Saura.

Marta Javierre está investigando sobre la identidad, la memoria y su reinterpretación en clave contemporánea.

Javier Aquilué indaga en la recepción de la obra de arte como un acto subjetivo.

Entre octubre y noviembre, en colaboración con el Ayuntamiento de Huesca, se organizará una exposición enmarcada en el Festival Periferias, que todavía debe concretarse.

El año expositivo se cerrará con otra muestra que, a tenor de las encuestas que regularmente realiza el área de Artes Plásticas de la DPH, despertará gran interés en el público oscense. Se trata de una muestra sobre la fotografía de Ricardo Compairé (Villanúa, 1883-Huesca, 1965). Su fondo fotográfico está compuesto por más de 3.600 imágenes impresionadas, la mayor parte de ellas tomadas en las décadas de 1920 y 1930. Compairé cedió su legado a la Diputación de Huesca en 1989 y con estos fondos se puso en marcha la Fototeca. La exposición, en esta ocasión, pretende de contextualizar todo este trabajo del fotógrafo altoaragonés con una nueva mirada.

EXPOSICIONES ITINERANTES

Las exposiciones itinerantes forman parte del programa de artes plásticas de la DPH y una de sus grandes apuestas. Recorren diferentes localidades de la provincia altoaragonesa, gracias en unos casos a la colaboración con los ayuntamientos, que las incluyen en sus propias programaciones culturales, y a las asociaciones e instituciones, en otros. “Acercar toda esta cultura a las ciudades de la provincia es positivo”, subrayó Elisa Sanjuán.

Entre las exposiciones que más éxito de público tuvieron, citó la que realizaron conjuntamente Carrera Blecua y Soly Cissé, en Sallent de Gállego (3.500 visitantes), una en Buenos Aires sobre Carlos Saura y la que realizó Carrera Blecua en Dakar, con el programa “La mirada del otro”.

Entre las exposiciones itinerantes previstas para este año, cuatro son de nueva producción y su contenido es fotografía histórica. Tres de ellas, según dijo, parten de las muestras que en su día se programaron en el festival Signos de la Imagen: “Deseo de geografías”; las Fotografías estereoscópicas, de Feliciano Llanas; “Panorámicas de la provincia de Huesca”; y “La Bolsa de Bielsa”, con una visión renovada, al incrementar su atractivo con el documental realizado por Aragón Televisión, “La Bolsa de Bielsa, el puerto de hielo”.

Habrá también dos exposiciones de fotografía contemporánea como son “El rostro del Pirineo”, de Jacques Valat, y “De un mundo a otro”, de François Poirier y Carmen Arbués.

María González se refirió a otras como “Paisajes Privados”, un libro que surgió de una experiencia colectiva en la que intervinieron varios artistas altoaragoneses; y “Horizontes”, fotografías de Rafael Moneo, que exhibe algunas imágenes de paisajes.

Además, María González citó más detenidamente “Historias para calentarse”, de Magali Rizzo y Merie Bouts, que llevaron a cabo una residencia artística en el marco de los programas de colaboración con Francia del Ayuntamiento de Huesca y llamaron la atención de los responsables de Artes Plásticas de la DPH. Del resto, cabe recordar también “Dicho y hecho”, carteles de Alejandro Magallanes, que exhibió en Huesca con motivo de una edición del Festival de Cine.

2008, UN BUEN AÑO

Elisa Sanjuán se mostró satisfecha del programa de artes plásticas desarrollado del año pasado. Según comentó en la rueda de prensa, el número de personas que visitó cada una de las diez exposiciones organizadas osciló entre las 1.000 y las 6.500 personas. La cifra más alta, añadió, corresponde a la protagonizada por la obra del artista oscense Carrera Blecua, aunque la media se situó en unas 2.500 personas. En total, añadió, se contabilizaron alrededor de 22.000 personas. Por su parte, las exposiciones itinerantes fueron contempladas por unas 5.000 personas.

Finalmente, Elisa Sanjuán aprovechó el encuentro con la prensa para anunciar la incorporación de Juanjo Javierre al Departamento de Cultura de la institución provincial.

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Desde la irrupción del vídeo en la década de los sesenta, las piezas de vídeo han ido cobrando importancia paulatinamente tanto en la creación artística como en el mercado del arte. Si bien es cierto que cada vez más museos incorporan estas obras de arte a sus grandes colecciones, no es tan habitual encontrar salas ni lugares destinados a su exhibición. A fin de paliar este déficit, el Museo de la Universidad de Alicante ha organizado una Muestra de Vídeo de Autores Españoles que se desarrollará en dos pases a partir del 7 de noviembre, hasta mediados de enero. En total, en la Sala Altamira del MUA se podrán ver, a lo largo de estos dos meses, 25 obras de cinco artistas.

El objetivo, según los responsables técnicos de la muestra, “no es establecer una lista de los mejores o los más cotizados artistas españoles, sino mostrar la obra de algunos de los que utilizan el vídeo de forma continuada como un medio más de su producción”. Por eso, la exposición contará con piezas que parten de presupuestos artísticos muy distintos: la poesía, el discurso político, la belleza formal, el feminismo o la psicología.

En el primer pase de esta muestra, que se prolongará hasta mediados de diciembre, se exhiben obras de Alex Francés, Javier Codesal y Daniel G. Andújar. El segundo, inmediatamente posterior, continuará hasta mediados de febrero y contará con las creaciones de Mira Bernabeu y Paloma Navares.

Temática variada

La temática de las obras que expuestas es muy variada. La representación plástica del dolor es la clave que define la obra de Alex Francés, un dolor que aparece tanto en el cuerpo como en las relaciones. De él se pueden ver cuatro obras. Buenaluz, que fue un encargo para la Bienal de Flamenco de Sevilla, vemos a una bailaora maniatada que taconea sobre una mesa bajo la que hay un hombre desnudo e inmóvil. En Niño que se muestra el paralelismo estético existente entre la vida y el arte. Retrato invertido trata la identidad individual y en Crecer se representa el dolor del cuerpo y del lugar en el espacio que ocupa cada individuo.

Javier Codesal, del que se exhiben tres obras, corta la vida en etapas: la infancia, en Mario y Manuel, donde los dos protagonistas, niños de muy corta edad, nos prestan sus ojos y miradas. En Viaje de novios aborda el periodo de plenitud vital, en el que los lazos del amor, los problemas de salud, y el peso de la vida se convierten en los asuntos centrales, a través del devenir de una pareja Roser y Josep que han de afrontar individualmente, y como pareja, el bocado de la enfermedad en sus cuerpos. El monte perdido es una reflexión sobre el último periodo de la vida con la muerte como tema central.

La obra en vídeo de Daniel G. Andújar tiene un perfil muy político. En un activista que tomando imágenes ya existentes y sitúa al espectador frente a continúas paradojas de la sociedad y la política. Sus asuntos son la violencia y la guerra, el consumismo, el ocio, las grandes corporaciones. Utiliza la apropiación como método de creación estética, poética y política. De él se pueden ver 8 obras, varias de ellas creaciones sin título de distintos años. Las otras son: Honor, Seamos crueles, X, Western Cynism y Mayo 68.

La entrada es libre y limitada al aforo de la sala.

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What is the term “mediating conflict” if not redundant, since mediation itself implies the existence of conflict? And why would anyone create and organize an exhibition on the subject?

This exhibition is intended as a reflection on the need for access to a middleman to resolve conflicts—latent or declared—in society in general, but also in the contemporary art world. With La mediation du conflit/Mediating Conflict, I hope to delve deeper, into the reasons why disagreements are rarely resolved, particularly in the sphere of art—a sphere where these quarrels often lead to frustration among “those who feel they are not being heard.” The exhibition aims to prompt questioning about the meaning of mediation and its intrinsic conflict, whose dark underside we seem so fearful to confront in the art world. If the exhibition title therefore seems redundant, given that mediation by definition incorporates the notion of conflict, it is so worded to ensure it is not simply implicit but is in fact emphasized. Its purpose is to stand in stark contrast to certain opaque discussions on art in which only the players intimately involved can fully grasp the issues. Those outside contemporary art circles frequently find themselves ill-equipped to understand the finer points of a work or exhibition. It is often out of this implicit doxa savante(1) that the conflicts emerge, and should they then become highly charged and unrestrained, efforts are made to silence them at all costs lest they tarnish art’s image. Why should conflict within the art milieu generate such alarm? After all, conflict already permeates our day-to-day existence. It is present in our personal and professional lives, and in foreign relations and the political arena, conflict is fast becoming the order of the day.
1. The notions of doxa savante (scholarly discourse) and doxa ordinaire (public discourse) were put forward by philosopher Anne Cauquelin in her work L’art contemporain (Contemporary Art), published in 1992 by PUF.

I must admit that I was somewhat skeptical when, in 2006, Joanne Germain, head of the Maison de la culture Plateau-Mont-Royal, asked me to curate an exhibition based on my work La mediation de l’art contemporain (The Mediation of Contemporary Art). After 10 years of reflecting, discussing and writing on this thorny question, I could not imagine mounting an exhibition on the subject without falling into the didactic trap, or worse, that of the opacity I so criticized. But Joanne was insistent, and the idea grew. Prior to and following the publication of my work, I had the opportunity to sit on various research committees and participate in meetings on these very issues. I have also had the pleasure of meeting many generous readers of my book, who have shared with me their points of view on the question. It is largely due to these influences that my reflections have evolved and the exhibition initiative has taken shape over the past two years.

However, the real impetus came in Seoul last fall during a conference I attended on the documentation and conservation of the media arts.There, I met many passionate individuals, including German curators Hans D. Christ and Iris Dressler. For these co-directors of the Württembergischer Kunstverein Stuttgart, mediation is far removed from the hollow term or buzzword it seems too often to have become.(2) Instead, mediation stems from a practice inexorably linked to the creation of contemporary art exhibitions. Mediation is therefore no pastiche, like some spin-off activity tacked onto the end of an exhibition, but is rather a philosophy inherent to the project and essential to its very creation. Spanish artist Daniel García Andújar, another lecturer at the Seoul symposium, spoke with audience members of Postcapital, a project created by the irrational collective, of which Andújar is a founding member. The Postcapital exhibition represents the very incarnation of contemporary art mediation integrated into the heart of an artistic project. It examines difficult subjects (war, global terrorism, the rise of religious fundamentalisms, the loss of freedom of expression, etc.) and complex issues and is always presented without compromise.(3) I quickly realized that the die had been cast and the cornerstone of La médiation du conflit/Mediating Conflict, established.
2. Precisely because the notion of conflict is eliminated.
3. This exhibition has already been presented in Barcelona, Dortmund, Santiago de Chile. Its next iteration is planned for the Württembergischer Kunstverein Stuttgart in November 2008.

the artists

The artists in this exhibition make use of technology and explore the notion of conflict and confrontation, both in the public and private arenas. These arenas are much more closely aligned to one another than we think, in much the same way that religious issues, which not so long ago were still considered highly personal,(4) have recently re-entered the public domain.
4. Applicable to societies became secular following the French Revolution (and the Quiet Revolution in Quebec), which advocated the separation of Church and State.

Daniel García Andújar (Barcelona, Spain), who works under the banner of technologies to the people, defines himself as a militant and “hacktivist.” He strives to alert the public of the dangers posed by technology when it is manipulated by information communication consortiums, often unbeknownst to the public. But Andújar also claims that “access to the technologies is a human right.” Andújar’s works confront us with the issues and pitfalls that come with the overuse and over-consumption of technology in our day-to-day lives, notably video games. His installation Honor provides a gripping and indeed dizzying view of these traps. In it, the artist samples the virtual “points of view” of video games set in global world conflicts with actual views of the same battles being fought in these relentless and incomprehensible wars, all uploaded from the web. It sounds the alert about the ruses that technology may hold in store for us. Andújar is also concerned by the loss of freedom of expression since the fall of the Berlin Wall in 1989, a loss exacerbated by the terrorist acts of September 11, 2001. These events opened the door to the religious wars of the 21st century, increasingly giving way to theocracies in both the Near East and the United States and even resonating here in Quebec, where they reared their heads during hearings held by the Commission on Reasonable Accommodation in the fall 2007.

Andújar has exhibited his works in many countries in Europe and Latin America and is making his second foray into North America.

Marie-Christiane Mathieu (Montreal) immediately accepted the invitation to participate in La mediation du conflit/Mediating Conflict. She had been working on a project on this very theme, which she has since finished specifically for the exhibition. Parasite is an interactive sound installation that illustrates the many “shifts and drifts” that create the misunderstandings or miscommunications experienced every day by individuals and groups both in public and private. The artist states that in our search for truth, we often put up smokescreens to create confusion and achieve our ultimate goal, which is to take control, be it on a personal or public level.

Mathieu is an accomplished interdisciplinary artist. She has worked in animated film and holography and has produced an ambitious online work, Le monument du vide. She was the director of Studio XX and also produced public artworks under the Politique d’intégration des arts à l’architecture et à l’environnement(5) of the Quebec Ministry of Culture, Communications and the Status of Women.
5. Percent for art policy.

Caroline Seck Langill (Peterborough, Ont.), artist, author, researcher, teacher and experienced curator, completes the exhibition triangle. Her project, never before presented to the public, is a video installation comprised of two videographs entitled act three and Firce. The work is based on the third act of The Cherry Orchard by Anton Chekhov. It includes two scenes, one of which presents a modern interpretation of a family conflict, notably provoked by the loss of ancestral land returned to “strangers” (formerly serfs on the estate) at the dawn of the Russian Revolution. act three offers a dramatic 20-minute story, with Chekhov’s characters appearing as ghosts in an ultra-modern décor. The second monitor broadcasts a short video in a loop that emulates how this scene from the third act of The Cherry Orchard might have been staged at the Moscow Art Theatre in 1904. These seemingly remote, parallel worlds are brought together through their common subject and powerful dialogue despite the more than 100 years separating them: variations on the theme of loss against a backdrop of conflict.

conclusion to conflict

Let’s return to this notion of conflict. While conducting research for my Ph.D., I was often met with closed doors. The people behind these doors, as mentioned above, were part of certain contemporary art circles where it is felt there is no need to build closer ties between art and the general public by providing the keys or codes that foster a better understanding of the significance of artworks. I was told many times that there was no problem, and that in any case, “contemporary art is simply not intended for everyone.” At the other end of the spectrum, another obstacle just as formidable and insidious is infiltrating public discourse (doxa ordinaire), urged along by the mass media and detractors of contemporary art: public opinion. Also limiting the reach of art, it is often based on rumours, ignorance, or sensationalized information that is unfounded or presented out of context. Buoyed by these “false friends,” denigrators of contemporary art declare that there is no place in society for such forms of expression.(6) What results is a conflict between two diametrically opposed visions engaged in a dialogue of the deaf and refusing to debate the very subject that examines the problems associated with contemporary life. The paradox and conflict are further accentuated when one considers that contemporary art has never been more popular among the financial elite and the “jet set.” Its prominence is growing exponentially on the highly lucrative international art market, with it often representing a more solid investment than the stock market. We hear about certain works being appraised at astronomical prices, with their status soaring equally high among buyers and collectors within very select circles. This irrefutable fact only serves to drive an even larger wedge between art and the general public (seldom aware of these dealings) in a domain that has become too abstract for the average citizen.
6. In Quebec, we have recently been witness to two controversies that have enraged the public over public artworks: that of Martin Bureau, Kwebec 1759 – 2009/ Quart de piasse, censured in Summer 2008 by the foundry charged with casting all of the works in the project Folie/Culture, and Latitude 51° 27’ 50” – Longitude 57° 16’ 12” by Pierre Bourgault, following its installation in fall 2007 on the Promenade Samuel de Champlain in Quebec City.

Yet, despite these drawbacks, it is reassuring to know that we have undoubtedly a greater ability to analyze and decipher a contemporary work of art(7) than a 13th century altarpiece, whose symbols and iconographic codes can only be recognized and understood by religious art experts who specialize in this period in art history.
7. Whether such art features the use of technology or not.

La mediation du conflit/Mediating Conflict is an attempt to expose the conflict, wherever it occurs, and above all an invitation to resolve it, while drawing a certain amount of pleasure from the effort.

Sylvie Lacerte
Curator
info@mediationduconflit.com
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Translation by Cory Mc Adam

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