Las obras seleccionadas pertenecen a los siguientes artistas:
Antoni Abad, Ignasi Aballí, Consuelo Bautista, Raimond Chaves, Jordi Colomer, Cabello / Carceller, Ricardo Cotanda, Patricia Dauder, Patricia Esquivias, Daniel García Andujar, Daniel Jacoby, La Ribot, Valeriano López, José Maldonado, Mabel Palacín, Javier Peñafiel, Josu Rekalde, MP & MP Rosado, Francisco Ruiz de Infante y Eulàlia Valldosera.

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Se que prometí textos cortos pero este me parece un homenaje al arte electrónico Latinoamericano que no vale la pena cortar

copyleft (todos os direitos ao reve’s) nilo casares
http://comisario.net
http://twitter.com/140_pulsacione

Desde que en el año 1995, Vuk Cosic recibe un correo electrónico anónimo ilegible debido a incompatibilidades de software, se inicia lo que podríamos llamar la era del net.art propiamente dicho. Ese e-mail, que tiempo más tarde logró descifrar, resultó ser una suerte de mani-fiesto que proclamaba a la recién nacida red de redes como un nuevo campo de creación y libertad artística. Ese manifiesto, hoy día imposible de conseguir debido a la pérdida de información del disco duro de Cosic, fue, en cierto modo, el acto fundacional de este nuevo género artístico. Desde entonces, el net.art, hecho por y para Internet, se ha con-vertido en un vasto campo de creación, una gran caja de resonancia donde artistas y usuarios confluyen y se reinventan a sí mismos a través de las obras y de su manipulación.Con esta generosa antología, comisariada por Nilo Casares, la Oficina Cultural de la Embajada de España en Venezuela continúa dando impulso a la creación contemporánea y a sus nuevas formas de expresión. Por vez primera se presenta en Venezuela una exposición colectiva que logra reunir a los mejores artistas del net.art y del arte digital iberoamericanos. Convencidos de que esta exposición supondrá un antes y un después en la difusión de esta práctica artística, deseamos extender nuestro más profundo agradecimiento al comisario y a todos los artistas que conforman esta muestra. (Oficina Cultural de la Embajada de España en Venezuela)

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_la base de datos de una parte de mi vida como comisario [edición iberoamericana]_ es un doble homenaje, primero a los artistas que han conformado mi visión del arte digital, una manera de entender el arte que me acompaña desde mis primeros comisariados y análisis, muy en especial al artista brian mackern por ser quien levanta a pulso una _netart latino database_ en defensa de otra óptica que no sea la regida por los de siempre.en esta parte de mi vida unas veces me he dejado llevar por el autor, si lo he expuesto antes y me interesa su producción, o por determinadas obras que son capitales para entender el arte digital desde mi ordenador, tal y como yo lo he ido componiendo en mi imaginario personal.también es un homenaje a las cosas que le acompañan a uno y lo arropan aunque no lo sepa, como cantaba miqui puig cuando todavía formaba parte de los sencillos (conjunto músico-vocal), para reflejar, al igual que _la banda sonora de una parte de mi vida_, lo que me gustaría transmitir con esta selección de obras que desvela todo el universo pop en el que he vivido siempre, porque no concibo la vida sin una canción que la ilustre en ese momento, siempre cambiando las melodías conforme lo hacen las situaciones, de la misma forma que esta antología es tan ecléctica como me gustaría serlo a mí mismo.así que visto desde afuera este homenaje a brian mackern (como uno de los artistas digitales que siempre me acompaña) y a miqui puig (como uno de los cantantes que va conmigo a todas partes) es una invitación a disfrutar de las cosas, también de la vida, incluso del arte. (nilo casares, 2010)

0001.n > 0100101110101101.ORG: Vopos (2002) [http://0100101110101101.org/home/vopos]

0002.n > antoni abad: megafone.net (en curso desde 2003) [http://www.megafone.net]

0003.n > roberto aguirrezabala: what:you:get (1999) [http://www.whatyouget.net/vg/aguirrezabala]

0004.n > marcel.lí antúnez: Afasia (2000) [http://www.marceliantunez.com/newsite/afalud/index.html]

0005.n > giselle beiguelman: Content=NoCache (2001) [http://www.desvirtual.com/nocache/index.htm]

0006.n > santiago cirugeda: Recetas Urbanas (en curso desde 1996) [http://www.recetasurbanas.net]

0007.n > arcángel constantini: Bakteria (en curso desde 1997) [http://bakteria.org]

0008.n > electronic disturbance theater [ricardo domínguez + carmin karasic + bret stalbaum + stefan wray]: floodnet (1998) [http://www.thing.net/~rdom/ecd/floodnet.html]

0009.n > escoitar: escoitar.org (en curso desde 2006) [http://www.escoitar.org]

0010.n > evru: vrubri’s cultivuum (2001) [http://evru.org/c/u/l/t/i/v/u/u/m/swf/inicio.html]

0011.n > dora garcía: Todas las historias weblog (en curso desde 2004) [http://www.doragarcia.net/todaslashistorias]

0012.n > daniel garcía andújar: Technologies To The People (1997)  [http://www.irational.org/tttp/*siteTTP/index.html]

0013.e > daniel gonzález mellado: Las naciones. A no interactive game (2007)

0014.e > enrike hurtado: Flower (2007)

0015.n > fran illich: Spacebank (en curso desde 2005) [http://spacebank.org]

0016.e > joan leandre: retroyou RC (1999)

0017.n > fernando llanos: Videomails (2000) [http://fllanos.com/VMesp.html +  http://www.fllanos.com/video1.html]

0018.n > brian mackern: interferences (1999-2000) [http://www.internet.com.uy/vibri/interferences]

0019.n > moisés mañas: Untitled City (1999-2000) [http://www.untitledcity.com]

0020.n > rafael marchetti LogCam (2004) [http://influenza.etc.br/logcam]

0021.n > iván marino: In Death’s Dream Kingdom (2002) [http://82.223.136.171/im/holanda/marco.htm]

0022.n > yucef mehri: Artboom (en curso desde 1999) [http://www.artboom.net]

0023.n > antonio mendoza: internet serial crimes (1995) [http://www.mayhem.net/Crime/archives.html]

0024.n > marcello mercado: Global Economy (2005) [http://www.marcellomercado.com/html/Net-Art/m1.htm]

0025.n > ciro múseres: spamky (2007-2009) [http://spamky.blogspot.com]

0026.n > eduardo navas: D’Ya Like Scratchin’? (2001) [http://navasse.net/scratch]

0027.n > santiago ortiz: impure (2010) [http://www.impure.com]

0028.n > gustavo romano: cyberzoo (2003-2005) [http://www.cyberzoo.org]

0029.n > andré sier: k.~ (2010) [http://s373.net/x/k.~_www]

0030.n > marina zerbarini: L’Atido (2002) [http://www.marina-zerbarini.com.ar/latido/general.html]

0031.e > miqui puig: La banda sonora de una parte de mi vida (2005)

dirección y coordinación: anna monge amorós
comisariado: nilo casares
proyecto gráfico: teresa mulet
desarrollo informático: juanjo marcos
producción: laura silva niño
música: miqui puig (La banda sonora de una parte de mi vida) _la base de datos de una parte de mi vida como comisario [edición iberoamericana]_ es una exposición desarrollada en el marco de la bienal internacional de arte contemporáneo ula 2010 [http://bienal-internacional.blogspot.com/] entre los días 24 de noviembre y 10 de diciembre de 2010 inauguración:
simultánea a las 7:30 pm del 24.11.2010 en 4 ciberlocutorios de mérida (venezuela)
_cyberscala_: cc la escala, piso 2, local #14. av 4 entre cll 21 y 22, a menos de una cuadra de la plaza bolivar
_centro de comunicaciones CANTV_: av 3, una cuadra antes de la plaza de milla
_ciber centro de comunicaciones y venta de videos_: frente a la plaza heroínas
_the online office_: av. universidad sector vuelta de lola. centro comercial altos de santa mónica. local 25 del 24.11.2010 al 10.12.2010
_cyberscala_: cc la escala, piso 2, local #14. av 4 entre cll 21 y 22, a menos de una cuadra de la plaza bolivar
_centro de comunicaciones CANTV_: av 3, una cuadra antes de la plaza de milla
_ciber centro de comunicaciones y venta de videos_: frente a la plaza heroínas
_the online office_: av. universidad sector vuelta de lola. centro comercial altos de santa mónica. local 25
_la base de datos de una parte de mi vida como comisario [edición iberoamericana]_
es una producción de la EMBAJADA DE ESPAÑA EN VENEZUELA embajador: juan serrat
consejera de asuntos culturales: lucía chicote escrich
asesores culturales: anna monge amorós + josé palacios bayón

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| MÉRIDA, VENEZUELA |
_la base de datos de una parte de mi vida como comisario [edición iberoamericana]_ es un doble homenaje, primero a los artistas que han conformado mi visión del arte digital, una manera de entender el arte que me acompaña desde mis primeros comisariados y análisis, muy en especial al artista brian mackern por ser quien levanta a pulso una _netart latino database_ en defensa de otra óptica que no sea la regida por los de siempre.en esta parte de mi vida unas veces me he dejado llevar por el autor, si lo he expuesto antes y me interesa su producción, o por determinadas obras que son capitales para entender el arte digital desde mi ordenador, tal y como yo lo he ido componiendo en mi imaginario personal.también es un homenaje a las cosas que le acompañan a uno y lo arropan aunque no lo sepa, como cantaba miqui puig cuando todavía formaba parte de los sencillos (conjunto músico-vocal), para reflejar, al igual que _la banda sonora de una parte de mi vida_, lo que me gustaría transmitir con esta selección de obras que desvela todo el universo pop en el que he vivido siempre, porque no concibo la vida sin una canción que la ilustre en ese momento, siempre cambiando las melodías conforme lo hacen las situaciones, de la misma forma que esta antología es tan ecléctica como me gustaría serlo a mí mismo.así que visto desde afuera este homenaje a brian mackern (como uno de los artistas digitales que siempre me acompaña) y a miqui puig (como uno de los cantantes que va conmigo a todas partes) es una invitación a disfrutar de las cosas, también de la vida, incluso del arte. (nilo casares, 2010)

0001.n > 0100101110101101.ORG: Vopos (2002) [http://0100101110101101.org/home/vopos]

0002.n > antoni abad: megafone.net (en curso desde 2003) [http://www.megafone.net]

0003.n > roberto aguirrezabala: what:you:get (1999) [http://www.whatyouget.net/vg/aguirrezabala]

0004.n > marcel.lí antúnez: Afasia (2000) [http://www.marceliantunez.com/newsite/afalud/index.html]

0005.n > giselle beiguelman: Content=NoCache (2001) [http://www.desvirtual.com/nocache/index.htm]

0006.n > santiago cirugeda: Recetas Urbanas (en curso desde 1996) [http://www.recetasurbanas.net]

0007.n > arcángel constantini: Bakteria (en curso desde 1997) [http://bakteria.org]

0008.e > electronic disturbance theater [ricardo domínguez + carmin karasic + bret stalbaum + stefan wray]: floodnet (1998) [http://www.thing.net/~rdom/ecd/floodnet.html]

0009.n > escoitar: escoitar.org (en curso desde 2006) [http://www.escoitar.org]

0010.n > evru: vrubri’s cultivuum (2001) [http://evru.org/c/u/l/t/i/v/u/u/m/swf/inicio.html]

0011.n > dora garcía: Todas las historias weblog (en curso desde 2004) [http://www.doragarcia.net/todaslashistorias]

0012.n > daniel garcía andújar: Technologies To The People (1997)  [http://www.irational.org/tttp/*siteTTP/index.html]

0013.e > daniel gonzález mellado: Las naciones. A no interactive game (2007)

0014.e > enrike hurtado: Flower (2007)

0015.n > fran illich: Spacebank (en curso desde 2005) [http://spacebank.org]

0016.e > joan leandre: retroyou RC (1999)

0017.n > fernando llanos: Videomails (2000) [http://fllanos.com/VMesp.html +  http://www.fllanos.com/video1.html]

0018.n > brian mackern: interferences (1999-2000) [http://www.internet.com.uy/vibri/interferences]

0019.n > moisés mañas: Untitled City (1999-2000) [http://www.untitledcity.com]

0020.n > rafael marchetti LogCam (2004) [http://influenza.etc.br/logcam]

0021.n > iván marino: In Death’s Dream Kingdom (2002) [http://82.223.136.171/im/holanda/marco.htm]

0022.n > yucef mehri: Artboom (en curso desde 1999) [http://www.artboom.net]

0023.n > antonio mendoza: internet serial crimes (1995) [http://www.mayhem.net/Crime/archives.html]

0024.n > marcello mercado: Global Economy (2005) [http://www.marcellomercado.com/html/Net-Art/m1.htm]

0025.n > ciro múseres: spamky (2007-2009) [http://spamky.blogspot.com]

0026.n > eduardo navas: D’Ya Like Scratchin’? (2001) [http://navasse.net/scratch]

0027.n > santiago ortiz: impure (2010) [http://www.impure.com]

0028.n > gustavo romano: cyberzoo (2003-2005) [http://www.cyberzoo.org]

0029.n > andré sier: k.~ (2010) [http://s373.net/x/k.~_www]

0030.n > marina zerbarini: L’Atido (2002) [http://www.marina-zerbarini.com.ar/latido/general.html]

0031.e > miqui puig: La banda sonora de una parte de mi vida (2005)

[.n > navegable | .e > ejecutable]

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dirección y coordinación: anna monge amorós

comisariado: nilo casares

proyecto gráfico: teresa mulet

desarrollo informático: juanjo marcos

producción: laura silva niño

música: miqui puig (La banda sonora de una parte de mi vida)

_la base de datos de una parte de mi vida como comisario [edición iberoamericana]_

es una exposición desarrollada en el marco de la bienal internacional de arte contemporáneo ula 2010 [http://bienal-internacional.blogspot.com/]
entre los días 24 de noviembre y 28 de diciembre de 2010

——————>inauguración:

simultánea a las 7 pm del 24.11.2010 en 4 ciberlocutorios de mérida (venezuela)

_ciberscala_: cc la escala, piso 2, local #14. av 4 entre cll 21 y 22, a menos de una cuadra de la plaza bolivar

_centro de comunicaciones CANTV_: av 3, una cuadra antes de la plaza de milla

_ciber centro de comunicaciones y venta de videos_: frente a la plaza heroínas

_the online office_: av. universidad sector vuelta de lola. centro comercial altos de santa mónica. local 25

——————>del 24.11.2010 al 28.12.2010

_ciberscala_: cc la escala, piso 2, local #14. av 4 entre cll 21 y 22, a menos de una cuadra de la plaza bolivar

_centro de comunicaciones CANTV_: av 3, una cuadra antes de la plaza de milla

_ciber centro de comunicaciones y venta de videos_: frente a la plaza heroínas

_the online office_: av. universidad sector vuelta de lola. centro comercial altos de santa mónica. local 25

——————>_la base de datos de una parte de mi vida como comisario [edición iberoamericana]_

es una producción de la EMBAJADA DE ESPAÑA EN VENEZUELA

embajador: juan serrat
consejera de asuntos culturales: lucía chicote escrich
asesores culturales: anna monge amorós + josé palacios bayón

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Desde que en el año 1995, Vuk Cosic recibe un correo electrónico anónimo ilegible debido a incompatibilidades de software, se inicia lo que podríamos llamar la era del net.art propiamente dicho. Ese e-mail, que tiempo más tarde logró descifrar, resultó ser una suerte de mani-fiesto que proclamaba a la recién nacida red de redes como un nuevo campo de creación y libertad artística. Ese manifiesto, hoy día imposible de conseguir debido a la pérdida de información del disco duro de Cosic, fue, en cierto modo, el acto fundacional de este nuevo género artístico. Desde entonces, el net.art, hecho por y para Internet, se ha con-vertido en un vasto campo de creación, una gran caja de resonancia donde artistas y usuarios confluyen y se reinventan a sí mismos a través de las obras y de su manipulación.Con esta generosa antología, comisariada por Nilo Casares, la Oficina Cultural de la Embajada de España en Venezuela continúa dando impulso a la creación contemporánea y a sus nuevas formas de expresión. Por vez primera se presenta en Venezuela una exposición colectiva que logra reunir a los mejores artistas del net.art y del arte digital iberoamericanos. Convencidos de que esta exposición supondrá un antes y un después en la difusión de esta práctica artística, deseamos extender nuestro más profundo agradecimiento al comisario y a todos los artistas que conforman esta muestra. (Oficina Cultural de la Embajada de España en Venezuela)

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inaguración. net-art
la base de datos de una parte
de mi vida como comisario
curaduría nilo casares [españa]
7 pm
inauguración simultánea
en 4 ciberlocutorios

miércoles
24. 11. 2010
copyleft (todos os direitos ao reve’s) nilo casares

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Felix Stalder

Publiziert in: Kunstforum, Bd. 201 (März/April, 2010), s.110-117

Seit bald 150 Jahren soll das moderne Urheberrecht (UHR) den Umgang mit „Werke[n] der Literatur, Wissenschaft und Kunst“ (§ 1, des aktuellen deutschen Urheberrechtsgesetz) regeln. Rund 100 Jahre zurück reichen die Anfänge der avantgardistischen Subversion bürgerlich-romantischer Konzeptionen von „KünstlerIn“ und „Werk“, die auch dem UHR zugrunde liegen. Durch die Einführung des Prinzips Zufall, die Verwendung bestehender kultureller Artefakte, die Betonung der Rolle des Unterbewussten, oder die direkte Intervention in soziale Prozesse wurde die Vorstellung des autonomen, aus sich selbst schöpfenden Subjekts von allen Seiten untergraben. Dessen ungeachtet propagierte der expandierende Kunstmarkt genau dieses KünstlerInnenbild. Vor diesem Hintergrund ist es fast erstaunlich, dass das Urheberrecht selbst erst sehr spät im Feld der Kunst direkt relevant wurde. Der erste große Gerichtsfall fand 1990-92 statt. Der Photograph Art Rogers verklagte den Künstler Jeff Koons, weil dieser nach Vorlage einer Postkarte von Rogers (Puppies, 1986) eine Skulptur (A String of Puppies, 1988) anfertigen ließ und in der Ausstellung Ushering in Banality präsentiert hatte. Im Kern ging es um die Frage, ob es sich hierbei um eine legitime künstlerische Strategie (die sich auf das US-amerikanische Recht des fair use berufen könne) oder um eine unautorisierte Werkbearbeitung handle. Koons verlor den Prozess sowohl in der ersten als auch in der zweiten Instanz und sah sich bald mit einer Fülle von Klagen konfrontiert, die konzeptuell vergleichbare Werke betrafen.

Dass der erste große Urheberrechtsstreit genau am Werk von Jeff Koons entbrannte, ist wohl weniger der Radikalität der Aneignung geschuldet (die ja bereits im großen Stil von Pop Art KünstlerInnen in den 1960er Jahren und in der Appropriaton Art der frühen 1980er Jahren betrieben wurde), sondern vielmehr der fortgeschrittenen Durchdringungen künstlerischer und ökonomischer Logiken. Dies wurde in den späten 1980er Jahren von kaum jemandem so offensiv und erfolgreich propagiert wie vom zeitweiligen Wall Street Händler Koons. In dieser Durchdringung spiegeln sich mindestens drei indirekt miteinander verbundene, gesamtgesellschaftliche Phänomene wieder. Zum einen ist die Informationsgesellschaft von einer tiefgreifenden Kulturalisierung der Ökonomie geprägt. Einige der profitabelsten Glieder der Wertschöpfungskette befinden sich nun dort, wo kulturelle Symbole manipuliert werden, etwa in Entwicklung/Design, Marketing, Management oder Finanzierung. Demgegenüber ist die physische Produktion entwertet und teilweise in Billiglohnländer ausgelagert. Damit einhergehend wurde das Bewusstsein für den Wert dieser kulturellen Symbole und ihrer Eigentumsformen im Urheber-, Marken-, und Patentrecht geschärft und Durchsetzungsstrategien hochgefahren. Kommerzielle AkteurInnen versuchten nun vermehrt, kulturelle Artefakte zu produzieren, in Umlauf zu bringen und gleichzeitig ihre immateriellen Eigentumsrechte zu schützen. Dies ließ auch das Feld der Kunst nicht unberührt und trieb die Verrechtlichung der einst vor allem symbolisch-kulturell geführten Debatte voran. Zum anderen fand eine ebenso umfassende Ökonomisierung der Kultur statt. Nicht nur wurden im Kunstmarkt immer höhere Summen umgesetzt (nicht zuletzt von Koons), auch der indirekte Geldwert von Kunst und Kultur wurde erkannt und systematisch in Strategien der Stadt- und Wirtschaftspolitik eingegliedert. Kunst wurde zunehmend gesamtgesellschaftlicher Regulierung unterworfen und ihr relativ autonomer Status, geschützt durch das Grundrecht der Kunstfreiheit, wurde aufgeweicht. Es ist symptomatisch, dass dieses Grundrecht zwar vor staatlicher Zensur schützt, aber sich kaum auf urheberrechtliche Fragen anwenden lässt. Die dritte Entwicklung betrifft sie zunehmende Verschränkung der ehemals relativ getrennten gesellschaftlichen Bereiche der Hoch- und Populärkultur, des künstlerischen und nicht-künstlerischen kulturellen Schaffens (auch dies spiegelt sich im Werk von Koons). Keine dieser Entwicklungen war neu, als Jeff Koons vor Gericht zitiert wurde, aber erst im Verlauf der 1980er Jahre wurden ihre Berührungsflächen so groß, dass die urheberrechtliche Ebene auch in der Kunst relevant wurde.

Die Digitalisierung und Vernetzung, die seit den 1990er Jahren an Geschwindigkeit und Umfang zunahm, hat alle diese Tendenzen nochmals deutlich verstärkt und radikalisiert. Das Resultat ist ein höchst widersprüchlicher Zustand. Der Geltungsbereich des Urheberrechts wird laufend ausgeweitet. Im April 2009 etwa verlängerte das Europäische Parlament die Dauer des Schutzes für Aufzeichnungen von Darbietungen und für Tonträger von 50 auf 70 Jahre. Dazu kommt, dass mehr gesellschaftliche Bereiche als je zuvor vom Urheberrecht berührt werden. Die Kulturalisierung der Wirtschaft, die Digitalisierung und Vernetzung haben dazu geführt, dass die Zahl der Autoren (im rechtlichen Sinne) und die Formen der Werknutzung sprunghaft angestiegen sind. Jeder Blogger produziert geschützte Werke und (fast) jede Verwendung eines fremden Werks ist bewilligungspflichtig. Vor allem die kulturindustriellen AkteurInnen versuchen ihre Rechte aggressiv durchzusetzen. Quasi über Nacht mutierte das Urheberrecht von einem obskuren Randbereich der Rechtsordnung zu einem zentralen Regulierungsinstrument das (fast) jedeN direkt betrifft. Gleichzeitig sind immer mehr Werke de facto frei verfügbar und können mit wenig Aufwand kopiert, verarbeitet und vertrieben werden. Die Schere zwischen dem, was erlaubt ist, und dem, was möglich ist, geht auf.

Diese widersprüchliche Situation wirkt aber nicht nur „von außen“, quasi als Störung, auf das Feld der Kunst ein, sondern wird von KünstlerInnen selbst aktiv bearbeitet. Unter den kritischen Praktiken, die allesamt aus dem Feld der medialen Kunst stammen, lassen sich grob drei Ansätze unterscheiden. KünstlerInnen intervenieren in gesellschaftliche Prozesse, um exemplarische Situationen zu schaffen, welche die Expansion der Eigentumsrechte erfahrbar machen. Andere führen detaillierte Untersuchungen durch, wie das Urheberrecht dem Umgang mit Werken prägt und wo es bei der Fassung aktueller künstlerischer Praktiken an inhärente, konzeptuelle Grenzen stößt. Eine dritte Gruppe vermisst die Konturen einer Lebenswirklichkeit, in der das Urheberrecht seine praktische Relevanz eingebüsst hat. Sie nehmen die freie Verfügbarkeit von Werken aller Art als selbstverständliche Grundlage ihrer Arbeiten.

Die Grenzen der Aneignung

Im Oktober 2003 installierten die italienischen KünstlerInnen Eva und Franko Mattes (0100101110101101.ORG) in Zusammenarbeit mit der Wiener Netzkulturinstitution Public Netbase, t0 einen rund 5 Meter hohen, mobilen Ausstellungspavillon auf dem Wiener Karlsplatz, einem der zentralen Plätze der Stadt.

Nike Ground Info Box

An der Außenwand war zu lesen: „This square will soon be called Nikeplatz. Come inside to find out more.“ Drinnen war zu erfahren, dass Nike das Sponsoring dieses Platzes übernommen habe und im Gegenzug nicht nur der Name geändert, sondern auch eine riesige Skulptur in Form des Firmenlogos auf dem Platz aufgestellt würde.

Nike Ground Sculpture

Desweiteren wurde verkündet, dass der Nikeplatz nur das erste einer ganzen Reihe von „Revitalisierungsprojekten“ sei, mit dem der jugendlich-sportliche Konzern die müden Städte Europas ins 21. Jahrhundert bringen wolle. Unterstützt wurde diese Aktion durch eine eigene Website, die detailliert über das Projekt informierte und mit tausenden von Broschüren, die in der Stadt verteilt wurden. Eine „hyper-reale Theaterperformance“, wie die KünstlerInnen ihre Arbeit bezeichneten, hatte begonnen. PassantInnen zweifelten zunächst nicht an der Authentizität des Auftritts und begannen sich in Leserbriefen und bei der Stadtverwaltung zu beschweren. Diese sah sich genötigt, eine Erklärung abzugeben, dass sie mit dem Projekt nichts zu tun habe und dass Namen von Strassen und Plätzen grundsätzlich nicht geändert werden könnten. Der Nike Konzern distanzierte sich ebenfalls offiziell und kündigte umgehend Klage wegen Urheberrechtsverletzung an. Die KünstlerInnen, die daraufhin erstmals direkt an die Öffentlichkeit traten, wechselten das Register und beriefen sich auf das Motto, das am Eingang der benachbarten Secession angebracht ist: „Der Zeit ihre Kunst, der Kunst ihre Freiheit.“ Den Konzern beeindruckte das wenig und er leitete tatsächlich das Verfahren ein. Aber zu diesem Zeitpunkt war die Performance schon längst beendet und da Nike auch kein Interesse hatte, in dieser Sache noch mehr negative Publizität zu generieren, wurde der Streit außergerichtlich beigelegt.

Die Nikeplatz Performance funktionierte, weil sie einen hohes Maß an Glaubwürdigkeit projizieren konnte. Die haptische Qualität des Pavillons und des Begleitmaterials entsprachen dem Auftreten eines globalen Konzerns. Der Auftritt knüpfte an die weiterverbreite Erfahrung der Durchdringung des öffentlichen Raumes mit kommerziellen Botschaften an, die schon längst die vordefinierten Flächen der Werbung (Plakatwände etc.) verlassen hatten und in die Substanz des Raumes selbst eingedrungen waren. Die traurige Geschichte der stadtplanerischen Probleme rund um den Karlsplatz verstärkten die Glaubwürdigkeit noch weiter. Die exemplarische Situation, die Nikeplatz geschaffen hatte, brachte zwei Fragen an die Oberfläche, die direkt mit der tiefen Durchdringung von Kultur und Wirtschaft zu tun haben: Wo liegt die Grenze der privaten Aneignung öffentlicher kultureller Ressourcen durch deren Umwandlung in geschützte Werke und Symbole? Wo liegen die Grenze, jenseits derer KünstlerInnen nicht mehr frei mit den Symbolen der Gegenwart umgehen können? Wie sich herausstellte wurden in der Performance beide Grenzen überschritten.

Die Grenzen des Urheberrechts

Seit mehr als 10 Jahren untersucht Cornelia Sollfrank die konzeptuellen Grundlagen des Urheberrechts, in dem sie dessen Bausteine aus konsequent künstlerischer Sicht befragt. In ihrer ersten Arbeit in diesem Großprojekt, dem Netzkunstgenerator (1999), ließ sie ein Computerprogramm schreiben, dass nach Stichworten Bilder aus dem Internet sucht und diese dann zu neuen Bildern verarbeitet. Das Programm veröffentlichte sie unter einer freien Lizenz, die es anderen erlaubt, es zu kopieren und zu verändern. Mittlerweile existieren mehrere Versionen dieses Generators. Er dient ihr allerdings weniger als „Bildmaschine“ sondern als eine konzeptuelle Anlage, um anhand eines konkreten Beispiels eine einfache Frage zu stellen, die für die Konzeption des Urheberrechts zentral ist: „Wer ist der Autor?“.

Sollfrank: Wer ist Autor?:

Wie sich herausstellt, kann diese Frage rechtlich kaum beantwortet werden. Dies bedeutet, dass die so geschaffenen Bilder keine Werke darstellen können, was aus Sicht der Rechtsdogmatik folgerichtig aber im Kontext der Kunst offensichtlich absurd ist. In einem nächsten Schritt wandte sie den Generator auf ein Subset von Bildern an, Andy Warhols Blumenbilder. Der erste Versuch, diese Bilder auszustellen, scheiterte, weil das rechtliche Risiko kaum einzuschätzen war. Würde die Warhol Foundation, bekannt für ihre strikte Linie bei der Wahrung der ihr anvertrauten Rechte, Klage einreichen? Stattdessen präsentierte Sollfrank eine neue Arbeit, Legal Perspective (2004), in der sie vier führende Urheberrechtsanwälte zum legalen Status der nicht gezeigten Arbeit befragt. Diese kommen aber zu keiner klare Einschätzung, sondern sie stellen nur weitere rechtsdogmatisch richtige aber kulturell absurde Fragen (war Andy Warhol wirklich ein Künstler?).

Cornelia Sollfrank: Still

In einer neuen Serie von Arbeiten befragt sie das Verhältnis zwischen rechtlichen und praktischen Möglichkeiten des Reproduzierens bestehender Kunstwerke. Sie gründete eine eigene Bildagentur, die Reproduktionen professionell herstellt und vertreibt und lässt Bilder in China von Hand nachmalen. Im ersten Fall werden nicht nur die Bilder zum Kauf angeboten, sondern auch das rechtliche Geflecht, das den Umgang mit diesen Bildern regelt, selbst wird thematisiert.

Sollfrank, Anonymous_Warhol-flowers:

Sichtbar wird die enorme rechtliche Komplexität, die auch relativ einfachen Handlungen zugrunde liegt.

Sollfrank: Vertragsraum:

Es wird deutlich, dass nur wenige AkteurInnen in der Lage sein können, sich in diesem Rahmen zu bewegen. Die in China manuell hergestellten Kopien, ihrerseits Unikate, verweisen darauf, dass das Problem der Kopie keineswegs nur ein Digitales ist, sowie auf den ehemals hohen Stellenwert den Kopien genossen, bevor sie durch den Kult der Originalität de-legitimiert wurden.

Leben im Überfluss

Der überbordenden rechtlichen Komplexität des Kopierens und Aneignens fremden Materials steht die praktische Einfachheit gegenüber, mit der solches Material heute online gefunden und bearbeitet werden kann. Nehmen KünstlerInnen diese Situation als Ausgangspunkt, rücken ganz andere Fragen in der Vordergrund. Es geht weniger um die Bedingungen des einzelnen Bildes, als darum, wie mit dem Überschuss an Bildern, der unser Leben mit online Datenbanken und Suchmaschinen charakterisiert, umgegangen werden kann. Aus einer politischen Perspektive nähert sich Daniel Garcia Andújar dieser Frage in seinem groß angelegten Projekt Postcapital. Archive 1989-2001 an.

Andújar. Postcapital:

Das Kernstück des Projekts bildet eine Sammlung von rund 250’000 Dokumenten, die Andújar über 10 Jahre im Internet zusammentrug. Das Archiv ist gleichermaßen als Multimedia Installation, Bühne, offene Datenbank und Workshop konzipiert. In wechselnden Formaten wird der Frage nachgegangen, welche Erzählungen sich aus so viel Material konstruieren lassen. Nicht nur mehr professionelle HistorikerInnen stehen vor dieser Herausforderung, sondern sie ist gleichermaßen zu einer Aufgabe für jedermann geworden. Die vielen Verschwörungstheorien, etwa zu den Terroranschlägen des 11. Sept. 2001, zeigen das deutlich. Die Menge des Materials entzieht es einer einheitlichen Interpretation. Dieser Vielfalt – des Materials und der Interpretationen – einen Raum zu geben, ist eines der Anliegen Andújars. Das einzelne Werk (im rechtlichen Sinn) stellt nunmehr einen Ein- oder Ausstieg aus dem Geflecht möglicher Verknüpfungen dar, und bekommt erst dadurch eine konkrete Lesbarkeit. Sinngebung im Archiv ist durch die Spannung zwischen den individuellen Wünschen und den kollektiven Auseinandersetzungen geprägt. Diese macht es nicht nur politisch notwendig, sondern auch möglich, eine Auswahl zu treffen. Auch im Überfluss ist nicht alles gleich. Hierin liegt die Kraft der politischen Imagination dieser Arbeit. Die gekonnte Materialisierung des (digitalen) Archivs in Raum deutet an, dass diese keine Frage mehr ist, die auf das „Internet“ als Teilbereich des Lebens begrenzt werden kann, sondern eine, die die gesamte Gegenwart durchdringt.

Mit dem Überschuss an Bildern beschäftigt sich auch Beat Brogle. Im Zentrum seinen Interesses steht jedoch die wandelbare Ästhetik der Bilderströme. In der ersten Arbeit der Serie OneWordMovie.ch nutzt er die Bildsuchmaschinen, um in Echtzeit strukturelle Filme zu generieren.

Brogle: onewordmove.ch:

Das relativ schnelle Tempo der Bildabfolge verunmöglicht es, einzelne Bilder genauer zu betrachten, aber durch präzis gesetzte Wiederholungen und Loops werden Bildgruppen sichtbar und die teilweise merkwürdigen Bild-Text Verbindungen, die aber statistisch relevant sind. Zum Vorschein kommt eine Art kollektive Bildassoziation. Die Arbeit ist formal verwandt mit Sollfrank’s Netzkunstgenerator. Bei Brogle taucht aber die Frage des Urheberrechts gar nicht mehr auf, sondern vielmehr liegt das Augenmerk auf den sich wandelnden Bildwelten. Es gibt zu viele Bilder als dass es noch praktikabel wäre, den Status des einzelnen zu bestimmen. In der nachfolgenden, installativen Arbeit Dream Machine werden im Internet veröffentlichte Träume als Grundlage für einen generierten Film genutzt und individuelles und kollektives Assoziieren mit einander verbunden.

Brogle: Dream Machine:

Die Bilder erhalten ihren Charakter in erster Linie über das Beziehungsgeflecht, in das sie eingebettet sind, sowohl in Bezug auf ihren Ursprung (der die Auswahl beeinflusst) und der Form der Präsentation (die zeitlich, strukturell und visuell moduliert werden kann).

Konturen des Übergangs

Wenn man die Arbeiten zusammen sieht, als eine künstlerische Befragung der widersprüchlichen historischen Situation, ergibt sich folgender Eindruck. Die immer tiefere Durchdringung der Kultur und Ökonomie steht an einem Punkt, wo interne Widersprüche nicht mehr zu übersehen sind. Zum einen stößt die Überführung kollektiver Kultur in privates Eigentum an ihre Grenzen. Sie tritt in Konflikt mit einer demokratischen, offenen Debatte und der Freiheit der Kunst. Zum anderen kann das Urheberrecht konzeptuell kaum mehr mit aktuellen kulturellen Entwicklungen mithalten. Gleichzeitig kündigt sich ein veränderter Umgang mit kulturellen Werken an. Ausgangspunkte sind Überfluss und freie Verfügbarkeit. Ins Zentrum der individuellen und kollektiven Bemühungen rücken politische und ästhetische Fragen der Formung von Beziehungen, des Herauslösens und Wiedereinbettens in spezifische Kontexte, die immer situativ, zeitbasiert und damit instabil sind.

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Su NETescopio es un visor para escudriñar el arte de última generación
El museo de arte contemporáneo de Badajoz conserva en su archivo cibernético más de 80 obras de artistas que crean para la Red
NETescopio. Arte en la Red. El desarrollo de las técnicas digitales ha dado como resultado un nuevo tipo de cultura artística y también de nuevas preocupaciones museísticas para conservar y exhibir el resultado del trabajo de los artistas creadores en Internet. En lo que al Museo Extremeño Iberoamericano de Arte Contemporáneo (Meiac) de Badajoz se refiere, los resultados son visitables en su página web (www.meiac.es), a través de su NETescopio o visor de arte (http://netescopio.meiac.es), un archivo digital en el que se puede acceder a más de 80 obras que ofrece la institución. Una colección on line para los interesados en el arte de última generación.
La propia palabra NETescopio remite a otros aparatos científicos utilizados por el hombre a lo largo de la historia, como los microscopios o los telescopios, usados para investigar con nuevas tecnologías mundos hasta entonces desconocidos. Con el NETescopio se puede mirar una colección de arte moderno que es conservada y divulgada de manera acorde con los soportes en los que se realiza.
El compromiso del Meiac con este tipo de divulgación artística viene del año 2000, en el que el museo comenzó a mostrar sus colecciones por métodos digitales. Al año siguiente, el Meiac desarrolló como proyecto de participación en ARCO su teoría del Museo Inmaterial, que fue seguida en la sede del propio museo por la exposición ‘Metamorfosis’, a partir de la cual se comenzó la colección de obras en soporte electrónico.
Como consecuencia de ello, el Meiac cuenta en la actualidad con un archivo de obras nacidas de la cultura de red, arte de última generación para usuarios de los sistemas de comunicación del siglo XXI. Arte inmaterial. Se ha generado un nuevo tipo de productos artísticos, muy diferentes de las tradicionales pinturas o esculturas que han venido siendo acogidas por los museos. Y estos se esfuerzan en divulgarlos entre un público interesado en explorar todas las posibilidades de la Red.
Las sucesivas fases de este proyecto artístico del Meiac han sido comisariadas por Gustavo Romano, en cuyas manos recae el duro trabajo de aplicar los criterios del museo en este apartado y seleccionar las producciones que van a incorporarse a sus archivos.
De todas formas, en la página web del Meiac los artistas encuentran también la posibilidad de dirigirse a los responsables del museo para comunicarles la existencia de cualquier obra que crean pueda colmar sus apetencias. En cuanto al nuevo espectador que consume arte a través de la Red, encontrará en el NETescopio, como en los viejos catálogos, datos que le permitirán comprender el trabajo del artista, como su biografía y una sinopsis de la pieza.
Fases
Una primera fase del desarrollo de este proyecto digital fue la muestra ‘Desmontajes’ (21 de noviembre de 2008 a 28 de febrero de 2009) en la que el foco de exhibición se centró en las producciones surgidas en los primeros años en la red. Obras en su mayor parte experimentales que jugaban con la interactividad y el uso de navegadores alternativos y que fueron rápidamente enfrentadas a los nuevos modos surgidos de las emergentes redes sociales.
La segunda fase, ‘Reapropiaciones’, está en marcha desde el pasado mes de noviembre y terminará el 20 de marzo de 2010. Si en principio se trataba de descodificar nuevos caminos artísticos, con la «reapropiación» artística se intenta mezclar y encontrar nuevos significados a los contenidos digitales.
La tercera parte de este desarrollo artístico se llamará ‘Intrusiones’ y en este momento se procede a la selección de obras que se incorporarán a dicho proyecto a lo largo del 2010 y podrán ser visitadas, como siempre, a partir del otoño, en noviembre próximo. Aquí encontraremos proyectos que intervienen en espacios de uso común como la Wikipedia o Google Maps, que parodian o subvierten páginas de uso privado, o que invaden o se infiltran sigilosamente en el propio ordenador del usuario. También habrá propuestas individuales en las que el artista adopta un rol de espía o de intruso y propuestas grupales desarrolladas por colectivos artísticos o aquellas en las que se demanda la participación masiva del espectador.
Pero el Meiac también está interesado en proporcionar cierta «corporeidad» a esta parte de sus producciones para divulgarlas más y mejor y está organizando para este 2010 una exposición que se pretende hacer itinerante por distintos museos europeos, norteamericanos y de Iberoamérica. Los lugares en los que el Meiac piensa presentar su colección digital a partir de este año son el Centro Cultural de Sao Paulo, el Laboratorio Arte Alameda en el DF (México), el Centro Cultural de España en Buenos Aires, Calit2 de San Diego y el Chelsea Art Museum, de Nueva York.
Nuevos usos
El arte digital inaugura nuevos usos y costumbres en la relación entre los artistas y los museos. ¿Quién es el propietario de una obra que se divulga a través de la Red? ¿Cómo se preserva la integridad de la misma en medio de la batalla desatada por el control de las imágenes que circulan por el ciberespacio? El Meiac responde a esto que el carácter efímero de muchas de estas obras de arte requiere una estrategia nueva de conservación de las mismas que incluya una contextualización rigurosa. La obra concreta se rodea aquí de añadidos como entrevistas con el artista, fichas técnicas o análisis críticos que, en el caso improbable de su pérdida, permitieran una reconstrucción casi arqueológica de la misma.
El dominio sobre la obra también tiene sus peculiaridades. El Meiac exhibe las suyas a través de acuerdos con sus autores que no implican la cesión de la propiedad, sino que autorizan la incorporación al museo y su uso a cambio del compromiso de conservación de las mismas.

Los artistas que están presentes en la colección digital del museo son: Arcángel Constantini, Alexei Shulgin, Amy Alexander, Amy Berk & Andy Cox, Antoni Muntadas, Antonio Mendoza, Belén Gache, Brian Mackern, Daniel García Andújar, Daniel Jacoby, Darren Solomon, Dora García, Eduardo Navas, Eugenio Tisselli, Eva y Franco Mattes (0100101110101101.ORG), Giselle Beiguelman, Igor Stromajer, Iván Abreu, Iván Lozano, Joan Leandre, La Société Anonyme (José Luís Brea), Lucas Bambozzi, Luther Blissett, Marcel-li Antúnez, Mark Napier, Martin John Callanan, Miltos Manetas, Minerva Cuevas, Olia Lialina, Paolo Pedercini (Molleindustria), Ricardo Barreto y Paula Perissinotto, Ricardo Iglesias, Ryan Barone, Santiago Ortiz, Santo_File Group (David Casacuberta, Marco Bellinzoni), Sergi Jordà, Stanza, Steev Hise, Taller d’Intangibles (Jaume Ferrer y David Gómez), The Yes Men, Thomson & Craighead, Ubermorgen, Paolo Cirio, Alessandro Ludovico, Vadim Epstein, Vuk Cosic, Young-Hae Cheng.

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El Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), de Badajoz, acoge desde mañana viernes, 21 de noviembre y hasta el próximo 28 de febrero de 2009, la exposición “Desmontajes. Net Art 0.1″ dentro del nuevo Proyecto Netescopio, puesto en marcha por el MEIAC.

El Proyecto Netescopio del MEIAC consiste en la creación de un archivo en línea en continuo desarrollo, destinado a preservar obras artísticas generadas para la red. Sus objetivos principales son el resguardo, la difusión y la catalogación de dichas obras utilizando para ello el mismo medio de Internet, posibilitando de esa forma su crecimiento y actualización constantes.

Como fase inicial del proyecto, el MEIAC presenta la exposición “Desmontajes. Net Art 0.1″, comisariada por el artista argentino Gustavo Romano. “Desmontajes” centra la atención en aquellas producciones surgidas en los primeros años de la web.

Obras que experimentaron por vez primera con el medio y que jugaron con sus particularidades en cuanto a la interactividad, el uso de interfaces o navegadores alternativos, el uso táctico del medio y otras estrategias que fueron definiendo las líneas de producción en los primeros años del arte de redes.

Ahora que hemos pasado a la web 2.0, los creadores plantean que quizá sea el momento de revisar aquellos primeros trabajos, que con una mayor radicalidad y con un énfasis en la experimentación y en la deconstrucción del medio, empezaron a perfilar aquellos interrogantes que hoy son retomados desde un nuevo contexto de producción y de distribución.

La exposición se divide en 5 apartados: desmontando interfaces, desmontando estereotipos, desmontando narraciones, desmontando lo cotidiano y desmontando el sistema del arte.

Desmontando Interfaces

La irrupción de las nuevas tecnologías supuso una mejora considerable en el área de las comunicaciones. La producción artística genera un espacio de reflexión que no busca verdades, sino que por el contrario, sabotea el lenguaje, su estructura, sus signos.
Las distintas obras que conforman esta selección, adoptan un comportamiento viral que se verá reflejado de maneras muy diferentes, pero haciendo notorio el enfrentamiento entre arte y comunicación.
Cuanto menos claro resulta el mensaje, mayor riqueza de sentidos adquieren las obras, y mayor esfuerzo de re-codificación se hace necesario por parte del espectador.
Con obras de Alexei Shulgin, Vuk Cosic, Brian Mackern, Joan Leandre y Giselle Beiguelman.

Desmontando Estereotipos

El mayor producto que vende la sociedad de consumo es la tranquilidad de pertenecer a ella. Lo que importa no es el producto sino cómo éste se vende. O, en todo caso, producto y venta forman parte del mismo fenómeno narcótico de seducción.
A través de diferentes métodos, mediante el humor, el desconcierto, la mímesis, la parodia o el camuflaje, las piezas que conforman esta sección atacan los estereotipos de la propaganda, entendida como propaganda social, política, militar o mercantil.
Se pone en marcha un circuito de reciclado cultural, de remix social y simbólico, con actitudes de travestismo, furia, despreocupación e impertinencia.
Con obras de Antonio Mendoza, Iván Lozano, Eduardo Navas y Arcángel Constantini.

Desmontando Narraciones

Internet es fundamentalmente una red articulada en base a textos. Pero en ella el estatuto de la letra impresa, definitiva e inalterable, ha dado paso a otro estatuto, frágil, mutante e inacabado, con una exponencial posibilidad de expansión, diseminación y replicación por parte de lectores-escritores ubicados a todo lo largo de la red.
Esta ruptura en la linealidad de la narración tiene que ver con otras rupturas como la de la Historia, la verdad, la del autor como narrador omnisciente, que darán paso a textos fragmentados, a la lectura como tarea de desciframiento, a máquinas-poetas programadas para re-citar palabras, al libro juguete, o a la deriva del lector-autor.
Algunos de los ejemplos que encontraremos en esta selección de trabajos pondrán en duda si somos las piezas o los jugadores. ¿Quién mueve a quién? ¿Quién lee y quién es leído?
Con obras de Olia Lialina, Belén Gache, Eugenio Tisselli, Eduardo Navas, Marcel.li Antúnez y Santiago Ortiz.

Desmontando lo Cotidiano

Ciertos proyectos en la web pueden ser mejor apreciados si los entendemos no como obras, sino como intervenciones en un nuevo espacio público, Internet. Pero como toda intervención en un espacio público, la acción debe camuflarse con el entorno y evitar que se perciba su carácter de proyecto artístico.
Es que pareciera ser que en el mismo momento en que aparece la palabra arte, la intervención es desenmascarada y pierde toda peligrosidad. La ficción debe agazaparse, mimetizarse con la realidad para mantener su intensidad y poder subvertirla.
En esta sección encontraremos propuestas que abordan una deconstrucción de lo cotidiano, del ordenamiento social, de la rutina individual y de los entornos y protocolos de interacción e intercambio personal.
Con obras de Daniel García Andújar, Minerva Cuevas, Dora García, Brian Mackern.

Desmontando el Sistema del Arte

La aparición de nuevos dispositivos tecnológicos y el fenómeno de la reproductibilidad no sólo han transformado el arte sino toda nuestra rutina cotidiana y nuestra forma de percibir el mundo.

Pero el cambio que ha incorporado lo digital, a diferencia de otros medios tecnológicos, es posibilitar, más que la reproducción, la manipulación. Más que la invariancia, la perpetua mutación.

Más que la copia, el remix. Esto ha introducido una serie de cuestionamientos, ya no sólo acerca de la noción de original o copia, sino la de autor, la de poseedor o la de coleccionista.

¿Cómo se posiciona el mercado frente a la ausencia de mercancía? ¿Cómo coleccionar una sucesión de bits en constante cambio, aparición y desaparición? ¿Podemos llamar artistas a programadores que exhiben su destreza en el uso del software aplicado al absurdo? ¿O diseminan virus por la red? Pasados ya más de 10 años de producciones en la red, estas preguntas siguen teniendo vigencia.

Con obras de Daniel García Andújar, Eva and Franco Mattes aka 0100101110101101.org, Arcángel Constantini Young-hae Cheng Heavy Industries, Antonio Mendoza e Iván Abreu.

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Las principales obras del arte electrónico o ‘media art’ español se exponen a partir de hoy y hasta el próximo 15 de marzo en la galería del Instituto Cervantes de Nueva York en una muestra titulada ‘Sintopías. De la relación entre arte, ciencia y tecnología’.

Las principales obras de arte electrónico español
La muestra está organizada por el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), y se dio a conocer el pasado mes de abril en Pekín, coincidiendo con el Año de España en China, para ofrecer una visión general de esta concepción artística.

El director del MEIAC, Antonio Franco, explicó a Efe que la exposición, que consta de tres partes, ‘está pensada para ser exhibida fuera de España, porque su objetivo es la divulgación de un aspecto de la creación artística española fuera de los sectores convencionales’.

La primera parte del proyecto es una selección de obras que pertenecen a la colección del museo, entre las que se encuentran vídeos y piezas de arte digital en soportes interactivos y telemáticos.

La segunda es una base de datos conocida como ‘Net España’ en la que se puede encontrar toda la información relativa al arte español desarrollado a partir de nuevos medios tecnológicos, como vídeos interactivos, animación digital o arte en Cd-Rom, que los visitantes podrán consultar gratuitamente.

El tercer componente es un trabajo titulado ‘Palabras corrientes’, que reúne las obras en soporte digital de seis artistas: Dora García, Ricardo Iglesias, Marisa González, Francisco Ruiz de Infante, Daniel García Andújar y un colectivo de artistas denominado ‘MMMM….’.

Este proyecto se centra en el análisis de los cambios que se están produciendo en las actuales formas de comunicación y en las posibilidades que Internet otorga como medio para ‘cartografiar’ el mundo real, codificarlo y descodificarlo para hacer reflexionar a la sociedad desde la creación artística.

Con ello se busca convertir Internet en el soporte para una nueva forma de narrar, comunicar e interpretar nuestro entorno a través del arte electrónico y de las diferentes estrategias visuales de los creadores.

Uno de los artistas participantes, Daniel García Andújar, definió su obra personal, llamada ‘e-paisaje.org’, como ‘una herramienta de narrativa descriptiva que busca favorecer la accesibilidad a todos los paisajes posibles’.

Este objetivo se alcanza mediante la elaboración de una base de datos interactiva en la que se recrean y recopilan rutas literarias y localizaciones geográficas aparecidas en la extensa narrativa en castellano, que pueden compartirse con el resto de usuarios.

Por este motivo el artista también la considera una ‘herramienta social’, ya que tanto lectores como autores pueden incorporar sus rutas e itinerarios de cualquier obra, que sirven de complemento a los propios libros.

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El principal objetivo del proyecto e-paisaje.org es favorecer la accesibilidad a una herramienta de construcción —de construcción literaria— para todos aquellos narradores que trabajen o utilicen el recurso del paisaje. Este objetivo se alcanza mediante la elaboración de una base de datos en la que se están recopilando y recreando rutas literarias y localizaciones geográficas aparecidas en la extensa narrativa en castellano. La herramienta se abre al criterio social, ya que tanto lectores como autores pueden incorporar sus rutas e itinerarios tanto de creaciones nuevas o en proceso como extractadas desde obras ya impresas de autores conocidos.

El paisaje, como representación, es una construcción de la imaginación que va conformando paulatinamente una memoria en continua mutación, su desciframiento ha sido uno de los recursos expresivos más recurrentes de nuestra literatura. El inventario de nuestra realidad ha sido una tarea literaria de cierta tendencia histórica que ha incluido desde el inventario geográfico a la crónica, pasando por una intensa literatura de viajes que nos ha acercado al paisaje en sus múltiples y variadas vertientes: épico, utópico, ilusorio o fantástico, urbano, sin duda el paisaje sigue siendo una gran figura retórica de todo buen narrador.

En una primera acepción en el Diccionario de la Real Academia Española, el paisaje se describe como una extensión de terreno que se ve desde un sitio. Las tecnologías de información y comunicación están ampliando nuestros puntos de visión; en Internet han surgido diversas herramientas que combinando imágenes de satélites, mapas y otros datos ponen toda la información geográfica del mundo a nuestro alcance. En cierto sentido, estas herramientas, están cambiando las referencias del paisaje tal y como las hemos conocido. Desde nuestro emplazamiento habitual, nuestra vivienda, nuestra habitación sobrevolamos a nuestros vecinos hasta cualquier destino indicado, atravesando montañas, valles, ríos, carreteras, pueblos ciudades, edificios… más que decirle al lector algo que ya conoce desde el relato, e-paisaje.org nos ensancha la mirada. Si el escritor nos habla de lugares que conocemos, nuestra percepción crece con nuevos rincones y nuevas maneras de explicarlos, una nueva narrativa visual que puede empujar a visitarlos para encontrar en ellos nuestra propia voz, aun desde la imaginación.

Un proyecto de Daniel G. Andújar y Technologies To The People Foundation. Con Javier Lloret (desarrollo técnico), Mario Berenguer (asistencia diseño) y la colaboración de Jorge Blasco y Valentín Roma.

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EXTREMOS DEL SEXTO CONTINENTE. 9 proyectos de net art
Selección: Gustavo Romano
http://www.findelmundo/extremos

Los trabajos elegidos abordan con diferentes estrategias artísticas la idea de “extremo” dentro de la peculiar geografía del ciberespacio, el sexto continente.
Este nuevo mundo se suele pensar como un espacio liso, sin accidentes geográficos que permitan generar una cartografía. Aún así podemos identificar en nuestra bitácora de navegación, como si atravesáramos el cielo o el mar, ciertas turbulencias, generadas a partir de intervenciones artísticas, que nos permiten delinear si bien no un mapa, al menos ciertos patrones de interferencia en la particular curvatura del ciberespacio.
Con trabajos de 0100101110101101.ORG, Antoni Abad, Giselle Beiguelman, Arcángel Constantini, Fin del Mundo, Daniel García Andújar, Brian Mackern, YKON (Summit of Micronations), Hans Bernhard y Lizvlx [UBERMORGEN], Alessandro Ludovico y Paolo Cirio.
[acceso a los proyectos]

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EXPOSICIÓN ‘SINTOPÍAS’

PEKÍN.- El Instituto Cervantes de Pekín inauguró la exposición ‘Sintopías’, una combinación de arte, ciencia y tecnología con la que se pretende mostrar al público chino la adaptación del arte español a las nuevas tendencias.

“Hasta ahora las exposiciones españoles que han llegado a China han incluido pocas obras contemporáneas. Pero creo que es muy interesante la combinación hecha por España entre lo tradicional y lo moderno”, afirmó en la presentación del acto el crítico de arte y comisario de exposiciones Huang Du.

La muestra, que estará abierta al público hasta el próximo 10 de junio, es resultado de un proyecto combinado del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), el Media Centre d’Art i Disseny (MECAD) y el propio Instituto Cervantes, el cual aprovecha además esta exposición para presentar oficialmente su propuesta ‘Palabras Corrientes’, en la que ha estado trabajando durante casi tres años, según explicó su comisaria, Marisa González.

‘Palabras Corrientes’, según señaló González, intenta defender una revalorización en Internet del idioma español, y utiliza a la Red como canal de estudio del tradicional binomio entre arte y lenguaje, para lo cual se ha valido de la colaboración de seis artistas españoles.

“Queremos contrarrestar la invasión del inglés y de la cultura estadounidense, y por ello el requisito era jugar con el castellano. El proyecto arranca a través de nuevas obras concebidas para la Red, y se centra en la lengua en su esencia, es decir, en poemas, citas o aforismos“, señaló González. Para acceder a este juego entre Red y lenguaje sólo es necesario teclear la dirección http://cvc.cervantes.es/artes/p_corrientes.

Pantalla de ‘e-paisaje.org’, de Daniel G. Andújar.

“La tecnología ha dejado de ser un entorno utópico, en ella se desenvuelve gran parte de nuestro mundo actual”, opinó por su parte Antonio Franco, director del MEIAC, centro que ya ha estado presente antes en China, en la exposición conjunta ‘Laberinto de Museos’.

El MEIAC ha traído esta vez obras de su colección y otras específicamente creadas para la exhibición de autores tanto españoles como iberoamericanos, y que incorporan lenguajes como el cine experimental, la animación digital, Internet o sistemas interactivos.

MECAD contribuye a la muestra, por su parte, con el espacio NET_ESPAÑA, una suerte de base de datos de la Historia del arte digital español, que se inicia a finales de los años 60 y que contiene más de cien autores, con sus perfiles y fragmentos de alguna de sus obras.

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