By Daniel G. Andujar*

Artists Rights

Artecontexto, winter 2006

In the last few years, copyright has become a controversial issue. On the one hand, current information and communication technologies have generated a new social reality in which both old situations and new sceneries coexist. Undoubtedly, these transformations have also produced a crisis on the prevailing systems of distribution and cultural management. Societies have enough mechanisms to adapt themselves to their own processes, but we must ask ourselves if the current dogmatic legislative apparatus is prepared to confront these changes. On the other hand, the recent pressure that collective copyright management societies have exerted on our legislators, so as to make sure that the new laws on intellectual property will safekeep their interests, has intensified this debate. Specialists express their opinions on this subject even on the paparazzi TV shows, and of course, a few of them may suddenly show their preference for one of the options with the sole purpose of taking advantage of this situation. This is not just one more ephemeral topic. It’s in fact an open confrontation between those who control and defend leisure industries -culture’s big business-, and those who demand an urgent revision of the prevailing system and a reformulation of the notion of intellectual property in a new “free-culture” context.
This confrontation has already begun. Its tracks can be found everywhere and they are broadcasted without control through an increasingly complex system in which one can hardly identify central and peripheral zones, transmitter and receiver, means and messages.
We haven’t yet assimilated the first phases of the digital era and action territories are still begin redefined, meanwhile we witness the first tensions between different, irreconcilable realities. The digital gap, generational clash and many other similar phenomena are challenging our traditional ways to work with, understanding and managing information -and they are also changing our view as for negotiating, trading, in short, living and understanding the world we’re living in. The· “analogical adult” generations are trying to impose their lifestyle, educational system, hierarchic system, institutions and rules that the “digital natives” cannot comprehend. Those, who have just arrived to these new environments, those who haven’t entered the new system, those who were taught traditional completely 0rbsolete models, in radically different environments, are beginning to have serious problems to understand the-reality and utility of a world they will keep living in for a long time. Some of them hold power and administer reality. Others simply try to construct their own reality ignoring former rules. Models are on a process of continual redefinition and we cannot foresee who will prevail.
Tensions in the art milieu are more than evident when positions must be assumed. Young applicants to enter the artistic limbo have decided to enjoy, without protection, the promises of an unlimited global village, seduced as they are by their natural idealism, persuaded that they understand the world they are living in, although they lack the most elemental pragmatic notions. Some collectives are trying to make a living from their own work in a cooperative, legitimate way, ignoring that in their pursuit of an adequate model they intend to sublimate the fruits of their work beyond the rest of society. An artist’s contribution to society is not more valuable than that of a scientist, a teacher, an engineer or any other professional -even those in the Public Administration. The current legislation they are supporting has produced some very absurd cases, for instance, that the copyright management societies that represent the artists have collected more than 150.000 Euros as a compensation for the CD-R private copies of Free Software that were encouraged by Spanish Autonomic Regions (even though, any citizen may download this material for free). The total cost, -including the creation of the copies and the payment to those who made the job, is inferior to 100.000 Euros. Defending intellectual property and the legitimate rights of artists must not be confused with a tax that damages economic, social and cultural development, but it should be conceived as a support to a collective cultural process for the sake of our society. As a result of this model, we have a clear conflict of interests and those who manage the most visible part of both public and private cultural institutions in our country are taking advantage of it. Those who manage the network of cultural industries and the directors of cultural institutions are not interested anymore in encouraging a process to generate new contents and cultural production. Art institution has been absorbed as another mechanism of service production and it actively takes part in the “touristification” and the complex re-adaptation of the new city’s infrastructures. Our inability to find a proper collective method that would dignify the artist’s work has been exploited by these managers of visible spaces in order to claim that “artwork cannot be regarded as a merchandise” (whereas the central question was always “what do the artists eat”, specially those who are not hired to make rotundas, to decorate airports, foundations, offices and public spaces, and to develop corporate images, living off their high-rate fees, in complicity with prevailing political powers). The real merchandise is the audience, we all know it. As a matter of fact, most museums don’t accept to pay the management societies’ fees, nor assume their public responsibility in the active administration of artistic production, ignoring their role as supporters of contemporary artistic practice development. Everyone is free to make his own conclusion. Who’s provokes who? The legitimate defense of intellectual property must not constitute an obstacle for the free circulation and the development of ideas and creations. Culture is a collective construction and, as such, we all take part in it.
What’s the right position? Some people think that the regulations of the new Law of Intellectual Property (specially regarding such topics as the private copy, which has been reduced to its minimum expression) are outdated in this Internet era. On the other hand, we believe that the current regulations imply a real burden for creation, access to information and divulgation of knowledge. As a consequence, we are on the side of losers, among the illegal ones. And this current legislation has cast many artists’ basic elements of production completely out of the law. We are not just talking about ideas and transformations in the conceptual order, but about what Spanish Congress says when it approves a legal text with more than 300 votes and the general agreement between all parliamentary forces. We are talking about what the BOE says, word by word: once these laws are implemented, judges will get used to apply them and no brilliant introduction to 20th Century art (from the collage to the objet trouvé and appropriationism) will soothe us. Is there any option left? Artistic practice, just as I conceive it, must be transformed into a form of “resistance” against a model that is obstinately aimed to prevail in a space of relations that is becoming more and more confused and globalized. Fortunately, art is not reduced only to the institutional aspect and the market. It can -and it must- find or invent new territories in which new proposals must be developed. Art, just as any other cultural process, is basically a transmission process, a process of transference, a continuing dialogue that is also permanent and¬ necessary. But let’s not forget that art is also transgression, rupture, irony, parody, appropriation, usurpation, confrontation, investigation, exploration, interrogation… contestation. And fortunately, it’s not easy to legislate on all these aspects. In any case, we are not alone. We are not discussing a localized debate, circumscribed to a specific political, geographical environment. Actually, is there any collective debate that is still exclusively local?
In the past, management societies became intermediaries between creators and those who had the production, distribution and commercialization means, but new technologies are gradually eliminating the need to have these intermediaries and management services. In the case of music ‘industry, it’s something clear and it’s not an isolated process.
The reasons to understand and assimilate all these phenomena are complex and varied, but understanding the new models of organization of works and information streams may help minimize the process. Network society is ruled by a series of behaviors that in some cases are extraordinarily ‘new. A certain hierarchical order is established through a sort of meritocracy, a social responsibility encouraged by the need to donate something valuable to our community and other users, existing also an eagerness for public acknowledgment. This kind of attitudes have supported the development, in a global scale, of different movements in favor of both new forms of collective creation and a free sharing of acquired knowledge and rights of use. It’s a complex, global process of cooperation and development whose participants and interests are growing everyday. These forms of organization have proved to be more productive and incredibly capable to direct innovation towards a new communitarian objective. Social cooperation unveils its power of innovation and creation, understood as the best manner to support a model that permits distribution and expansion of contents for participants, users and audiences. Art has also a political function that requires ethical positions: aesthetic is not enough. Those who follow exclusively commercial and institutional models and practices may think this is all irrelevant, but they must learn to accept that they are anchored on traditional models that are radically different from those that will most probably prevail. They should see that digital space did not emerged simply as a means that favors communications, but as a new theatre for all kinds of operations. And this is clearly a disputed space whose interests are threatening their old hierarchies.

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Daniel G Andújar

LOS DERECHOS DE LOS ARTISTAS
Artecontexto Número 12
Invierno 2006

El tema de los Derechos de Autor se ha convertido últimamente en motivo de polémica y discusión recurrente. Por un lado, las actuales tecnologías de información y comunicación, han generado una nueva realidad social en medio de la cual se desenvuelven tanto situaciones previas como nuevos escenarios. Lo que no podemos dudar es que estas transformaciones han puesto en crisis los modelos de distribución y gestión cultural dominante. La sociedades tienen mecanismos suficientes para adaptarse a sus propios procesos de cambio, pero no podemos evitar preguntarnos si el aparato dogmático y legislativo vigente está preparado para afrontar estos cambios. Por otro lado, la reciente presión que las entidades de gestión de derechos colectivos de autor realizan sobre nuestros legisladores, para que nuevas leyes sobre la propiedad intelectual garanticen sus intereses, ha intensificado aún más el debate y la discusión en torno a esta cuestión. Los especialistas en uno y otro sentido surgen como los tertulianos en los programas del corazón, y por supuesto siempre aparecen quienes súbitamente se suben a uno u otro carro con el único propósito de sacar rédito de la situación. No estamos hablando de una moda pasajera, nos estamos refiriendo directamente a una confrontación abierta entre quienes controlan y defienden la industria del ocio, el gran negocio de la cultura, y quienes reclaman una revisión urgente del sistema imperante y una reformulación de la noción de propiedad intelectual en un nuevo contexto de ‘cultura libre’.

El enfrentamiento ha comenzado, las huellas aparecen por doquier y su rastro se difunde sin control por un sistema cada vez más complejo desde el que es difícil identificar el centro y la periferia, el emisor y el receptor, el medio y el mensaje.
Todavía no hemos llegado a asimilar los primeros estadios de la era digital, aún se están redefiniendo territorios de actuación, cuando vemos cómo surgen las primeras tensiones entre distintas realidades que tienden a no entenderse. La brecha digital, el enfrentamiento generacional, está generando grandes desafíos entre distintas formas de trabajar, de entender y gestionar la información, de negociar, comerciar, relacionarse y, en definitiva, de vivir y entender el mundo que nos rodea. Las generaciones de “adultos analógicos” intentan imponer un modo de vida, un sistema educativo, un sistema jerárquico, unas instituciones y unas normas de convivencia que los “nativos digitales” no alcanzan a comprender. Los recién llegados a estos nuevos entornos, quienes no ha migrado al nuevo sistema, educados con modelos tradicionales absolutamente obsoletos, y en entornos radicalmente diferentes, comienzan a tener enormes dificultades para comprender la realidad y utilidad de un mundo que todavía han de vivir por mucho tiempo. Unos ostentan el poder y gestionan la realidad, los otros simplemente intentan construir una propia obviando, en mayor parte, las reglas de la anterior.  Los modelos están en continua definición, en consecuencia, que cada cual tire de su parte de la cuerda, ya veremos por dónde se rompe.

Los pulsos dentro del sector artístico son más que evidentes llegada la hora de tomar posiciones. Los jóvenes aspirantes al limbo de las artes se han lanzado sin protección alguna a disfrutar de las promesas de una aldea global sin lindes ni alambradas, seducidos por su natural idealismo, cargados de la razón que les proporciona el creer que entienden el mundo que están viviendo, sin embargo, carecen del más elemental pragmatismo. Algunos colectivos de artistas de forma cooperativa y legítima tratan de resolver el difícil dilema irresuelto de poder vivir de su trabajo, sin caer en la cuenta de que en este proceso de búsqueda de un modelo adecuado han pretendido sublimar el fruto de su trabajo sobre el del resto de la sociedad. La aportación de un artista a la sociedad no es más valiosa que la de un científico, un docente, un ingeniero, cualquier profesional o la propia Administración Pública. La actual legislación que están apoyando plantea casos tan absurdos, como, por poner u ejemplo entre mucho, el de la recaudación por parte de dichas entidades que los representan de más de 150.000 € en concepto de compensación por copia privada sobre los CD-R en los que se han grabado las distribuciones de Software Libre impulsadas por las diferentes Comunidades Autónomas (que cualquier ciudadano se puede descargar libremente por Internet). El precio de crearlas, el dinero que han cobrado quienes han realizado ese trabajo, no ha llegado ni a 100.000 €. La defensa de la propiedad intelectual o de los derechos legítimos de los artistas no se puede confundir con un impuesto o tributo que grava y perjudica el desarrollo económico, social y cultural, sino como incentivo para impulsar un proceso cultural colectivo al servicio de la sociedad. El conflicto de intereses que plantea este modelo está servido y la radicalización de posturas es aprovechada muy oportunamente por quienes dirigen la parte más visible y mediática de las instituciones artísticas públicas y privadas de este país. Quienes gestionan el entramado de las industrias culturales y los directores de instituciones culturales han abandonado hace décadas los procesos de generación de nuevos contenidos y la producción cultural. La institución arte ha sido absorbida como un mecanismo más de los procesos de producción de servicios, es parte activa de los procesos de turistización y participa en la compleja readaptación de las infraestructuras de la nueva ciudad.  La incapacidad para acertar con el método colectivo que diera dignidad al trabajo del artista ha sido aprovechado por los gestores de estos espacios de visibilidad para proclamar que “la obra de arte no puede ser considerada mercancía” (cuando la cuestión de los artistas siempre fue “de que comen los artistas”, especialmente los que no hacen rotondas, decoran aeropuertos, fundaciones, oficinas y plazas públicas, desarrollan imágenes corporativas, viven de rentas, conviven con el poder político de turno, etc. ), la mercancía es el público, ya lo sabemos. La pura realidad es que los museos, en gran medida, no aceptan pagar a las sociedades de gestión, ni asumen su responsabilidad publica en la gestión y administración activa de la producción artística, ni incentivan el desarrollo de práctica artística contemporánea alguna. En este rifirrafe que cada cual saque sus propias conclusiones, ¿quién está chuleando a quién? La defensa legítima de la propiedad intelectual no debe de constituir un obstáculo para la libre circulación y el desarrollo de las ideas y de las creaciones. La cultura es una construcción colectiva, es decir, de todos.

¿y dónde se sitúa uno mismo? Sin duda, entre quienes opinan que algunas leyes puestas en marcha por nuestros gobernantes en la nueva Ley de Propiedad Intelectual, como el derecho de copia privada, reducido ahora a la mínima expresión, son anacrónicas para la era de Internet, y también entre quienes entendemos que las actuales regulaciones suponen un verdadero lastre para la creación, el acceso a la información y la difusión del conocimiento. Asimismo, está uno entre los perdedores, entre los ilegales. Y es que la actual legislación ha situado la base de producción de muchos artistas completamente al margen de la ley. Ahora ya no estoy hablando de ideas, de transformaciones de orden conceptual, estamos hablando de lo que dice el Congreso de los Diputados del Reino de España cuando aprueba un texto legal con más de 300 votos a favor y con el amplio consenso de todas las fuerzas parlamentarias. Hablamos de lo que dice muy claro el BOE, negro sobre blanco, y hablamos de que cuando las leyes entran en vigor, los jueces acostumbran a aplicarlas y no nos servirá de atenuante una brillante introducción al arte del Siglo XX que incluya desde el collage hasta el objet trouvé pasando por el apropiacionismo. ¿Qué opción nos queda?  La práctica artística tal y como yo la entiendo debe de convertirse en una muestra de la “resistencia” a un modelo que pretende mantenerse con obstinación en un espacio de relaciones cada vez más difuso y globalizado.

Afortunadamente la práctica del arte no se circunscribe solamente a la parcela institucional y de mercado, puede y debe encontrar, o sino inventarlos,  nuevos territorios desde  los que desarrollar nuevas propuestas. El Arte, como cualquier otro proceso cultural, es básicamente un proceso de transmisión, de transferencia, de dialogo continuo,  permanente y necesario, pero no lo olvidemos, también es trasgresión, ruptura, ironía, parodia, apropiación, usurpación, confrontación, investigación, exploración, interrogación… contestación. Y todo esto es difícil de legislar, afortunadamente. En cualquier caso no estamos solos, no estamos ante un debate localizado en un ámbito geográfico y político específico. ¿Qué debate de orden colectivo lo es ya?

En el pasado las entidades de gestión hicieron de intermediarias entre los que creaban y los que tenían los medios para producir, distribuir y comercializar, pero las nuevas tecnologías de información y comunicación están eliminado paulatinamente la necesidad de esa gestión, de la intermediación en esos términos. En el caso de la industria musical es algo claro y meridiano y no es un proceso aislado.

Las razones para entender y asimilar todos estos fenómenos son complejas y variadas, pero sin duda entender los nuevos modelos de organización del trabajo y de flujos de información puede ayudar a minimizar el proceso. La sociedad en red se rige por una serie de comportamientos que en algunos casos son extraordinariamente novedosos. Un cierto orden jerárquico se establece a través de una especie de meritocracia, una responsabilidad de índole social impulsada por la necesidad de aportar algo valioso a la comunidad, a otros usuarios, existiendo un afán por ser reconocido públicamente por ello. Este tipo de actitudes han permitido el desarrollo, a nivel global, de distintos movimientos a favor del desarrollo de nuevas formas de innovación y de creación colectiva, así como a favor de compartir libremente el conocimiento adquirido y los derechos de su uso. Es un proceso complejo y global de cooperación y desarrollo que constantemente suma participantes e intereses. Son formas de organización del trabajo que se afirman como más productivas y tremendamente capaces de orientar la innovación hacia un objetivo de interés comunitario. La cooperación social desvela su poder de innovación y creación, entendida como el mejor modo de apoyar un modelo que permite la distribución y expansión de los contenidos para participantes, usuarios y audiencia. El arte tiene una función también política que necesita de posicionamientos éticos, no todo va a ser estética. Dentro del sector artístico a quienes siguen modelos y prácticas exclusivamente mercantiles e institucionales, seguramente, todo esto puede parecerles irrelevante, pero deben de aprender a aceptar que están anclados en modelos tradicionales radicalmente diferentes a los que se están imponiendo. Deben de entender que el espacio digital no surgió simplemente como un medio que permite la comunicación, también surgió como un nuevo teatro para todo tipo de operaciones. Y este es claramente un espacio disputado cuyos intereses ven amenazados sus viejas jerarquías.

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Por Pedro G. Romero
En las novelas de Kafka nos salen al encuentro criaturas que se definen como “ayudantes”. Sin embargo, no parecen estar en condiciones de prestar ayuda. No entienden nada, no tienen “aparatos”, no hacen más que chiquilladas y tonterías, son molestos e, incluso, a veces, descarados y lascivos. En cuanto a su aspecto son tan parecidos entre sí que sólo se distinguen por el nombre; se parecen “como serpientes”. No obstante son observadores atentos, desenvueltos y elocuentes, sus ojos son brillantes, y en contraste con sus modos pueriles, tienen caras que parecen adultas, “de estudiantes, casi”, y barbas largas y abundantes. Alguien, no se sabe quién, se los ha asignado, y no es fácil quitárselos de encima. En definitiva, nosotros no sabemos quiénes son, quizás son enviados del enemigo, lo que explicaría por qué no hacen más que acechar y espiar. Sin embargo parecen ángeles, mensajeros que ignoran el contenido de las cartas que deben entregar, pero cuya sonrisa, cuya mirada, cuya manera de andar “semejan un mensaje.”

Giorgio Agamben.

El espacio físico que ocupa el caS en la dirección de Torneo 18/San Clemente es, a todas luces, insuficiente a la hora de entender el trabajo de un centro de arte. Para empezar está la dimensión simbólica, aquella que, por ejemplo, le otorga el hecho de situarse en Sevilla, de aspirar a una representación de los distintos presentes que una ciudad invoca. Así, la metáfora del nodo, tomada del lenguaje de la telemática sea quizás la que más conviene para definir la situación de un espacio para las artes en la ciudad. Si se quiere, se trata de un nodo principal, pero al fin al cabo, un enlace más, un punto en la amplia red de lugares y vinculaciones que el centro de las artes de Sevilla debe tejer en la ciudad.

Recientemente, una presentación académica del trabajo sobre arquitectura y lenguaje para el diccionario de la RAE nos dejaba estas palabras: “la apertura hacia la revisión del mundo de la arquitectura, la ciudad, el urbanismo y la relación con el mundo de los inmateriales, la informática y la telemática, que se implican en el mismo fenómeno de la ciudad”. El centro de las artes de Sevilla aspira también a constituirse como espacio público en el ámbito de los media, en la red Internet, en el inmaterial de las señales electromagnéticas.

Recientemente, el festival Zemos98 presentaba en el caS el proyecto Reclaim the spectrum en el que se reclamaba la intervención pública y ciudadana sobre el espectro radioeléctrico, el suelo urbanizable de la sociedad de la información. ¿Podemos aspirar a urbanizar este espectro para ponerlo al servicio de los ciudadanos más allá de los canales del consumo y el espectáculo? ¿Podemos hacer también de estos espacios plaza pública, lugares comunes para uso y disfrute de sus ciudadanos?

La Plataforma de Crítica Cultural que movilizó a algunos colectivos culturales en contra de la BIACS propuso al caS la extensión en la ciudad de una herramienta democrática de información y debate cultural, una herramienta autónoma libre de la intromisión de los distintos intereses fácticos que, naturalmente, constituyen el debate cultural de la ciudad. Como en años anteriores, con el apoyo a las Jornadas Públicas de Debate Cultural y a un número especial de la revista Parabólica, la municipalidad se compromete también con sus sectores más críticos. La propuesta pasaba por la creación de un espacio en la web, la www.e-sevilla.org , herramienta auspiciada por Tehcnologies To The People que ya la había ensayado en otros ámbitos y de forma similar en las ciudades de Barcelona y Valencia.

Básicamente se trata de un punto de información social, un archivo de noticias y exposiciones diversas sobre la vida cultural de la ciudad que permite la opinión libre y de fácil acceso de los ciudadanos sobre los diversos temas y modos en que se construye la cultura en el ámbito de Sevilla. En el caS entendemos que se trata de un monumento, una forma distintas de entender la plaza pública y de dotarla de dotaciones útiles para sus ciudadanos. Para esto, y en colaboración con la Facultad de Ciencias de la Comunicación, abrimos en la red esta ventana a la opinión libre, incluso libertina, de los ciudadanos.

Construir lo común significa muchas veces la ampliación temeraria del ámbito de libertad de los ciudadanos. Dar la posibilidad de libre expresión y sostener su difusión pública da no pocos sinsabores a la república de ciudadanos que aspiramos ser en una ciudad como Sevilla. A menudo, y eso puede comprobarse también en los medios de prensa, radio y televisión que habitualmente nos informan, se abusa de la libertad de información, instrumento libérrimo del que nuestras sociedades se han dotado. Vamos, se confunde libertad con libertinaje, que dice el vulgo. Pero éste –la convivencia del análisis riguroso con el insulto, de la crítica productiva con la difamación, de la risa constructiva con la sal gruesa- es un gasto necesario. Como dictaminara Georges Bataille, toda economía tiene una parte maldita, la de aquellos elementos que asociados con el despilfarro y el derroche ayudan a mantener en funcionamiento la máquina de la economía general. También en la economía de la información y la libertad de expresión se da esta regla.

Una sociedad como la nuestra que hace del carnaval –y no hablo metafóricamente, sino del saludo permanente de Sevilla a las celebraciones del Carnaval de Cádiz, por ejemplo- un espejo en que mirarse críticamente sabrá hacer uso adecuado de un espacio de libre expresión como este, y como siempre, habitará ejemplarmente esta plaza pública.

Precisamente son las herramientas del carnaval las que nos ayudan a hacer habitable la aridez de las nuevas industrias y tecnologías que construyen nuestra modernidad, según teorizaron a principios del siglo XX los formalistas rusos. La geometría y los números son trasformados por la risa en útiles que nos ayudan en la vida diaria. La construcción política de nuestra sociedad no puede hacerse sin esta traducción de la “geometría en cuchara, cuchillo y tenedor” que decía Bajtin. Y esta transformación, como nos legaron los griegos, no puede hacerse en democracia sin la ayuda de todos, también de los idiotas.

El espacio de la www.e-sevilla.org y el trabajo de Technologies To The People no pretende otra cosa. Poner una herramienta de información y comunicación en manos de todos, dar voz a todos, nos impone a los usuarios el continuo discernimiento entre el análisis crítico y el guirigay permanente, pero esta práctica no es muy distinta en la red que en la sociedad real. De alguna manera, el instrumento que esta web pone en nuestras manos nos puede ayudar a entender mejor el ruido que viene de la multitud, su marabunta.

Venimos abundando en razones de por qué el caS utiliza como emblema el nudo del NO&DO. Parece evidente en este caso aplicando el lenguaje del cibermundo y sus telenautas. Pero para que este símbolo consiguiera hacerse representación en el imaginario de la ciudad hicieron falta muchos rumores, bulos, leyendas, falsos amigos. Nadie dictaminó desde el principio sobre sus significado, desde el “no me ha dejado” hasta las revelaciones masónicas, todo ese ruido en la información configuró el significado final del símbolo como construcción común de sus ciudadanos.

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Por Alberto López Cuenca

Julio 2005 | ABCD las artes y las letras |

Las artes plásticas desde hace más de un siglo, del puntillismo al land art, pasando por el neoconcreto brasileño y la transvanguardia italiana, pueden entenderse animadas por un insaciable afán de deglución de técnicas y materiales ajenos a la esfera artística. Sopesar el alcance de esta estrategia de absorción de lo impropio es crucial para entender la transformación de los vocabularios plásticos durante el siglo XX. En sus últimas décadas, fue vital la experimentación con los nuevos soportes tecnológicos, que abriría algunas de las sendas más fructíferas para el arte actual, ya se tratara de la videocámara en manos de Nam June Paik, los proyectores en las instalaciones de Bruce Nauman o el LCD en los trabajos de Jenny Holzer. De ahí que la que probablemente haya sido la revolución tecnológica más profunda de los últimos años no haya pasado inadvertida para muchos artistas.

Modos de ver y habitar.
No es para menos, ya que los modos de ver, conocer y habitar el mundo se han visto modificados con la aparición y fulgurante expansión de Internet en la década de 1990. Cómo difundir un movimiento revolucionario indigenista, pagar el teléfono, amarse o escribir un diario ha cambiado drásticamente en todo el planeta (aunque, no nos engañemos, sobre todo en los países del primer mundo).

La Red como modelo de transmisión de información, su interfaz y su estructura sintáctica se han convertido tanto en soporte como en tema de reflexión para las prácticas artísticas contemporáneas. Hay trabajos clásicos de los años 90, como Historia en ASCII de la imagen en movimiento de Vuk Cosic, My Boyfriend Came Back from the War de Olia Lialina ó Grammatron de Mark Amerika, que se articulan en torno a las posibilidades expresivas de la Red. Se amparan así en la estructura laberíntica y fortuita del hipertexto, recurren al entrelazamiento de imágenes en movimiento y estáticas con sonido, se configuran sólo en la medida en que son activados y recorridos singularmente por el usuario (quien parece haber abandonado su condición de contemplador para devenir activo manipulador). Sin embargo, lo que hace posible estas propuestas es lo que las lastra irremediablemente. Estas obras ilustran nítidamente que, a pesar de los discursos que celebran el ciberespacio como transformador del espectador en usuario, su sintaxis arrastra y condiciona de raíz cómo transitarlas.

Canal y código.
Esto no es ninguna novedad. La sintaxis de la escritura alfabética, por ejemplo, favorece ciertos tipos de conceptualizaciones de la experiencia y frustra otras. Esto está ya dicho con detallado entusiasmo por Marshall McLuhan: la escritura alfabética, en tanto que tecnología, permite abstraer y descontextualizar el conocimiento, transportarlo, almacenarlo; mientras que la oralidad, por su parte, implica la concreción, actualidad e inmediatez de la interlocución. Es decir, el canal, el código, el registro, configuran imperceptiblemente («naturalmente») nuestros modos de acceder a la realidad, de conformarla y habitarla. La Red no sólo no es ajena a estas implicaciones sino que es el más sofisticado entramado tecnológico inscrito hasta la fecha en la radical audiovisualización de la experiencia que está teniendo lugar desde mediados del siglo XX.

Hay que subrayar inmediatamente que en la escena artística contemporánea hay prácticas que más que operar sobre la imperceptibilidad de esos códigos los revelan, mostrando sus costuras, apuntando cómo al construir (modos de habitar la) realidad impiden otras maneras de estar en ella, de experimentarla. Esto bien pudiera decirse de muchos de los movimientos de las vanguardias artísticas del siglo XX: el logro de las «bellas artes» en el siglo XX es dejar de ser placenteros pasatiempos para convertirse en incómodos retos. Sin embargo, el espacio fundamentalmente social en el que el «net.activismo» hace uso de la Red lo lleva más allá de los límites del arte.

Intereses desvelados.
En España el trabajo más hábil y destacable en el señalamiento de la supuesta transparencia de las tecnologías es el llevado a cabo desde 1996 por Daniel García Andújar y su proyecto Technologies To The People (www.irational.org/tttp). Frente al entusiasmo que generan las nuevas tecnologías y la aceptación acrítica de las bondades de soportes como la red TTTP plantea otros usos (mordaces unas veces, prácticos otras), pero que siempre desvelan los intereses y las limitaciones de unos mecanismos que no son administrados desinteresadamente. Su último proyecto, presentado en el Centro Cultural de España en México, D.F. hace unas semanas, indagaba en la ubicuidad de la cámara de vigilancia, pero a diferencia de otros trabajos al respecto, en la instalación de TTTP se podía acceder a ellas vía web y modificar su orientación: el observado no es controlado sino que controla tecnológicamente la mirada del observador. Llamativamente, García Andújar niega su condición de «net.activista» y reclama la de artista. En el fondo, con una conciencia aguzada, su trabajo engarza críticamente con uno de los grandes problemas desatendidos con el advenimiento de la complaciente indiferencia postmoderna: nuestra experiencia del mundo lo es fundamentalmente de imágenes, una experiencia mutilada y sesgada. Internet constituye hoy uno de los principales hábitat de Occidente, y su lógica se extiende más allá del ámbito supuestamente virtual de la Red hasta alcanzar los comportamientos diarios. Si el reino actual es el de la intermediación de la imagen, la intervención crítica en su orden no conlleva sólo, como durante la modernidad, una contestación artística de lo visual, sino que desestabiliza la cotidianidad. De ahí que el «net.activismo» no sea un ejercicio de estilo en el coto vedado de las artes plásticas sino una intromisión en el espacio público de la imagen socializada.

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Presented with advertising video in the exhibition, and during the Irational Action Weekend in Dortmund Judging from the aesthetics x-devian looks like your standard commercial proprietary software. With its minimalistic »X« and slogan reading »With over 150 innovative new features, it’s like having an all-new computer«, the stylishly designed black-and-white cover effectively signals that this product means business — which it does. However, the content and not least the ethics of the product is explicitly opposed to the software culture promoted by neo-liberal corporations like Microsoft and Apple. As a bootable operating system (i. e. it does not need to be installed on your computer but can be run directly from the portable disk) based on GNU/Linux, x-devian is involved not in the business of capitalism but of free and shared culture. The system represents a comprehensive conceptual and practical reconfiguration of the economics of mainstream software culture. To use it, no investment in expensive software or hardware is necessary. Just insert the disk – which your can order for free at the X-Devian website – in your personal computer and you are ready to “go free”. Thus with X-Devian Technologies To The People invites the common user to experience and reflect upon the alternative wonders of Free and Libre Open Source Software, the true social and political »evolution of the species« in the computer age. (Jacob Lillemose)

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Por: Laura G. De Rivera.

La mercantilización de Internet y los abusos de poder están en la diana de los hacktivistas. La Red deja de ser sólo un medio de comunicación para convertirse en el campo y objetivo mismo de la contienda. Sus acciones  reúnen a personas de todo el mundo a través de Internet. “Las redes ayudan a construir redes. Esto sucede rápidamente a través del correo electrónico, que es nuestro método principal de trabajo”. Así lo afirma Ricardo Domínguez, fundador del movimiento de Desobediencia Civil Electrónica y uno de los primeros hacktivistas de la historia, que saltó a Internet al calor del zapatismo digital a comienzos de 1998. “Con la nueva tecnología de redes colectivas, los militares y los estados no serán las únicas comunidades capaces de acceder a la distribución de la información. Los civiles también podrán”, añade.

Para muchos, el hacktivismo es una forma de delincuencia encubierta que amenza el orden establecido. Para otros, se trata más bien de trasladar los medios de acción política desde la calle a Internet. Entre los primeros están, cómo no, el gobierno de EE UU, que tras el 11 de septiembre se sintió con más derecho a extremar las restricciones en la privacidad de las comunicaciones en el ciberespacio. Ya lo hacía antes con la sofisticada maquinaria de vigilancia absoluta Echelon que tiene capacidad para espiar todas nuestros comunicaciones comunicaciones electrónicas, estemos o no bajo su jurisdicción legal.

Para acercar a la calle esta compleja tecnología de vigilancia, la compañía subversiva Tecnologies To The People- TTTP lanzó su programa Cyberpatrol, un sistema que espía canales de comunicación entre hackers. Un juego de “interferencia ilegal entre gente que hace uso ilegal de las comunicaciones”. Por otra parte, para quien quiera comprobar lo que se siente siendo hacker, su programa Phoney permite acceder a bases de datos on-line. Otro de los trabajos más corrosivos de TTTP es Street Access Machine, un procesador de bolsillo con acceso a Internet que permite a los mendigos cobrar sus limosnas a través de tarjeta de crédito. “Desde cualquier dispositivo en cualquier lugar”, como rezaban los eslóganes de Microsoft.

Autodidactas e idealistas convencidos, los hacktivistas rompen con el mito del hacker solitario. Están bien organizados y en estrecho contacto. Uno de sus mecenas es RTMark, grupo activista anticorporativo que canaliza fondos para sabotajes on-line. Entre ellos, las manifestaciones virtuales de Ricado Domínguez. Dirigidas contra diversos foros económicos mundiales, sus acciones tumban por saturación los servidores elegidos como blanco.

El derecho a la migración es otra de sus reivindicaciones. Hace dos años, el “anartivista” inglés Heath Bunting llevó a Europa del Este su programa Identity Swap Database, que proporciona identidades falsas para entrar en la UE, con la ayuda de donantes de identidades reales a través de la Red. Más reciente, Border Xing Guide es una peculiar guía turística on-line donde Bunting explica cómo cruzar las fronteras que “protegen” la UE, con detalles sobre equipo recomendado, duración de la “excursión”… Según nos explicaba uno de sus colegas, Bunting “no tiene casa, se pasa la vida viajando, ni siquiera carga con una portatil, lo hace todo desde ordenadores públicos o prestados, viaja sólo con cuatro cosas encima”. Una de ellas, su pequeña navaja multiusos de porcelana no detectable por los controles electrónicos de los aeropuertos, fue la excusa del gobierno británico para deternerlo hace unos meses y retirarle su pasaporte.

Enlaces subversivos:
- Desobediencia Civil Electrónica. www.thing.net/~rdom
- Technologies to the People. www.irational.org/tttp
- Identity Swap Database. www.teleportacia.org/swap/
- El mito contraterrorista.www.theatlantic.com/issues/2001/07/gerecht.html

4 PERSONAJES DEL HACKTIVISMO

“Dejemos que los dos monstruos, imperio y terrorismo, se maten entre ellos”.
Ricardo Domínguez. Las Vegas, 1959. Padre de la Desobediencia Civil Electrónica y el zapatismo on-line.

9-9-98, Linz. Ricardo Domínguez recibe una llamada en su habitación de hotel. “Sabemos quién eres. Sabemos dónde está tu familia. No hagas tu demostración. Esto no es un juego”. No bastó para detener la protesta virtual de su grupo Electronic Disturbance Theatre, programada contra los servidores del Pentágono, Zedillo (último dinosaurio del PRI en México, bajo cuyo gobierno explotó la guerrilla zapatista) y la Bolsa de Frankfurt . Una acción conjunta en la que participaron miles de personas desde sus ordenadores en todo el mundo. El Pentágono contraatacó con una bomba informática que causaba serios problemas en el disco duro de los manifestantes, rompiendo así una  figura legal que en EE UU prohibe usar sistemas militares contra comunidades locales de civiles. Sin embargo, no existe ninguna ley que señale como delito las manifestaciones virtuales.

Sus primeras acciones de Desobediencia Civil Electrónica saltaron a la Red tras la matanza de Acteal (Chiapas, 1997), con FloodNet, el primer software inventado para hacer manifestaciones virtuales. Entonces, Ricardo Domínguez se convirtió en abanderado del zapatismo on-line  y en “uno de los primeros ciberterroristas de la historia”, según un libro publicado por la agencia de información de EE UU. “No trabajamos en secreto y no empleamos la violencia, ni contra la carne humana ni para destruir datos. El ciberterrorismo es un invento de los gobiernos y de Hollywood”, disiente este chicano afincado en Nueva York.

En la actualidad, apoya los movimientos antiglobalización contra los grandes foros económicos. “Nos proponemos abandonar el tópico del hacker solitario, es necesaria una nueva forma de protesta política colectiva”. Sin olvidar jamás el zapatismo: boicotear un plan de carreteras que destruiría la selva Lacandona está ya en su punto de mira.

“¿Quién vigila a quién?”
Daniel G. Andújar. Alicante, 1966. Director de Seguridad Estratégica de Technologies To The People.

En 2000, su exposición “La Sociedad Informacional” fue acusada de “apología del terrorismo” por críticos y medios de comunicación. En unas pantallas gigantes en las salas del Museo Universitario de Alicante, desplegaba instrucciones explícitas, encontradas en la Red, para fabricar explosivos, propagar virus informáticos, liberar teléfonos móviles… “La información en sí no es conflictiva, depende de cómo se emplee”, señala Daniel Andújar, fundador en 1996 de la primera compañía virtual subversiva en España, Technologies To The People-TTTP.

Su objetivo, desenmascarar las estrategias de control y vigilancia por parte de gobiernos y el poder económico. “Bush es el presidente del mundo. A todos los países llegan los vientos de EE UU, sus restricciones en el uso de las comunicaciones nos repercuten inmediatamente”. Con programas de espionaje de acceso público en su página web, como Phoney (para espiar grandes bases de datos, como las de Telefónica) y Cyberpatrol (para espiar a los propios hackers), le da la vuelta al espejo. “¿Quien vigila a quién?”, se pregunta.

”La Red se ha convertido en teatro de operaciones para la acumulación de capital y el ejercicio de control”. Andújar no piensa quedarse de brazos cruzados. “Creo en aplicar las tecnologías de la globalización (como Internet) a lo local”. Es lo que ha hecho con su portal e-Valencia, que trae de cabeza a la Secretaría de Promoción Cultural valenciana. La polémica estaba servida cuando esta página comenzó a sacar a la luz situaciones irregulares en la política cultural valenciana, dando voz a los cuidadanos para hablen de forma anónima. “Internet es como la calle, los que lo quieren limitar alegan que es un espacio privado, pero no es así, la Red es de todos”.

“Los hacktivistas son los graffiteros tecnoácidos”.
Antonio Cerveira Pinto. Macao, 1952. Artivista. Está trabajando en crear una República Electrónica Universal.

Desde su base en Lisboa, maquina cómo crear una República Digital universal, su más reciente y ambicioso proyecto. Para ello, Cerveira cree en las “tácticas legales e ilegales no violentas para forzar al Dinero y al Poder a que acepten un mundo más justo y racional”. El graffiti, “una rara forma de expresión autónoma que escapa a la voracidad del imperio”, es una de estas maneras. En su página web nos sumerge en un mundo de pintadas digitales llegadas desde EE UU, Francia, Croacia, Rumanía… “Las comunidades de graffiteros de todo el mundo están muy activas en Internet”. También recoge enlaces para aprender a hackear sistemas, algo que “debería fundarse en razones de justicia social”, apunta. “Cambiar la página web de entrada de un banco para protestar porque ese banco está abusando de su poder de alguna manera, no me parece mal. Es una pequeña ilegalidad, nada comparado con las irregularidades de las que posiblemente sea culpable ese banco. No hay que dramatizar con las pequeñas ilegalidades que algunos hacen en la red, son más bien como cuando aparcamos en doble fila en la calle”. Además, no son sólo los hackers. Las compañías comerciales on-line también rozan la ilegalidad cuando rastrean nuestros datos sin nuestra autorización para formarse un perfil de sus compradores.

“El graffiti es otra forma de estar en la calle, igual que el hacktivismo es otra forma de estar en Internet. Ambas se manifiestan fuera del sistema en un espacio púbico”.

“Para cambiar las reglas del juego hay que engañar a la industria”.
Luigi Pagliarini. Italia, 1963. Profesor de Ingeniería Electrónica en la Escuela de Bellas Artes de Roma.

Tras las conferencias que los reunieron en Valencia (24 abril, Caja de Ahorros del Mediterráneo), el eterno manifestante on-line Ricardo Domínguez quiso llegar a un acuerdo con Paglirini. Su idea era construir robots- lego que vayan a las protestas callejeras en el lugar de las personas con unos altavoces para gritar lo que nosotros queramos, o que se especialicen en hacer graffitis. O pequeños artefactos voladores para tapar o redireccionar cámaras de vigilancia en lugares estratégicos. “Creo que no hay ninguna legislación contra robots manifestantes, así a nosotros no nos meterían en la cárcel”, observa el profesor italiano.

Pagliarini es una especie de Leonardo Da Vinci del nuevo milenio, psicólogo, artista, experto en robótica e inteligencia artificial… “No me gusta hablar de política, pero no hay cosa más política que contar cómo funciona la tecnología, difundir el conocimiento de cómo emplearla”. Es lo que hace en sus clases, donde enseña a construir seres artificiales más o menos inteligentes.

“Considero Internet como una obra de arte que, como la vida, evoluciona constantemente”. Su último proyecto, Globalization, simula en la Red un mundo poblado por criaturas digitales que se comportan como seres humanos en sociedad. Existen seres de diferentes colores, que se van modificando al adoptar el color y sonido de otro ser digital más fuerte que logró “convencerlos”. Pagliarini experimenta cambiando las reglas de influencia entre estos seres digitales. “Si hay mucha influencia ocurre como con los mercados muy permeables en la realidad, al final las minorías o los más débiles desaparecen y el color se homogeneiza en la pantalla”.

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