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El Departamento de Diseño (DDD) invita a los académicos y estudiantes de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo a un encuentro con el teórico, artista visual e investigador de los medios Daniel G. Andújar, responsable de la plataforma Technologies To The People y del proyecto Archivo Postcapital.

Programa

Encuentro DDD

Facultad de Arquitectura y Urbanismo, Universidad de Chile

Fecha: 29 de septiembre
Horario: 12.00 horas
Lugar: Sala de exámenes – FAU

Invitación abierta

El encuentro será con profesores y estudiantes del Departamento de Diseño con el objeto de dialogar en torno a las políticas de la imagen, la tecnología y los accesos a los archivos visuales online.

Secret_Conferencia

Museo de Arte Contemporáneo (MAC)

Fecha: 29 de septiembre
Horario: 19.00 h.
Lugar: Sala de conferencias.

Entrada Liberada

Esta conferencia comprende la presentación del trabajo desarrollado en torno al proyecto HUMAN RIGHTS / COPY RIGHTS, lo cual se traduce en el levantamiento de dispositivos alrededor de las políticas de la memoria globalizada de los Derechos Humanos y el debate sobre el imaginario de emancipación que ofrecen las tecnologías online.

Más sobre Daniel García Andújar

Daniel G. Andújar es considerado uno de los principales exponentes de la forma artística llamada Net.art , y su trabajo ha consistido en investigar los mecanismos de control, los derechos de acceso a las nuevas tecnologías y las políticas de archivos e información.

Además, es miembro histórico de irational.org y director de numerosos proyectos en Internet. En 1996 funda Technologies To The People / TTTP, una plataforma colectiva que trabaja sobre el paradigma democrático de las nuevas tecnologías.

Entre las actividades de TTTP conviene destacar la construcción del Archivo Postcapital, un vasto dispositivo de documentación que durante los últimos años se ha presentado en Museum of Contemporary Art, Seoul (2010), Sedat Yazici Riva Foundation for Education, Culture and Art, Estambul (2010), 53. Biennale, Venize (2009), Museum for Modern Art Bremen (2009), Iberia Art Center, Beijing (2009), Württembergischer Kunstverein, Stuttgart (2008), etc.

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Septiembre / octubre / noviembre

Ciclo comisariado por Núria Canal.

Dentro del programa de Actividades Culturales de la Demarcación de Barcelona del COAC se presentan los proyectos Racons Públics , de Sara Dauge y Alex Giménez, IDensitat / ID barri, de Ramon Parramón, y Archivo Postcapital , de Daniel García Andújar.

Proyectos todos ellos que ilustran la estrecha relación de las prácticas artísticas con la arquitectura, el urbanismo y el espacio público.

26 septiembre 2011
Racons Públics
Sara Dauge y Alex Giménez

24 de octubre 2011
La aprehensión de la realidad desde el “Archivo Postcapital*”
Daniel García Andújar

28 de noviembre 2011
Ciutats, barris i pràctiques artístiques
Ramón Parramón

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http://www.leon.postcapital.org/

Las Vitrinas de MUSAC acogen a partir del 24 de septiembre CAPITAL, un proyecto específico de Daniel García Andújar generado a partir de un encuentro/taller teórico-práctico que incluye una acción y una instalación producida por Technologies To The People / MUSAC.

On this coming 24 September MUSAC’s Showcase Project is presenting CAPITAL, a specific project by Daniel García Andújar based on a theoretical-practical encounter/workshop that includes an action and an installation produced by Technologies To The People / MUSAC. CAPITAL

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Daniel G. Andújar / Technologies To The People

Postcapital Archive (1989-2001)

Edited by Hans D. Christ, Iris Dressler, texts by  Iris Dressler, Iván de la Nuez, Valentín Roma, graphic design by Nieves und Mario Berenguer Ros

German/English

2011. 344 pp., 523 ills.

17.00 x 24.00 cm clothbound

pub. date: September 2011 by Hatje Cantz

ISBN 978-3-7757-3170-6

Price: 35 Euro (Amazon Online)

In conjunction with the exhibition Postcapital Archive (1989-2011). Württembergischer Kunstverein Stuttgart

| A political art project in the form of a multimedia installation, open database, and interactive laboratory

The project Postcapital Archive 1989–2001 by Spanish artist Daniel García Andújar centers on the profound changes that have occurred around the world on social, political, economic, and cultural levels. Key issues are the fall of the Berlin Wall and the September 11, 2001 attacks in New York. Here, Andújar examines developments after the collapse of the Wall not from the aspect of postcommunism, but postcapitalism. He is concerned with the question of how “Western” societies have changed without their former counterpart, communism, and what kinds of new walls were built through global politics after 1989 and 2001. The foundation of the project is a digital archive containing over 2,500 files the artist has gathered from the Internet over the course of the past decade.

| Ein politisches Kunstprojekt als multimediale Installation, offene Datenbank und interaktives Labor

Das Projekt Postcapital. Archive 1989–2001 des spanischen Künstlers Daniel García Andújar kreist um die tief greifenden Veränderungen, die sich in den letzten zwei Jahrzehnten weltweit auf gesellschaftlicher, politischer, ökonomischer und kultureller Ebene ereignet haben und als deren Eckpunkte der Fall der Berliner Mauer sowie der Terroranschlag auf das World Trade Center am 11. September 2001 gelten. Dabei betrachtet Andújar die Entwicklungen nach dem Mauerfall nicht unter Aspekten des Postkommunismus, sondern des Postkapitalismus. Es geht ihm um die Frage, inwiefern sich die »westlichen« Gesellschaften ohne ihr ehemaliges Gegenstück – den Kommunismus – verändert haben und welche neuen Mauern durch die globale Politik nach 1989 und 2001 gezogen wurden. Das Projekt basiert auf einem digitalen Archiv mit über 2500 Dateien, die der Künstler in den letzten zehn Jahren aus dem Internet zusammengetragen hat.

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MARGOT MOLINA – Sevilla – 15/04/2011 El País

“Somos artistas plásticos, filósofos, sociólogos, escritores, pero, sobre todo, somos activistas políticos”, explicaba ayer el artista ruso Nikolay Oleynikov para definir al grupo al que pertenece: Chto Delat? (¿Qué hacer?) que firma la obra La cronología de la Perestroika. El colectivo, formado en San Petersburgo en 2003, participa en la muestra Sin realidad no hay utopía que se inauguró ayer en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), en Sevilla, y que pretende dar respuesta a la crisis ante el colapso de los modelos actuales.
“Usamos la estética propia del comunismo para contar, de forma cronológica, un periodo de nuestra historia: desde la muerte de Brézhnev, en 1982, hasta la muerte de la Unión Soviética. Nosotros hemos ido intercalando historias reales de gente corriente, con la sucesión de hechos oficiales”, precisa Oleynikov, quien ha realizado el gran mural sobre las paredes del monasterio de La Cartuja, sede del CAAC.

Sin realidad no hay utopía reúne unas 200 obras de 28 artistas nacionales e internacionales, de los cuales ocho son españoles (Rogelio López Cuenca, Manolo Quejido, Daniel García Andújar, El Roto, Federico Guzmán, Dora García, Pello Irazu y Muntadas). Entre los internacionales están Alfredo Jaar, Carlos Motta, Katya Sander, Williams Burroughs y Fernando Bryce.

La bella embalada, la gran escultura que presenta Guzmán, “es una apisonadora que va aplastando la fruta que, a su vez, va enterrando a la máquina. Habla de la confrontación entre economía y ecología, entre opresores y oprimidos”, apunta el artista.

“Lo que la exposición viene a decir es muy simple: Aquellos barros traen estos lodos. Tenemos que ser conscientes de que la crisis actual no ha surgido de la nada, sino que es fruto de las convulsiones del sistema capitalista”, afirma Alicia Murría, comisaria de la muestra junto a Mariano Navarro y Juan Antonio Álvarez Reyes, quien es también director del CAAC. “Se trata de ver cómo analizan el presente los artistas desde el pasado reciente. De la necesidad de alumbrar nuevas formas de utopía”, añade Murría.

La exposición, que podrá verse hasta el 10 de julio, está estructurada en torno a dos secciones: La descripción de la mentira -título de un libro de poemas de Antonio Gamoneda- y Colapsos.

“El colapso del comunismo a partir de la caída del muro de Berlín, el del capitalismo que estamos viviendo, el geopolítico heredado de un colonialismo salvaje y el de la democracia en su descafeinamiento”, apunta la comisaria quien, como todos los artistas seleccionados, reivindica la utopía como instrumento para construir el futuro.

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El País

Antes lo radical en arte era un soporte como el vídeo, ahora lo es la multiplicidad de medios. Una exposición hace un zapeo por los cuarenta años del género audiovisual en España

El mensaje ha vuelto a superar al medio. Lo que en sus inicios y desarrollo se llamó videoarte, videodanza, videoperformance, hoy ya solo es arte. La técnica es una especificación secundaria, como lo puede ser la pintura, la escultura, la instalación, la fotografía, medios digitales y otros tipos de impresiones. Y eso es quizá porque hoy los artistas echan mano de todas esas técnicas -y otras más- para crear piezas mixtas o simplemente variar de medio de expresión cuando la idea lo requiera. Ese es el punto de llegada de la exposición VideoStorias, que se inauguró ayer en Artium (Vitoria). Un repaso al vídeo artístico hecho en España desde sus inicios, en los años setenta, pero con especial énfasis en lo último, lo híbrido. “Se sigue usando la etiqueta de vídeo a lo que hoy, con el predominio de lo digital, debería llamarse ya de otra manera. Tal vez, solo imagen en movimiento o audiovisuales. La lectura de este medio es hoy distinta, es un medio expandido”, explica Blanca de la Torre, una de las dos comisarias de la muestra, junto a Imma Prieto.

“Se sigue usando la etiqueta de vídeo a lo que hoy, con el predominio de lo digital, debería llamarse de otra manera”

Son cerca de cuarenta años de historia y, evidentemente, el recorrido no ha sido lineal. Por eso han concebido un montaje a partir de cuatro itinerarios marcados en el suelo como si fueran un mapa del metro de cualquier ciudad. Las líneas son Teknés, Política, Sujeto e Híbridos. Una quinta sección, Próxima Estación, es una sala con dos sofás y una pantalla táctil donde se elige a la carta lo que se quiere ver. “Hemos escogido piezas clave, históricas, junto con otras no tan conocidas pero significativas y algunas completamente nuevas e inéditas”, dice De la Torre. La muestra recoge 77 trabajos, de los cuales 44 son de mujeres, 33 de hombres y cuatro de colectivos artísticos. “No hemos pretendido hacer un directorio exhaustivo, hemos seleccionado las que nos interesaban más. En cuanto a la proporción de mujeres, simplemente es que hay muchas de las más importantes artistas españolas trabajando en este medio. Habitualmente se suele dar preeminencia a los artistas masculinos, nosotras empezamos por ellas. Faltan nombres importantes en ambos casos, como los de Jon Mikel Euba o Paloma Navares, por poner dos ejemplos. Pero creo que la lista final contiene piezas bastante interesantes para lo que nos proponemos exponer”.

El primer recorrido, la línea azul, es Teknés (lo tecnológico) y, por tanto, traza un recorrido cronológico desde la utilización del soporte vídeo. “Aunque, echando la vista atrás, consideremos que el cine experimental ya sentaba las bases de este arte audiovisual, hemos tomado como punto de partida el uso del soporte electromagnético porque si no nos tendríamos que haber remontado hasta Buñuel”, comenta la comisaria. En este apartado hay piezas recuperadas, como Primera muerte (1970), de Ángel Jové, Antoni Llena, Silvia Gubern y Jordi Galí. “Quizá la primera pieza de videoarte, de la que no tenían copia ni los autores. La rescatamos a través de los archivos de TV3″, dice De la Torre. En la línea azul hay paradas en V2 (1973), de Eugeni Bonet; Revival Solitary (1980), de Maite Ninou, otro vídeo rescatado; Tránsito (1988), de Ignacio Pardo; Tetsuo Bond To Fail (1998), de Sergio Prego, o El perfecto cerdo (2005), de María Cañas.

La línea verde, Sujetos, agrupa trabajos centrados en el retrato y autorretrato. Todo ello teñido por las preguntas sobre la identidad, la incomunicación o la vulnerabilidad del ser humano. Las paradas contienen obras como Imitation of myself (1974), de Francesc Torres; Before your name (1998), de Alicia Framis; Animales de compañía (2005), de Ruth Gómez; She Wolf (2006), de Pilar Albarracín, o La Liberté raisonnée (2010), de Cristina Lucas. En Políticas, la línea roja pasa por piezas pioneras como Vaga de benzineres (1977), del colectivo Video Nou; EAE, Acción en el museo (1983-2001), de Txomin Badiola; Technologies to the people. Postcapital Archive Project. Black Box (2006), de Daniel G. Andújar, o el inédito Ser y durar (2011), del colectivo Democracia, en el que unos individuos hacen parkour entre las tumbas ilustres en el cementerio de La Almudena.

“El único artista con dos obras es Antoni Muntadas”, dice De la Torre. “No solo porque es uno de los maestros, sino porque ha conseguido recuperar fragmentos perdidos de su trabajo Cadaqués Canal Local (1974), una experiencia de vídeo comunitario al estilo de Guerrilla Televisión, que se proyectaba en bares y locales del pueblo. La otra pieza pertenece a su trabajo On Translation, iniciado en 1997 y que continúa. La pieza incluida aquí es Miedo (2007)”.

En la línea Híbridos de este metro imaginario hay también recuperaciones especiales para esta exposición como la pieza OSNABRÜCK: OSNABRÜCK (1988), de Concha Jerez; Dial M for Murder (2010), una instalación de Daniel Canogar; La isla de hidrógeno (2010), del colectivo PSJM, que combina escultura, novela e imagen digital, y 2000 volts (2004), de Guillem Bayo, que consta de una silla eléctrica y un gran espejo, donde el espectador asiste a su propia electrocución (no letal).

“No se tiene que ver toda la exposición de una sola vez”, afirma la comisaria. “El planteamiento curatorial es el de ofrecer lecturas múltiples y hacer una especie de zapping, tal como estamos ahora acostumbrados a comportarnos”.

VideoStorias. Artium. Francia, 24. Vitoria-Gasteiz. Hasta el 4 de septiembre.

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Comisarias de la exposición:
Blanca de la Torre e Imma Prieto

Producida por ARTIUM (Vitoria-Gasteiz)

Catálogo de la exposición (textos de):
Blanca de la Torre, Imma Prieto, Ángel Quintana, Nekane Aramburu,  Emilio Álvarez,  Juan Ramón Barbancho, Laura Baigorri, Susana Blas, Eugeni Bonet, Antoni Mercader, María Pallier y Berta Sichel.

Ciclo de conferencias

Ámbitos, contextos, recorridos:  VideoStorias
Guadalupe Echevarría, Antoni Mercader, Gabriel Villota y Eugeni Bonet

Batalla de pantallas
Félix Pérez Hita, Jorge Luis Marzo, Fito Rodríguez

(consultar programa completo)
www.artium.org

ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición VideoStorias (Sala Norte, desde el 15 de abril hasta el 4 de septiembre de 2011), una particular revisión del videoarte del estado español en los últimos cuarenta años a través de la obra de más de setenta artistas, más del 50 por ciento mujeres, y con especial hincapié en la última década. La muestra se articula a través de cuatro posibles recorridos que atienden al interés por el individuo, por lo político, por lo tecnológico o por la conexión con otros lenguajes artísticos. Las líneas que marcan estos recorridos se entrecruzan en determinadas obras, lo que permite al visitante “transbordar” y cambiar el destino, como en una línea de metro. Comisariada por Blanca de la Torre e Imma Prieto, la exposición dispone de un catálogo de diseño especial con diversos textos y las fichas de cada una de las obras expuestas. ARTIUM ha programado, en torno a VideoStorias, un ciclo de conferencias en el que participarán Antoni Mercader, Eugeni Bonet, Guadalupe Echevarria y Gabriel Villota.
VideoStorias no plantea un recorrido único, lineal, estrictamente cronológico por la historia de la videocreación española desde sus inicios hasta la actualidad, sino que, al contrario, la exposición permite -y en cierto modo exige- al espectador crear uno o varios itinerarios que le conducen a un final que el propio visitante puede elegir. Organizada en torno a cuatro ámbitos temáticos (Teknés, Sujetos, Políticas e Híbridos) y con evidentes referencias a Rayuela de Julio Cortázar -explícitas en la edición del catálogo de la muestra-, el espectador sigue los itinerarios marcados con líneas de colores pero, puesto que los ámbitos marcados no son en absoluto excluyentes, salta -o transborda- con naturalidad de un contexto a otro, como si se tratara de las diferentes líneas de una red de transporte público.

El espectador se encuentra a la llegada con la necesidad de elegir el color de la línea con la que iniciar su trayecto: azul, verde, rojo o amarillo. A lo largo del recorrido se encontrará en cruces de líneas con obras que comparten dos o más ámbitos; algunas comparten tres estaciones, como Indian Circle, de Eugenia Balcells (1981), Estrecho Adventure, 1996, de Valeriano López (1996) o 2000 Volts, de Guillem Bayo (2004), y algunas son cruce de al menos dos líneas. En estos cruces, tendrá la opción de cambiar de línea o seguir por la misma.

Teknés, Sujetos, Políticas e Híbridos

La línea azul corresponde al ámbito del Teknés (lo tecnológico). Siguiéndola el espectador puede asistir a una de las posibles historias del vídeo en España, puesto que esta “ruta” sigue un itinerario cronológico ligado al desarrollo tecnológico y a la evolución del soporte como medio de expresión artística. Aquí el espectador encuentra las imágenes que ha sido posible recuperar de la que se considera una de las primeras piezas de videoarte en España, Primera muerte, de Àngel Jové, Antoni Llena, Sílvia Gubern y Jordi Galí (1970). También en la misma línea es posible pararse en obras de Eugeni Bonet (V2, 1973), Maite Ninou (Revival Solitary, 1980), Ignacio Pardo (Tránsito, 1988), Sergio Prego (Tetsuo Bound to Fail, 1998) o María Cañas (El perfecto cerdo, 2005) e incluso cambiar de línea tras detenerse en piezas de Antoni Muntadas (Cadaqués Canal Local, 1974), Iñigo Salaberria (La noche navegable, 1993), Txuspo Poyo (Delay Glass, 2007) o Eugenio Ampudia (Collectors, 2009), entre otros.

La ruta verde, Sujetos, recorre los géneros de retrato y autorretrato y lo relacionado con la denominada “mirror image” (la imagen del espectador como un reflejo de su paso por la exposición). A través de una mirada hacia dentro o hacia fuera del propio artista, en este ámbito pueden verse trabajos sobre cuestiones como el género, la comunicación (o incomunicación) y la fragilidad y vulnerabilidad del ser humano. Obras de Francesc Torres (Imitation of Myself, 1974), Alicia Framis (Before Your Name, 1998), Ruth Gómez (Animales de compañía, 2005), Pilar Albarracín (She Wolf, 2006), Eulàlia Valdosera (Interviewing Objects, 2008), Mabel Palacín (Hinterland, 2009), Ángeles Agrela (Entrevista, 2010), Jordi Colomer (The Istanbul Map, 2010), Cristina Lucas (La Liberté raisonnée, 2010), o Carles Congost (Bad Painting, 2011), son estaciones dentro de esta línea.

El recorrido marcado por la línea roja es el de las Políticas. El vídeo ha sido siempre un soporte que ha permitido al artista tejer una serie de discursos políticos, enfocados hacia lo social, y dibujar un paisaje que va desde las posturas más pesimistas hasta las utopías más radicales. Artistas como Colectivo Video Nou (Vaga de benzineres, 1977), Txomin Badiola (EAE. Acción en el museo, 1983-2001), Daniel García Andujar (Technologies to the people. “Postcapital. Archive Project”.  Black Box, 2006), Fernando Sánchez Castillo (Pegasus Dance, 2008), y el colectivo Democracia (Ser y durar, 2011), entre otros, se encuentran en esta ruta.

Finalmente, la línea amarilla, Híbridos, marca la conexión del videoarte con ámbitos de la creación cercanos pero diferentes, y muestra los múltiples diálogos que mantiene con otros lenguajes tales como la danza, la música, la performance, el videojuego, la escultura o el videoclip, entre muchos otros. Concha Jerez (OSNABRÜCK: OSNA-BRÜCK, 1988), Joan Morey (F_TERROR* ism par STP (Fucking Fashion Rules), 2002, Itziar Okariz (Thanks, 2004), Guillem Bayo (2000 volts, 2004), Eugenio Ampudia (Collectors, 2009), Dora García (Insulto al público: adaptación, 2009), Daniel Canogar (Dial M for Murder, 2010) o PSJM (La isla de hidrógeno, 2010), se encuentran en esta ruta de VideoStorias.

Haya elegido el recorrido que haya elegido, el espectador aún tiene un elemento más de decisión que le permitirá determinar el final de su historia con el videoarte: una última parada, titulada Próxima estación, está planteada como un espacio de vídeo a la carta en el que podrá visualizar vídeos que no están presentes en ninguno de los recorridos principales. De esta manera, el término de la exposición es un final abierto y sin conclusiones categóricas, que es, en cualquier caso, una de las pretensiones de las comisarias.

El catálogo

Con motivo de VideoStorias, ARTIUM ha editado un catálogo de diseño especial, un estuche que contiene tres libros y una colección de fichas de las obras expuestas. Al igual que la exposición, el catálogo permite al lector adoptar distintos recorridos e incluso evitar el paso por determinados lugares del libro, ya que combina textos que se asemejan a apuntes de archivos con la posibilidad de elegir el orden de lectura, inspirado en obras como Rayuela, de Julio Cortázar, La exhibición de atrocidades de Ballard y esos libros de “elige tu propia aventura” dirigidos al público juvenil.

Aunque Rayuela está presente incluso en el índice, ya que varios de los capítulos refieren a los títulos de las partes del libro de Cortázar (Del lado de acá, Del lado de Allá, De otros lados), es en el capítulo Itinerarios/Disyuntivas (De otros lados), texto de las comisarias Blanca de la Torre e Imma Prieto, donde más se aprecia esa herencia: la intersección de las líneas, el hecho de invitar al lector a saltar de ámbito en ámbito, la posibilidad de acceder sólo al núcleo de información esencial…

El libro contiene además un recorrido cronológico por la historia del videoarte -Ni son todos los que están, ni están todos los que son (Del lado de allá), también de Prieto y de la Torre-, un escrito de Ángel Quintana (Repensar las fronteras entre prácticas e imágenes) y una serie de textos breves de carácter personal, agrupados bajo el título Videorrelatos, entre cuyos autores se encuentran Susana Blas, Antoni Mercader, Eugeni Bonet, María Pallier, Berta Sichel y Nekane Aramburu, entre otros.

El estuche se completa con las fichas de las 78 obras de los 77 artistas, con un código de colores que las asigna a la línea o líneas a las que pertenecen cada una y un comentario curatorial de las comisarias.

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Foto: ART SAVE JAPAN, Daniel G. Andújar

MADRID, 5 Abr. (EUROPA PRESS)

El próximo viernes 8 de abril tendrá lugar en el Palacio de Altamira una subasta de fotografía e ilustración cuyos beneficios serán destinados íntegramente a paliar las graves consecuencias del terremoto y posterior tsunami que asoló la parte noreste del país nipón.

El acto, organizado por el IED Madrid, constará de dos partes: por un lado, una Subasta Solidaria ‘Art Save Japan’ de obra cedida por grandes fotógrafos y artistas reconocidos en nuestro país. Por otro lado, también se podrá adquirir material fuera de subasta en la Tienda de arte y diseño que se instalará el mismo día de la subasta.

Artistas como Pablo Alemán, Tete Álvarez, José Aragón, Antonio Ballester Moreno, Paola Bragado, Miguel Ángel Campano, Ricardo Cases, Juan Manuel Castro Prieto, Tomy Ceballos, Nicolás Combarro, Alicia Framis, Rafa Gallar, Alberto García-Alix, Daniel García Andujar, Kaoru Katayama, Aitor Lajarín, Ouka Leele, Chema Madoz, Eugenio Merino, Albert Ràfols Casamada, Marinella Senatore, Pablo Serret de Ena, David Trullo, Llorenç Ugás Dubreil, Paco Valverde, Javier Vallhonrat y Valentín Vallhonrat han donado sus obras para apoyar esta causa.

Paralelamente, se habilitará una zona en la que los asistentes podrán adquirir piezas de ilustradores, fotógrafos, diseñadores gráficos e industriales. Muchas de ellas han sido creadas ad hoc para el evento. La tienda estará ubicada en la Sala de Exposiciones del Palacio de Altamira (1ª planta).

Entre los artistas participantes se encuentran Alejandro Gallego, Andrea Illán, Anónimo, Arturo Elena, Boletus, César Lorenzo, Eduardo Estrada, estudio enPieza, Federico Clavarino, Gavina Ligas, Gonzalo Fonseca, Gorka Postigo, Iraida Lombardia, Irene Alonso, Isidro Ferrer, Iván Soldo, Jacinta Delgado, Jaime Narváez, Javier Maseda, Javier Noguerol, Jocomomola Luis Úrculo, María Serret de Ena, Marina Karschau.

Todos los fondos recaudados en el evento ‘Art Save Japan’ serán íntegramente destinados a los proyectos de Cruz Roja en Japón, poniendo a disposición un número de cuenta para todas aquellas personas que quieran realizar alguna donación: Banco Santander: 0049-0001-53-2110022225.

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El andamio que cubre la fachada del inmueble de la calle San Vicente de Paúl donde está ubicada la galería Trayecto otorga nuevas lecturas al título de la nueva exposición. ‘Y mañana, qué…’ es la propuesta que reúne en la sala de arte contemporáneo las creaciones de Guillem Bayo, Ana Lezeta, Daniel García Andújar y Dicky Rekalde, hasta el 29 de abril.
«No es sólo una exposición dentro de la programación», matizaba ayer el director artístico de la galería, Fernando Illana. Y es que está previsto dar continuidad en un futuro a la iniciativa, «una reflexión sobre las políticas públicas y privadas que ordenan y producen la situación sobre la que se dan la creación y las prácticas del arte contemporáneo», describió.
Con un concepto basado en la cuestión ‘¿de qué estará hecho el mañana?’, planteada por Víctor Hugo y recogida posteriormente por Roudinesco y Derrida, la muestra pretende explicar «no tanto el presente o el futuro, sino los elementos constitutivos de lo que hoy pensamos que es mañana». Ámbitos simbólicos y acciones son aspectos de un proyecto que recoge propuestas como las dos cajas de luz en las que Daniel García Andújar recopila nombres de organizaciones de izquierdas, junto a una relación de logotipos de empresas multinacionales.
El conjunto también cuenta con aportaciones como ‘Beltza’, donde Dicky Rekalde presenta una visión frontal de una caja metafísica de Oteiza, de manera que «se genera otra cosa, que parece el perfil de un perro». El autor navarro también aporta una pieza heredera de un trabajo anterior, apoyada en una frase-manifiesto: ‘Sólo me interesa lo que no es mío’. «Ha evolucionado hacia la repetición de texto, transformada en una especie de cita», señaló Illana junto a la obra, con poliédricas letras realizadas en madera.
El azar y el espacio
La doble propuesta de Guillem Bayo incluye una peana con una taza de café, un sacacorchos, un lápiz, un envase de película fotográfica y una moneda de dos euros que gira sobre su canto. ‘A cara o cruz’ recoge el factor del azar porque «cada vez que hago una pieza es una apuesta», ya que nunca es posible saber si funcionará en mayor o menor medida.
La velocidad de la moneda puede regularse con el envase-potenciómetro. Pero el movimiento y la casualidad también aparecen en ‘Estampados’, una serie de Bayo de la que ha recuperado unafotografía: insectos aplastados contra el parabrisas de un coche.
Por su parte, Ana Lezeta ha contado con la voz de Leticia Morales para interpretar una descripción de la propia galería Trayecto «a partir de las relaciones entre los objetos, no desde una posición determinada». Este trabajo se puede escuchar mediante unos cascos inalábricos, de forma que el visitante «se puede mover por el espacio».

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