Cacotopía (Daniel G. Andujar and Avelino Sala)2011. 23m 45 s. from avelino sala on Vimeo.

On this ocasion SFB has curated a programme that reflects on the different modes and strategies of production. We believe that these are key issues of interest to artists, institutions and agents involved in the creative cultural field, enabling the collective discussion in the frame of FOKUS Festival. Furthermore, the selection will allow us to map out our network methodology and explain our premises as a platform and a festival.

On another hand and beyond the strand of production, the pieces also share affinities in that they all portray a series of heterotopias, in the sense described by M. Foucault: they explore landscapes and places which encapsulate an strong “other” imaginaries, different from what they appear to be, and are situated at the heart of society –be this symbolical, historical or physical- but constitute its margins, its limits. It is in a way an attempt to trace a spectral geography of histories blurred by official narratives, the suspended time of the prison, the remnants of the spectacle, and the dystopias of the metropolis

SCREENING PROGRAMME

Uriel Orlow, Holy Precursor (2011), 14’ 13’’
Co-produced by the artist and Galerie Campagne Première Berlin, Utopiana, Yerevan/Geneva and Anadolü Kültür, Istanbul
LOOP ’11 Award

Daniel G. Andújar + Avelino Sala, Cacotopía (2011), 22’
Produced by Screen from Barcelona and the artists (Barcelona, Spain).

Mohammed Bourouissa, Temps Mort (2009),14’
Produced by Le Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains (Tourcoing, France).

Cooperativa General Humana, The Aura of Things (2011), 5’ 30’’
Produced by Hangar (Barcelona, Spain).

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Madrid. Crossing East West Narratives by the End of Video Art. Tabacalera (C/Embajadores, 53).
Del 22 de diciembre de 2011 al 19 de febrero de 2012.
Comisario: Menene Gras Balaguer.

El próximo miércoles, 21 de diciembre, el Ministerio de Cultura presenta en Tabacalera la exposiciónCrossing East West Narratives by the End of Vídeo Art. El proyecto, comisariado por Menene GrasBalaguer, ha sido concebido con la intención de cruzar narrativas de Europa y Asia -en este caso España ylos países asiáticos con una producción equivalente en el ámbito del video- bien a través de la confrontación,bien a través del diálogo, que nos muestran la posibilidad de establecer conexiones entre producciones que,a pesar de la distancia en el origen, pertenecen a un mismo mundo globalizado.

El título bajo el que se presenta la muestra, Crossing East-West Narratives by the End of Vídeo Art, hacereferencia, en su primera parte, a cómo el cruce de narrativas implica también la posibilidad deatravesarlas y compararlas, asociando la acción de ver, mirar y percibir. Por otro lado, la cuestión temporalque señala el título “en el fin del videoarte” supone, en cierto modo una contradicción, ya que trata desubrayar cómo la producción en soporte vídeo ha dejado de tener un carácter meramente experimentaldesde hace mucho tiempo, mientras los nuevos formatos de producción y presentación se han ampliado, aligual que sus contenidos interdisciplinares marcados, tanto por los acercamientos mutuos entre vídeo ycine, como por el desarrollo de las nuevas tecnologías de la información y la comunicación.

En la exposición se ha agrupado la obra de cincuenta artistas asiáticos y veintiocho españoles. Un total de78 obras que se presentarán en 35 proyecciones, para lo cual se ha organizado un itinerario en base a un“circuito de circuitos”, en el que la producción asiática en el ámbito del videoarte comparte el imaginario quegenera con la selección de videoarte español, que se presenta, al mismo tiempo, formando también parte delproyecto.

Los vídeos asiáticos se han agrupado cronológicamente en nueve proyecciones de entre 30 y 40 minutos deduración. Partiendo de la primera proyección de la pieza “Factory” de Sei-Jen Chen (Taiwan), se da paso auna serie de vídeos donde se perciben cambios de perspectiva y desarrollos que suponen un progreso haciaadelante en aquellas prácticas en las que la experiencia y la exploración de formatos y contenidos quetienen aplicación en las narrativas respectivas.

Los artistas asiáticos participantes en la exposición son: Shei-Jen Chien, Xiaoyun Chen, Shiqiang Gao,SeKweon An, Kira Kim, Seong-hoon Park, Shamila Samant, Tejal Shah, Eko Nugrobo, Haruo Ishi, To theWoods & (Moriguchi Masahiro, Moriguchi Fumiyo), arlo Mountford, Chunsvcheng Lu, Hongsok Gim,Chang-Kyong Perk, Andry Mohamad, Masayuki Kawai, Daisuke Nagaoka, Kawai+Okamura, MinakoKitayama, Kai Syng Tan, Yang Fudong, Li Pinghu, Song Tao, Kyungah Ham Yang Ah Ham, PushpamalaN., Chikara Matsumoto, ALIMO, Ana Privacki, Dong Song, Jisuk Jung, Chitra Ganesh, ari DinaKrestiawan, Teamlab, Yuka Egeyama, Ya-Hui Wang, Benjamin Ducroz, Jian Wei Wang, Qiusha Ma, XiaoXun Miao, Seungwon Park, Yongho Kim, Shine Shivan, Vishal Kumar Dar, Henry Fondation, AnggunPriamodo, Yuki Ohro y Sudsini Pui Ock.

Por su parte, la producción española se ha distribuido respondiendo a la temática. La selección de obras, eneste caso, no se ha guiado por la estricta cronología ni se ha pretendido que estas producciones estuvieranvinculadas a Asia por algún motivo. Se trata más bien de ensayar conexiones, desde la propiaindividualidad de estas, entre todos los materiales que se han reunido. La historia del videoarte español es vinculante en cada caso, por constituir la serie de antecedentes que pueden explicar la aportación que sehace en las producciones que se presentan y el estado del videoarte en España.

Los veintiocho artistas españoles que participan son: Bestué-Vives, Marcelo Expósito, Gabriel Villota, ToniSerra/Joan Leandre, Gloria Martí, Pedro Ballesteros, Rogelio López Cuenca, Virginia Villaplana, EugeniBonet, Pedro Ortuño, María Cañas, Carles Congost, Daniel García Andújar, Antoni Muntadas, LosTorreznos, Mabel Palacín, Dora García, Javier Codesal, Francisco Ruiz de Infante, Txuspo Poyo, EugenioAmpudia, Dionisio González, Josep María Martín, Jaume Pitarch, Marisa González, Mateo Maté, SallyGutiérrez y Magdalena Correa.
El proyecto cuenta también con una antología de textos teóricos de esta última década, que se han reunido,por un lado, para recuperar escritos que de otro modo no se encuentran al alcance del lector y, por otro, parareunir a críticos españoles y asiáticos que han explorado el ámbito vídeo en los diferentes contextos, junto aaquellos críticos internacionales que han escrito sobre la escena del videoarte asiático. Este volumen, que sepresentará en el mes de enero de 2012, contará con la participación de: Nekane Aramburu, Laura Baigorri,Susana Blas, Claudia Gianetti, Angel Quintana, Juan-Jose Barbancho, Carlos Trigueros, Blanca de laTorre e Inmaculada Prieto, Virginia Villaplana, Berta Sichel, Macu Morán, Carlos Jiménez, Lorea Iglesias,Roberta Bosco, Karen Ohlesnlahger, Rodrigo Alonso, Jinsuk Suh, Hou Hanru, Huang Du, Hyun-Suk Seu,Johan Pgnappel, Abina Manning, Young-ro Ann Yee, Yonghee Sung, Young-uk Lee, Bijana Ciric, KentaroTaki, Howard Besser, Yasuhiro Nishimura, Eung-A Kang, Sumitomo Fumihiko, Won–Kon Yi, Ross Harley,LizHughes /Caroline Farmer y Simon Maidmen/Vikki Mcllnness.
Organiza_ Ministerio de Cultura. D. G. de Bellas Artes y Bienes Culturales. Subdirección General de
Promoción de las Bellas Artes.
Proyecto_ Casa Asia
Colabora_ Loop. Alternative Space
Patrocina_ Haier
Comisariado_ Menene Gras. Casa Asia
Coordinación_
Antonio Sánchez Luengo. Ministerio de Cultura.
Mariflor Sanz. Ministerio de Cultura.
Rodrigo Escamilla. Casa Asia.
Diseño gráfico_Casa Asia
Montaje_ Montajes Horche S.L.
Comunicación_ Concepción Sánchez. Ministerio de Cultura

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Una de las intenciones que viene marcando la programación de LOOP/Screen from Barcelona es la de intentar que el festival sirva de marco para presentar obras en primicia. Tanto en la feria como en las propuestas expositivas o screenings, se ha procurado siempre priorizar estrenos o trabajos muy recientes. En 2011, esta tendencia se consolida en un programa, First Screen / Premières de artistas en La Pedrera fruto de la colaboración de LOOP/ Screen from Barcelona y la Fundación CatalunyaCaixa, que surge de la voluntad de explorar la diversidad de estrategias creativas que se dan cita en el ámbito de las prácticas artísticas audiovisuales contemporáneas.

Con una frecuencia mensual, se presentan obras que se estrenan a nivel nacional o Europeo, y que se adecuan o están destinadas a unas condiciones de proyección cinematográficas. El término “première”, fuertemente asociado con el universo del cine, hace hincapié en el “retorno al cine” que solicitan muchos artistas audiovisuales a la hora de presentar sus obras, con la intención de reunir las condiciones óptimas para la apreciación de las mismas. Este hecho conecta con el criterio que define el programa y que consiste en señalar los intercambios y contaminaciones que se dan entre territorios colindantes del espacio audiovisual. Poniendo el dedo sobre las zonas de contacto o el contagio entre prácticas artísticas audiovisuales y el cine (incluyendo sus diversos géneros), el documental, los medios de comunicación, el video-juego o el vídeo clip, por ejemplo, se evita una aproximación del arte de la imagen en movimiento segregada del resto de géneros audiovisuales.

Al mostrar las hibridaciones que constantemente tienen lugar en este ámbito, el objetivo no es tanto asignar o acotar el campo propio del arte audiovisual, sino liberar la capacidad de apreciarlo de las etiquetas de género o categoría.

Seleccionando obras que emplean distintas estrategias creativas y referencias audiovisuales, la intención del programa es tomar estas piezas como expresiones de una voluntad artística de expandir el campo y las posibilidades de la cultura audiovisual contemporánea.

Cacotopía (2011)

22’. 2011

Cacotopía es la primera pieza que realizan de forma conjunta Daniel G. Andújar+Avelino Sala , se inscribe en la línea de trabajo que ambos llevan a cabo en torno a la crítica y reflexión sobre las sociedades y sistemas socio-políticos actuales. La metodología forma parte de un modo de hacer que en cierta manera caracteriza a los autores, quienes en múltiples ocasiones han llevado a cabo una investigación iconográfica que les exime de la obligación de crear imágenes. Es decir, rastrean e investigan la llamada iconosfera con el fin de rescatar imágenes que forman parte de nuestro imaginario colectivo. Inscritos en lo que Nicolas Bourriaud acuñó como estrategias de postpodrucción audiovisual, son capaces de aislar la imagen, descontextualizarla y otorgarle un nuevo lugar dentro de la narración que ellos crean con el fin de crear nuevos significados. Es en este sentido que podemos hablar de un trabajo de naturaleza duchampiana que alberga la idea de  readymade audiovisual.

En esta ocasión abordan el tema de la cacotopía, (para el que conviene recordar la propia etimología de la palabra: “caco”, lo peor, y  “topos”, lugar). El vocablo lo acuñó Jeremy Bentham en 1818 pero fue su discípulo John Stuart Milll quién dio lugar a su sinónimo distopía. La distopía surge por contraposición a la utopía y viene a ser una especie de utopía perversa en la que la sociedad y la evolución transcurren en términos opuestos a los de una sociedad ideal. La distopía alude a una sociedad ficticia ubicada en un futuro cercano donde las consecuencias de la manipulación y el totalitarismo despótico llevado a cabo por el estado dan lugar a un caos incontrolado.

La pieza se divide en 5 capítulos que van planteando diversos modos de pensar la contradicción inherente al vocablo. Los cuatro primeros confeccionados a partir de material proveniente de algunos de los clásicos cinematográficos que abordan la cuestión y el quinto construido a partir de imágenes reales sobre las últimas manifestaciones y reivindicaciones sociales originadas en Atenas, Londres, Roma o Barcelona.

Siguiendo el propio recorrido del concepto nos adentramos en la doble lectura que presenta la pieza. La narración nos permite situarnos en un espacio atemporal que nos es fácilmente reconocible. Presente, pasado y futuro se erigen como estigma de lo contemporáneo a través de una indagación radical en lo etimólogico y sociológico. Planteamientos que reabren debates inaugurados en el s. XVI con Tomás Moro, pasando por Hannah Arendt y sus tesis visionarias de la sociedad o algunas de las últimas teorías de Slavoj Zizek sobre la muerte y el capitalismo.

Imma Prieto. (comisaria del proyecto)

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León.Capital preview video 01 from tttp on Vimeo.

Musac, León, Spain, 24 sep 2011

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Avance de ‘An-archy’ (Archivo Sinapsis) el 8 de mayo

Emisión: Domingo 8 mayo 18.30 en La 2 RTVE
Reemisión: Martes 10 mayo 00.45 en La 2 RTVE  (Ver On-Line)

An-archy, de Daniel G. Andújar para RTVE

Inda, una exitosa empresaria de Internet y dirigente de un influyente grupo de presión, inicia un viaje hacia el pasado, hurgando el archivo de sus recuerdos, intentando reconstruir su memoria. Nacida en el exilio en 1959, hija y nieta de exiliadas, de represaliados, inicia una serie de viajes al país de origen de su familia para enfrentarse a viejos y nuevos fantasmas. El primer viaje iniciático a España lo realiza el 21 de Noviembre de 1975 con tan solo 16 años. Le sucederán otros en octubre de 1977, en 1978, y de así sucesivamente, en un ir y venir entre recuerdos, descubrimientos, sentimientos enfrentados y reencuentros consigo misma. Una tentativa de aproximación a la estructura y a los límites de una personalidad compleja, esquiva, desconocida e inédita.

Daniel G. Andújar es un artista visual, conocido activista en la red y teórico del arte. Vive y trabaja en Barcelona. Daniel G. Andújar cuestiona, mediante la ironía y la utilización de estrategias de presentación de las nuevas tecnologías de la comunicación, las promesas democráticas e igualitarias de estos medios y critica la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia.

Revisitando la historia
El Archivo de RTVE es un tesoro de imágenes y sonidos que refleja el tiempo en que fueron grabados: el pensamiento, la estética, el humor de la época… El programa Archivos trabaja con este material audiovisual  para ofrecer al espectador una nueva lectura de nuestro pasado. Una perspectiva diferente y crítica de quiénes fuimos y, por tanto, de quiénes somos.

TVE nació en 1956 y RNE durante la Guerra Civil. Todos los acontecimientos políticos, sociales, culturales y científicos que han ocurrido dentro y fuera del país están recogidos en nuestro archivo. Además del valor incuestionable del No-Do.

El programa Archivos aprovecha la distancia que genera el tiempo para analizar aquellas imágenes y los textos que las acompañaron y  preguntarnos qué sentido tenían, qué nos aportan ahora.

Archivos es el nombre genérico de un cuerpo con tres cabezas: Archivos-Tema, Archivos-Antología y Archivos-Sinapsis. Tres lecturas singulares de nuestra propia historia y tres formas de abordar el polisémico mundo del archivo.

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El País

Antes lo radical en arte era un soporte como el vídeo, ahora lo es la multiplicidad de medios. Una exposición hace un zapeo por los cuarenta años del género audiovisual en España

El mensaje ha vuelto a superar al medio. Lo que en sus inicios y desarrollo se llamó videoarte, videodanza, videoperformance, hoy ya solo es arte. La técnica es una especificación secundaria, como lo puede ser la pintura, la escultura, la instalación, la fotografía, medios digitales y otros tipos de impresiones. Y eso es quizá porque hoy los artistas echan mano de todas esas técnicas -y otras más- para crear piezas mixtas o simplemente variar de medio de expresión cuando la idea lo requiera. Ese es el punto de llegada de la exposición VideoStorias, que se inauguró ayer en Artium (Vitoria). Un repaso al vídeo artístico hecho en España desde sus inicios, en los años setenta, pero con especial énfasis en lo último, lo híbrido. “Se sigue usando la etiqueta de vídeo a lo que hoy, con el predominio de lo digital, debería llamarse ya de otra manera. Tal vez, solo imagen en movimiento o audiovisuales. La lectura de este medio es hoy distinta, es un medio expandido”, explica Blanca de la Torre, una de las dos comisarias de la muestra, junto a Imma Prieto.

“Se sigue usando la etiqueta de vídeo a lo que hoy, con el predominio de lo digital, debería llamarse de otra manera”

Son cerca de cuarenta años de historia y, evidentemente, el recorrido no ha sido lineal. Por eso han concebido un montaje a partir de cuatro itinerarios marcados en el suelo como si fueran un mapa del metro de cualquier ciudad. Las líneas son Teknés, Política, Sujeto e Híbridos. Una quinta sección, Próxima Estación, es una sala con dos sofás y una pantalla táctil donde se elige a la carta lo que se quiere ver. “Hemos escogido piezas clave, históricas, junto con otras no tan conocidas pero significativas y algunas completamente nuevas e inéditas”, dice De la Torre. La muestra recoge 77 trabajos, de los cuales 44 son de mujeres, 33 de hombres y cuatro de colectivos artísticos. “No hemos pretendido hacer un directorio exhaustivo, hemos seleccionado las que nos interesaban más. En cuanto a la proporción de mujeres, simplemente es que hay muchas de las más importantes artistas españolas trabajando en este medio. Habitualmente se suele dar preeminencia a los artistas masculinos, nosotras empezamos por ellas. Faltan nombres importantes en ambos casos, como los de Jon Mikel Euba o Paloma Navares, por poner dos ejemplos. Pero creo que la lista final contiene piezas bastante interesantes para lo que nos proponemos exponer”.

El primer recorrido, la línea azul, es Teknés (lo tecnológico) y, por tanto, traza un recorrido cronológico desde la utilización del soporte vídeo. “Aunque, echando la vista atrás, consideremos que el cine experimental ya sentaba las bases de este arte audiovisual, hemos tomado como punto de partida el uso del soporte electromagnético porque si no nos tendríamos que haber remontado hasta Buñuel”, comenta la comisaria. En este apartado hay piezas recuperadas, como Primera muerte (1970), de Ángel Jové, Antoni Llena, Silvia Gubern y Jordi Galí. “Quizá la primera pieza de videoarte, de la que no tenían copia ni los autores. La rescatamos a través de los archivos de TV3″, dice De la Torre. En la línea azul hay paradas en V2 (1973), de Eugeni Bonet; Revival Solitary (1980), de Maite Ninou, otro vídeo rescatado; Tránsito (1988), de Ignacio Pardo; Tetsuo Bond To Fail (1998), de Sergio Prego, o El perfecto cerdo (2005), de María Cañas.

La línea verde, Sujetos, agrupa trabajos centrados en el retrato y autorretrato. Todo ello teñido por las preguntas sobre la identidad, la incomunicación o la vulnerabilidad del ser humano. Las paradas contienen obras como Imitation of myself (1974), de Francesc Torres; Before your name (1998), de Alicia Framis; Animales de compañía (2005), de Ruth Gómez; She Wolf (2006), de Pilar Albarracín, o La Liberté raisonnée (2010), de Cristina Lucas. En Políticas, la línea roja pasa por piezas pioneras como Vaga de benzineres (1977), del colectivo Video Nou; EAE, Acción en el museo (1983-2001), de Txomin Badiola; Technologies to the people. Postcapital Archive Project. Black Box (2006), de Daniel G. Andújar, o el inédito Ser y durar (2011), del colectivo Democracia, en el que unos individuos hacen parkour entre las tumbas ilustres en el cementerio de La Almudena.

“El único artista con dos obras es Antoni Muntadas”, dice De la Torre. “No solo porque es uno de los maestros, sino porque ha conseguido recuperar fragmentos perdidos de su trabajo Cadaqués Canal Local (1974), una experiencia de vídeo comunitario al estilo de Guerrilla Televisión, que se proyectaba en bares y locales del pueblo. La otra pieza pertenece a su trabajo On Translation, iniciado en 1997 y que continúa. La pieza incluida aquí es Miedo (2007)”.

En la línea Híbridos de este metro imaginario hay también recuperaciones especiales para esta exposición como la pieza OSNABRÜCK: OSNABRÜCK (1988), de Concha Jerez; Dial M for Murder (2010), una instalación de Daniel Canogar; La isla de hidrógeno (2010), del colectivo PSJM, que combina escultura, novela e imagen digital, y 2000 volts (2004), de Guillem Bayo, que consta de una silla eléctrica y un gran espejo, donde el espectador asiste a su propia electrocución (no letal).

“No se tiene que ver toda la exposición de una sola vez”, afirma la comisaria. “El planteamiento curatorial es el de ofrecer lecturas múltiples y hacer una especie de zapping, tal como estamos ahora acostumbrados a comportarnos”.

VideoStorias. Artium. Francia, 24. Vitoria-Gasteiz. Hasta el 4 de septiembre.

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Comisarias de la exposición:
Blanca de la Torre e Imma Prieto

Producida por ARTIUM (Vitoria-Gasteiz)

Catálogo de la exposición (textos de):
Blanca de la Torre, Imma Prieto, Ángel Quintana, Nekane Aramburu,  Emilio Álvarez,  Juan Ramón Barbancho, Laura Baigorri, Susana Blas, Eugeni Bonet, Antoni Mercader, María Pallier y Berta Sichel.

Ciclo de conferencias

Ámbitos, contextos, recorridos:  VideoStorias
Guadalupe Echevarría, Antoni Mercader, Gabriel Villota y Eugeni Bonet

Batalla de pantallas
Félix Pérez Hita, Jorge Luis Marzo, Fito Rodríguez

(consultar programa completo)
www.artium.org

ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición VideoStorias (Sala Norte, desde el 15 de abril hasta el 4 de septiembre de 2011), una particular revisión del videoarte del estado español en los últimos cuarenta años a través de la obra de más de setenta artistas, más del 50 por ciento mujeres, y con especial hincapié en la última década. La muestra se articula a través de cuatro posibles recorridos que atienden al interés por el individuo, por lo político, por lo tecnológico o por la conexión con otros lenguajes artísticos. Las líneas que marcan estos recorridos se entrecruzan en determinadas obras, lo que permite al visitante “transbordar” y cambiar el destino, como en una línea de metro. Comisariada por Blanca de la Torre e Imma Prieto, la exposición dispone de un catálogo de diseño especial con diversos textos y las fichas de cada una de las obras expuestas. ARTIUM ha programado, en torno a VideoStorias, un ciclo de conferencias en el que participarán Antoni Mercader, Eugeni Bonet, Guadalupe Echevarria y Gabriel Villota.
VideoStorias no plantea un recorrido único, lineal, estrictamente cronológico por la historia de la videocreación española desde sus inicios hasta la actualidad, sino que, al contrario, la exposición permite -y en cierto modo exige- al espectador crear uno o varios itinerarios que le conducen a un final que el propio visitante puede elegir. Organizada en torno a cuatro ámbitos temáticos (Teknés, Sujetos, Políticas e Híbridos) y con evidentes referencias a Rayuela de Julio Cortázar -explícitas en la edición del catálogo de la muestra-, el espectador sigue los itinerarios marcados con líneas de colores pero, puesto que los ámbitos marcados no son en absoluto excluyentes, salta -o transborda- con naturalidad de un contexto a otro, como si se tratara de las diferentes líneas de una red de transporte público.

El espectador se encuentra a la llegada con la necesidad de elegir el color de la línea con la que iniciar su trayecto: azul, verde, rojo o amarillo. A lo largo del recorrido se encontrará en cruces de líneas con obras que comparten dos o más ámbitos; algunas comparten tres estaciones, como Indian Circle, de Eugenia Balcells (1981), Estrecho Adventure, 1996, de Valeriano López (1996) o 2000 Volts, de Guillem Bayo (2004), y algunas son cruce de al menos dos líneas. En estos cruces, tendrá la opción de cambiar de línea o seguir por la misma.

Teknés, Sujetos, Políticas e Híbridos

La línea azul corresponde al ámbito del Teknés (lo tecnológico). Siguiéndola el espectador puede asistir a una de las posibles historias del vídeo en España, puesto que esta “ruta” sigue un itinerario cronológico ligado al desarrollo tecnológico y a la evolución del soporte como medio de expresión artística. Aquí el espectador encuentra las imágenes que ha sido posible recuperar de la que se considera una de las primeras piezas de videoarte en España, Primera muerte, de Àngel Jové, Antoni Llena, Sílvia Gubern y Jordi Galí (1970). También en la misma línea es posible pararse en obras de Eugeni Bonet (V2, 1973), Maite Ninou (Revival Solitary, 1980), Ignacio Pardo (Tránsito, 1988), Sergio Prego (Tetsuo Bound to Fail, 1998) o María Cañas (El perfecto cerdo, 2005) e incluso cambiar de línea tras detenerse en piezas de Antoni Muntadas (Cadaqués Canal Local, 1974), Iñigo Salaberria (La noche navegable, 1993), Txuspo Poyo (Delay Glass, 2007) o Eugenio Ampudia (Collectors, 2009), entre otros.

La ruta verde, Sujetos, recorre los géneros de retrato y autorretrato y lo relacionado con la denominada “mirror image” (la imagen del espectador como un reflejo de su paso por la exposición). A través de una mirada hacia dentro o hacia fuera del propio artista, en este ámbito pueden verse trabajos sobre cuestiones como el género, la comunicación (o incomunicación) y la fragilidad y vulnerabilidad del ser humano. Obras de Francesc Torres (Imitation of Myself, 1974), Alicia Framis (Before Your Name, 1998), Ruth Gómez (Animales de compañía, 2005), Pilar Albarracín (She Wolf, 2006), Eulàlia Valdosera (Interviewing Objects, 2008), Mabel Palacín (Hinterland, 2009), Ángeles Agrela (Entrevista, 2010), Jordi Colomer (The Istanbul Map, 2010), Cristina Lucas (La Liberté raisonnée, 2010), o Carles Congost (Bad Painting, 2011), son estaciones dentro de esta línea.

El recorrido marcado por la línea roja es el de las Políticas. El vídeo ha sido siempre un soporte que ha permitido al artista tejer una serie de discursos políticos, enfocados hacia lo social, y dibujar un paisaje que va desde las posturas más pesimistas hasta las utopías más radicales. Artistas como Colectivo Video Nou (Vaga de benzineres, 1977), Txomin Badiola (EAE. Acción en el museo, 1983-2001), Daniel García Andujar (Technologies to the people. “Postcapital. Archive Project”.  Black Box, 2006), Fernando Sánchez Castillo (Pegasus Dance, 2008), y el colectivo Democracia (Ser y durar, 2011), entre otros, se encuentran en esta ruta.

Finalmente, la línea amarilla, Híbridos, marca la conexión del videoarte con ámbitos de la creación cercanos pero diferentes, y muestra los múltiples diálogos que mantiene con otros lenguajes tales como la danza, la música, la performance, el videojuego, la escultura o el videoclip, entre muchos otros. Concha Jerez (OSNABRÜCK: OSNA-BRÜCK, 1988), Joan Morey (F_TERROR* ism par STP (Fucking Fashion Rules), 2002, Itziar Okariz (Thanks, 2004), Guillem Bayo (2000 volts, 2004), Eugenio Ampudia (Collectors, 2009), Dora García (Insulto al público: adaptación, 2009), Daniel Canogar (Dial M for Murder, 2010) o PSJM (La isla de hidrógeno, 2010), se encuentran en esta ruta de VideoStorias.

Haya elegido el recorrido que haya elegido, el espectador aún tiene un elemento más de decisión que le permitirá determinar el final de su historia con el videoarte: una última parada, titulada Próxima estación, está planteada como un espacio de vídeo a la carta en el que podrá visualizar vídeos que no están presentes en ninguno de los recorridos principales. De esta manera, el término de la exposición es un final abierto y sin conclusiones categóricas, que es, en cualquier caso, una de las pretensiones de las comisarias.

El catálogo

Con motivo de VideoStorias, ARTIUM ha editado un catálogo de diseño especial, un estuche que contiene tres libros y una colección de fichas de las obras expuestas. Al igual que la exposición, el catálogo permite al lector adoptar distintos recorridos e incluso evitar el paso por determinados lugares del libro, ya que combina textos que se asemejan a apuntes de archivos con la posibilidad de elegir el orden de lectura, inspirado en obras como Rayuela, de Julio Cortázar, La exhibición de atrocidades de Ballard y esos libros de “elige tu propia aventura” dirigidos al público juvenil.

Aunque Rayuela está presente incluso en el índice, ya que varios de los capítulos refieren a los títulos de las partes del libro de Cortázar (Del lado de acá, Del lado de Allá, De otros lados), es en el capítulo Itinerarios/Disyuntivas (De otros lados), texto de las comisarias Blanca de la Torre e Imma Prieto, donde más se aprecia esa herencia: la intersección de las líneas, el hecho de invitar al lector a saltar de ámbito en ámbito, la posibilidad de acceder sólo al núcleo de información esencial…

El libro contiene además un recorrido cronológico por la historia del videoarte -Ni son todos los que están, ni están todos los que son (Del lado de allá), también de Prieto y de la Torre-, un escrito de Ángel Quintana (Repensar las fronteras entre prácticas e imágenes) y una serie de textos breves de carácter personal, agrupados bajo el título Videorrelatos, entre cuyos autores se encuentran Susana Blas, Antoni Mercader, Eugeni Bonet, María Pallier, Berta Sichel y Nekane Aramburu, entre otros.

El estuche se completa con las fichas de las 78 obras de los 77 artistas, con un código de colores que las asigna a la línea o líneas a las que pertenecen cada una y un comentario curatorial de las comisarias.

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Daniel García Andújar en IED Máster – Observatorio Cultural 2010 from IED Madrid on Vimeo.

El artista multimedia y teórico del arte García Andújar impartió la conferencia “Estructuras de la imagen, hurgando el código” en el IED Madrid, dentro del Observatorio Cultural, un espacio creado por el Master of European Design Labs para examinar las derivas contemporáneas del mundo de la creación. García Andújar (Almoradí, 1966) centra su trabajo en los campos del videoarte y el net.art, siendo uno de los creadores más críticos e irónicos del panorama artístico actual. Sus piezas son una invitación a reflexionar sobre el uso actual de los medios tecnológicos y de comunicación para desmontar el sistema de jerarquía dominante en éstos mediante la libre circulación de información, redes de cooperación y nuevos conceptos como el hacktivismo.

www.iedmadrid.com

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